Arquivo de agosto, 2017

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Foto: Divulgação/Gshow

No início deste ano, Juliana Paes, uma das maiores estrelas da televisão brasileira, detentora de uma popularidade impressionante, já havia nos impactado com a personagem Zana, na primeira fase da minissérie de Maria Camargo adaptada do livro de Milton Hatoum, “Dois Irmãos”, na Rede Globo (na fase seguinte, com o mesmo brilho, Zana foi interpretada por Eliane Giardini). Neste papel, Juliana, que é natural de Rio Bonito, interior do Estado do Rio de Janeiro, demonstrou uma potência dramática de elevadíssimo nível, como a mãe sofredora de dois filhos gêmeos homens que nutriam um pelo outro sentimentos intensos de ódio, ciúme e inveja (Omar e Yaqub foram defendidos por Cauã Reymond). Esta composição de Juliana, a despeito da produção ter sido gravada em 2015, já poderia ser eleita como uma das melhores do ano na TV. Entretanto, no começo de abril, estreava “A Força do Querer”, a nova novela de Gloria Perez após cinco anos, que viria a nos mostrar mais uma notável atuação de Juliana Paes. Alguns de seus grandes chamarizes seriam a reunião de atores (muitos deles comumente escalados como protagonistas de outras obras) em distintos núcleos, e a abordagem de temas com vieses polêmicos (como Gloria está habituada a fazer), sem preterir os elementos clássicos que definem uma atração deste gênero. Em um desses núcleos, está Juliana, que despontou para o Brasil ao viver Ritinha, a empregada doméstica que encantava o seu patrão Danilo, Alexandre Borges, em “Laços de Família”, de Manoel Carlos (2000). Um enorme desafio em sua bem-sucedida carreira lhe caberia nesta trama do horário nobre que tem atingido ótimos índices de audiência e repercussão como há muito não se via: personificar Bibi, uma mulher que acaba se envolvendo com o crime a fim de não abandonar o seu marido Rubinho (Emílio Dantas em atuação arrebatadora), acusado e preso por tráfico de entorpecentes. Baseada em fatos reais extraídos do livro “Perigosa”, de Fabiana Escobar, a história de Fabiana se desenvolveu aos poucos na telenovela, revelando-nos todas as etapas de sua vida comum até chegar à fase de seu envolvimento com a ilegalidade. A belíssima Bibi, filha de Aurora (a excelente Elizangela), nos primeiros capítulos de “A Força do Querer”, era noiva de Caio (Rodrigo Lombardi), um sério e dedicado rapaz com um futuro promissor como advogado, que havia conhecido nos tempos acadêmicos. Bibi é passional e ciumenta, e se ressente de não ter a atenção devida de seu parceiro, mais preocupado com suas aspirações profissionais (vale destacar o inspirado e convincente desempenho de Rodrigo Lombardi, repetindo o par com a atriz depois do sucesso de “Caminho das Índias”, da mesma Gloria Perez). O término do compromisso ocorre após o irmão de Heleninha (Totia Meireles) descobrir que está sendo traído por sua companheira, “a mulher que ama grande”, com o garçom Rubinho. Desiludido, Caio abandona seu importante cargo nas empresas Garcia, e viaja, decidido a refazer a sua vida. Neste ínterim, Bibi também segue outros rumos. Sem nunca ter terminado seus estudos de Direito, para desgosto de sua mãe, casa-se com Rubinho, tendo um filho, Dedé (o adorável João Bravo). Trabalhando como cabeleireira e manicure, enquanto seu marido, estudante de Química, faz “bicos”, leva uma vida modesta. A situação econômica dos dois piora, ao ponto de dividirem um colchão num depósito de bar. Até que Caio retorna ao Brasil, e muda todo o contexto da situação. Penalizado com o estado de necessidade em que se encontra a sua ex-noiva, ajuda-a, com a cumplicidade de Aurora, de diferentes maneiras. Oferece-lhe, sem que saiba, em nome de sua mãe, por um módico valor de aluguel, uma boa casa para morar com o seu marido e filho, e pede ao amigo Dantas (Edson Celulari), que empregue Rubinho em seu sofisticado restaurante. A vida do casal parecia finalmente ter entrado nos eixos. Bonito, educado e comunicativo, Rubinho, alçado ao posto de maître, indica-nos que se estabeleceu social e financeiramente, voltando, inclusive, a frequentar a faculdade. Todavia, telefonemas repetidos e fora de hora, além das entradas mal justificadas de dinheiro em casa, levantam as suspeitas de sua sogra. Alegando ser intermediário em transações de corretagem com os clientes do restaurante, Rubinho, na verdade, estava traficando drogas não só em seu local de trabalho, mas na rua onde morava. Bibi procura acreditar nas desculpas do marido, sempre acompanhadas de promessas de uma vida melhor, ao se ausentar de casa, do restaurante e da faculdade, apesar de intuir que possui uma amante. Presentes variados e caros dados à família, a aquisição de um carro moderno e a rápida mudança em seu padrão de vida aumentam as desconfianças não só de Aurora, mas dos vizinhos também (Yuri, representado por Drico Alves, um jovem ator bastante seguro em cena, flagra, com o seu celular, as visitas estranhas recebidas por Rubinho em sua residência). Em outro núcleo, a major Jeiza (Paolla Oliveira em significativo momento de sua trajetória artística) se prepara para comandar uma megaoperação de apreensão de drogas transportadas em caminhões. Na blitz policial, com direito a troca de tiros entre os representantes das leis e os criminosos, Jeiza “teve a impressão” de ter visto Rubinho no bando de delinquentes. Inicia-se aí a jornada implacável da major para provar a culpabilidade do maître como integrante de uma sólida facção criminosa, o que gera, inevitavelmente, a ira de Bibi (as cenas de confronto, que não foram poucas, entre Juliana Paes e Paolla Oliveira, foram invariavelmente marcadas por crescente tensão, exibindo o vultoso talento de ambas). Com o vazamento das fotos tiradas por Yuri, e consequente denúncia de Heleninha, a situação do genro de Aurora se complica. Preso, ameaçado pelos seus colegas de cela, passa a pedir favores à mulher para “levantar a sua moral” junto aos presos. O passo crucial que delimitou a entrada de Bibi no mundo do crime se deu quando incendiou o escritório do restaurante de Dantas com o propósito de destruir os dados comprometedores de Rubens no computador (sua culpa até hoje não foi provada, a despeito da ciência de Caio, promovido ao cargo de assessor da Secretaria de Segurança). Desobedecendo aos conselhos de sua progenitora, que sempre cita os “sinais” que ela recebe para sair a tempo da criminalidade, a personagem de Juliana Paes resolve subir o fictício Morro do Beco (a comunidade de Tavares Bastos, no Catete, no Rio de Janeiro, serve de locação) para falar diretamente com o chefe do tráfico, Sabiá (Jonathan Azevedo). Consegue a sua confiança e admiração pela coragem, garantindo a sobrevivência de seu esposo. Aos poucos, Fabiana vai cometendo uma série de pequenos delitos, como entrar às escondidas na penitenciária para encontros íntimos. E grandes, como servir de mensageira de informações entre os membros da facção (o que já configura o seu indiciamento no crime “associação ao tráfico”). Parece não haver freios para a ex-noiva de Caio, que volta e meia se convence de que tudo seria diferente em sua vida se não tivesse se separado dele, e se tivesse aceitado a sua proposta de uma nova tentativa de relacionamento amoroso. Bibi auxilia na primeira e frustrada fuga de Rubinho da cadeia. Em sua segunda tentativa, desta vez com êxito, o detento, auxiliado por comparsas, escapa por uma tubulação de esgoto. Com o rapaz de barba e cabelos curtos ruivos morando na favela, e ganhando cada vez mais prestígio entre os seus pares, devido às suas ideias e conhecimentos de Química, usados para alavancar e organizar o negócio ilícito, as visitas de Bibi ao morro são cada vez mais frequentes, enquanto o filho do casal sofre bullying na escola, na rua, sendo discriminado por seus coleguinhas até no dia de seu aniversário. Trilhando um caminho sem volta, como ela mesma diz (“Não tem volta”), a ex-estudante de Direito, aplicada e defensora dos preceitos legais, agora faz entrega de carregamento de armas pesadas no porta-malas de seu carro. Cada vez mais seduzida pelo universo do crime, com seus bailes grandiosos e camarotes vip, sua forma particular de hierarquia e poder, fartura de bebidas e cordões pesados de ouro, Bibi passa a dividir um quarto com o seu marido, que lhe promete saírem de lá, e recomeçarem uma nova vida. Leva consigo o seu filho, que fica decepcionado com o que vê. Nas festas da comunidade às quais vai, a amiga de Ritinha (Isis Valverde) nos deixa patente que o seu ciúme doentio permanece inalterado. Um dos ápices deste ciúme, e que lhe garantiu o epíteto de “Perigosa” pelos integrantes da quadrilha, decorreu quando uma mulher se aproximou de Rubens com outras intenções, e Bibi lhe arrancou, como se a tivesse escalpelado, uma espessa parte dos apliques de seu cabelo, suspendendo-a, com um dos braços, tal como um troféu, para o delírio dos presentes. Notamos no papel de Juliana uma confluência de duas personalidades que se colidem: a original, a Bibi alegre, amorosa, amiga, carinhosa com a mãe e capaz de ajudar o outro, como na ocasião em que salvou Silvana (Lilia Cabral) de uma enrascada num cassino clandestino de subúrbio, e a contingencial, que se expõe pela sua conquistada autoridade lograda por meio de seu comportamento ameaçador, agressivo e vingativo. Também salvou a vida de Caio, ao esbarrar propositadamente em um criminoso, quando o mesmo alvejava a autoridade. Houve uma passagem interessante em que vimos a Bibi de antes ao chamar a atenção de seu marido quanto à sua mudança de perfil (o jovem ostentou uma faceta cruel que lhe era desconhecida). A personagem também vivencia conflitos no que concerne aos seus sentimentos. Ao que parece, ainda sente amor ou afeto por Caio, e por Rubinho, o que sente é uma avassaladora paixão, o que naturalmente a cega, movida por doses excessivas de adrenalina. Uma mulher sem limites, capaz de tudo pelo homem pelo qual se apaixona. Assim poderíamos definir Fabiana. Merece destaque a inacreditável habilidade da moça em construir enredos inventivos com o intento de encobrir algum malfeito, seja quem for o seu interlocutor, que pode ser tanto Caio quanto um delegado de polícia. Se bem que, recentemente, a vizinha de Heleninha capitulou diante do assessor de Segurança Pública, quando este a interpelou acerca do incêndio no restaurante do pai de Cibele (Bruna Linzmeyer). No capítulo de ontem, houve cenas definitivas na novela de Gloria Perez. O traficante Sabiá (a atuação de Jonathan Azevedo é de um realismo incontestável) é atingido por um tiro durante uma batida policial no morro, tendo Bibi como testemunha. Imediatamente, Rubinho assume o seu posto de chefe da facção, dando ordens furiosas aos seus agora subordinados. Antes disso, já havia saído uma matéria nas páginas policiais se referindo ao rapaz como o “Barão do Pó”, e a Bibi, como a “Baronesa do Pó”. Percebe-se na expressão de Bibi uma preocupação e insegurança com este novo status. Juliana Paes, que criou personagens marcantes em novelas como “Celebridade”, “América”, “Gabriela” (como a própria) e “Meu Pedacinho de Chão” (seu penúltimo trabalho neste gênero de produção foi em “Totalmente Demais”, como a vilã Carolina) tem exibido o seu enorme amadurecimento artístico ao interpretar um tipo de personagem dificílimo, complexo, contraditório, e que poderia facilmente obter a rejeição do público. Mas isto, graças ao seu extenso talento, não aconteceu. Bibi é uma das personagens mais populares da trama, e tem sido responsável por algumas das melhores cenas da telenovela. Juliana usa com bastante expressividade os seus olhos para traduzir as suas emoções. Fixos, penetrantes, eles nos dizem o que querem. Impressiona-nos do mesmo modo a forma como a intérprete impôs à sua voz e ao texto da autora um tom espontâneo, natural e popular, recheado de gírias e linguajar típicos do ambiente novo ao qual se adapta. Suas beleza e sensualidade, com roupas justas e chamativas, que delineiam a sua forma física perfeita, são tão exuberantes que não sobra um único espaço para um mínimo de vulgaridade (levando-se em consideração o contexto da dramaturgia). O jeito como Juliana caminha, seja pelas ruas da vizinhança, seja pelas vielas da comunidade, impõem o respeito e a personalidade que o papel exige. Não podemos deixar de mencionar o impecável trabalho de direção de Rogério Gomes, Pedro Vasconcelos e equipe pelas cenas (a equipe de diretores da novela é complementada por Claudio Boeckel, Luciana Oliveira, Roberta Richard, Fábio Strazzer e Allan Fiterman), muitas delas de ação, com fortes inspirações cinematográficas. As tomadas aéreas da Favela do Beco (inclusive quando há o baile), de suas labirínticas ruas, com subidas e descidas, escadas estreitas e íngremes, e centenas de casas chocam pela grandiosidade visual. A trilha sonora incidental (música original de Rodolpho Rebuzzi e Mú Carvalho; gerência musical de Marcel Klemm) que acompanha as cenas de Fabiana nos causa uma indomável apreensão (há uma batida lenta de um tamborim, além de um som perturbador insistente que nos indica a gravidade da situação). Obra impecável. Cinema de altíssima qualidade na TV. Alguns alegam que Gloria Perez tem feito uma “glamourização” do crime ao relatar esta verídica história, com as devidas licenças. Mas o que posso dizer é que Gloria nos afirma mais uma vez ser uma escritora de ilimitada bravura, sempre conectada com os fatos do mundo contemporâneo. Coincidentemente ou não, o Rio de Janeiro, basta ler as manchetes dos jornais, há muito tempo não reportava índices de violência tão altos ligados a esta atividade criminosa. Nada do que se vê na novela é inventado, fantasiado, portanto a abordagem deste assunto é válida e importante. Bibi Perigosa é um divisor de águas na carreira de Juliana Paes. Provou-nos de que é uma excelente atriz. Com Elizangela e Emílio Dantas, igualmente fantásticos em suas atuações, “A Força do Querer” tem se firmado como uma das novelas mais atraentes dos últimos anos, e sem dúvida uma das melhores de Gloria Perez. Resta-nos saber quando Bibi Perigosa fará o caminho de volta. Se é que o fará. Para isso, terá que deixar para trás a adrenalina de que tanto gosta, e principalmente deixar de ser… “perigosa”.

 

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Foto: José Limongi

Enquanto o público entra no teatro, os atores Kelzy Ecard e Gustavo Vaz, já imbuídos em seus personagens, a mãe Agatha e o filho Francis, vão de um lado ao outro da ribalta organizando o cenário. Kelzy e Gustavo reposicionam baldes pretos e sacos de areia, e os enfileiram ao fundo. Há terra e poeira suspensa no ar. Suas roupas rústicas estão manchadas com a lama dos pastos. Um enorme plástico preto é estendido sobre o tablado. Há um paralelo entre este trabalho dos intérpretes à vista dos espectadores, iniciando uma familiarização destes com o universo da peça, com a lida diária dos moradores da fazenda onde se desenrolará a ação. O espetáculo “Tom na Fazenda” (“Tom à la Ferme”, no original), uma das montagens mais incensadas e elogiadas do momento no Rio de Janeiro, com indicações aos principais prêmios da temporada, tem a sua dramaturgia assinada pelo laureado autor canadense Michel Marc Bouchard, sendo esta a primeira montagem de sua obra em solo brasileiro (a peça fora traduzida e encenada em diversos países, e sua estreia ocorreu em Montreal, Canadá, em 2011). O ator e produtor Armando Babaioff, que interpreta o próprio Tom, além de ter feito uma primorosa tradução, tomou conhecimento da história de Michel Marc através da adaptação cinematográfica de Xavier Dolan, a produção homônima franco-canadense lançada em 2013, protagonizada por Xavier. O entrecho realmente se inicia com a chegada do jovem designer gráfico de uma agência de publicidade, Tom, à fazenda dos familiares de seu namorado morto em um trágico acidente de moto, para participar dos atos cerimoniosos de seu funeral. Tom é um rapaz extremamente sofisticado e vaidoso, adepto de perfumes e roupas de grifes, que terá de enfrentar o mundo exponencialmente avesso ao qual está acostumado a frequentar. Ao chegar à fazenda, o primeiro de muitos choques. Seu namorado havia omitido de sua família o relacionamento homoafetivo que mantinha com ele. Passa, a partir daí, a se apresentar como apenas um amigo que fora prestar as suas últimas homenagens. Agatha, a mãe, recebe-o a princípio com grande entusiasmo, nutrindo pelo visitante uma crescente admiração e encantamento pelo seu jeito de ser. Face às circunstâncias, Tom, imerso em desorientações particulares, envereda-se por um caminho regado a mentiras convenientes, como a existência de uma amiga em comum, Helen/Sarah (Camila Nhary), que ocuparia a posição da namorada do moço falecido. As tensões começam a surgir com a entrada em cena do irmão de seu namorado, Francis. Francis é um homem rude, tosco, bruto, ameaçador e violento. O rapaz alto, branco e robusto se aproxima de Tom, reafirmando as suas características que o tornam uma pessoa com caráter temível. Num caminho sem volta, Tom, passivo diante da alternância de opressão daquela família, por vezes velada, por vezes assumida, passa a executar as obrigações cotidianas do isolado clã, como se vestir para a lida no campo, ordenhar vacas e fazer o parto de um bezerro. Essas “conquistas” o enchem de orgulho, e no caso do parto, de êxtase. Existe no núcleo familiar uma infelicidade nata não revelada, causada não somente pela morte de um de seus membros. O relacionamento entre Francis e Agatha parece alicerçado em aparências impositivas. Não são percebidos amor tampouco afeto entre a matriarca e seu filho. Aos poucos, confuso, afastando-se cada vez mais de seu habitat, com a lama e a sujeira da terra lhe deixando marcas simbólicas em suas vestes, o publicitário vai se distanciando de sua identidade original, cedendo ao cerco de seus involuntários anfitriões. A inevitável aproximação entre Tom e Francis adquire proporções imprevisíveis e incontornáveis. A repulsa do segundo pelo primeiro é dimensionada pela selvageria e truculência que o definem. Por trás da ojeriza do camponês pelo rapaz da cidade se esconde uma incontrolável atração física, que vai se evidenciando das mais diferentes formas. Seu comportamento se enquadra com congruência à conceituação de homofobia. Francis não vê possibilidades de aceitação da diferença, a despeito de seus fortes desejos por esta mesma diferença. A descoberta de suas vontades íntimas o impelem a agredir de modo assustador, verbal e fisicamente, o alvo de seus desejos carnais. Francis e Tom se digladiam como os cães ferozes caçadores de coelhos da fazenda. O balé brutal de seus corpos másculos, enlameados, encardidos e sujos possui uma coreografia truculenta de braços que se socam e se esfregam, pernas que se debatem e se cruzam, urros de ódio, dor e estranho prazer, e rostos de ódio, dor e estranho prazer. As constantes brigas físicas de Francis e Tom são o que de mais próximo podem chegar de um “ato sexual e erógeno”. Porém, não só de cenas de pugilato explícito vivem os dois. Uma dança do casal ao som de uma canção latina com seus torsos juntos em movimentos compassados recrudesce a intimidade mútua. Essa relação conflituosa alimentada por desejos proibidos atinge limites perigosos, chegando a ultrapassá-los, o que se confirma pela barbárie da tortura perpetrada por Francis, com vieses sádicos e fetichistas, em Tom (em uma das cenas mais fortes e impactantes já vistas no teatro, o personagem de Armando Babaioff é suspenso de cabeça para baixo preso somente por cabos em suas pernas; surpreendem a coragem do intérprete, que ainda assim tem que dizer o seu texto, e a pujança física de Gustavo Vaz, responsável pela suspensão e manutenção de Armando, como a sua colocação gradativa no piso do palco). A chegada da suposta namorada do rapaz morto, Helen, na verdade Sarah, à fazenda proporciona uma série de desencontros de informações, solidificando sobremaneira a mentira defendida, provocando na até então crente Agatha amplas desconfianças. A esta altura, sabedor da condição de Tom com relação ao seu irmão, Francis, a fim de preservar a sua mãe da verdade incômoda, obriga o publicitário a sustentar a invenção com Helen, que se atrapalha com o seu inglês combinado. Estas passagens da peça possuem doses de comicidade pelo próprio contexto da situação. Os conflitos se acentuam progressivamente, sem que ninguém seja poupado. Segredos familiares e registros íntimos epistolares são desvendados, elevando a tensão a um patamar máximo. As vidas destes quatro personagens estão entrelaçadas a tal ponto que não há mais lugar para fugir. O fantasma da tragédia ronda aquele grupo em permanente ebulição, até que esta história que começou com uma mentira oportuna ruma para um desfecho verdadeiro e surpreendente. A dramaturgia de Michel Marc Bouchard consiste em um olhar aguçado sobre as relações humanas, levando-se em conta algumas especificidades que são em sua natureza universais. Michel não se ateve a um único conflito. Ao contrário, partiu de um desses, o principal (a presença do namorado no funeral de seu amado, sem que os seus familiares soubessem de sua existência e da orientação sexual do parente), para abordar, com a mesma propriedade, os demais, relativos a outros temas, como a homofobia (um assunto urgente e atual, com índices de sua prática cada vez mais crescentes e preocupantes), a intolerância, os relacionamentos familiares, os choques culturais (econômicos, sociais e de costumes), e até mesmo o consumismo elitista. Todos esses elementos foram alinhavados pelo dramaturgo com sobeja coerência e apelo ficcional, amparados em diálogos inteligentes, humor fino, emoção em distintos níveis e personagens consistentes. O diretor Rodrigo Portella (com quem Armando trabalhou em sua última peça, “O Que Você Mentir Eu Acredito”, em 2013) criou um espetáculo com arrebatador impacto visual, sob vários aspectos. Sua direção, pode-se afirmar, baseia-se em um importantíssimo trinômio: ator, palavra e corpo. Não há em sua montagem uma estética limpa, asséptica, e sim, o seu oposto. Seus atores chafurdam na lama, suas faces são cobertas por terra, suas roupas são manchadas, encardidas durante o processo de desenvolvimento da narrativa. Seus cabelos, em certo ponto, já estão esbranquiçados pela poeira presente e suspensa no ar daquela fazenda onde tudo acontece. Rodrigo, com inteligência cênica e elogiável noção do espaço de que dispunha, colocou os seus intérpretes em lutas/jogos corporais impressionantemente hiper-realistas. A lama, associada à violência dos homens que usam seus corpos como armas, transformou-se em um quadro cênico de extrema beleza. O encenador manteve sempre o seu elenco na ribalta. Mesmo que uma dupla estivesse em contracena, os outros se recolhiam, imóveis, nos cantos do palco. Extraiu de seus talentosos artistas o máximo de suas potencialidades dramáticas. Pincelou com irônico e fugaz humor alguns trechos da montagem. Alternou momentos de silêncio e absoluta tensão. A sexualidade e todos os seus desejos são sugeridos por meio de atalhos nada óbvios, podendo se mostrar, com a mesma força, na briga selvagem dos homens brutos, ou na paz sensual de uma dança ao acaso. Além de apostar no suspense e na imprevisibilidade dos fatos. O elenco se sobressai por sua notória coesão e absorção emocional das gamas infindas de conflitos pessoais e interpessoais por que passam. Armando Babaioff compôs com admiráveis delicadeza e sensibilidade o publicitário fragilizado pela morte de seu companheiro. Soube desenhar o perfil de seu papel com as características de sofisticação urbana que lhe são naturais. Com precisa capacidade, impinge a Tom as suas gradativas transformações emotivas. Passeia com desenvoltura pelo choque sofrido pelas diferenças e pelo imprevisto, e nos transmite com potência única suas reações de agressividade e passividade, além do desespero e da agonia. Gustavo Vaz nos impressiona de modo soberbo ao elaborar minuciosamente os traços definidores da personalidade de Francis, o homofóbico irmão do falecido. Com uma cuidadosa e suave modificação no acento de sua voz, com o intuito de nos direcionar ao ambiente rural, Gustavo não teme em construir com perturbadora veracidade a truculência, a estupidez, a rudeza e a ignorância preconceituosa daquele homem isolado do mundo moderno. Sua postura ora cruel e bárbara e a incerteza de seus passos seguintes nos atemorizam. Entretanto, em determinados instantes, oferta-nos uma graça bruta e uma linha tênue de sensibilidade de seu personagem que nos são inesperados. Kelzy Ecard tem a missão de percorrer, e o faz com a exuberância e a dignidade de sempre, as seguidas etapas de ações e reações emotivas de sua personagem, a matriarca Agatha. Kelzy, com o seu conhecido domínio interpretativo, ostenta-nos as variações de comportamento da mulher enlutada, da mulher efusiva com as chegadas dos supostos amigo e namorada do filho e da mulher magoada e ferida com os sentimentos de rejeição de seu outro descendente. Vimos desde uma Agatha hospitaleira e gentil até uma Agatha acometida pela indignação provocada pelos enredos inventados. Por sinal, tanto Gustavo quanto Kelzy encarnam com bastante verossimilhança e credibilidade os habitantes de uma localidade afastada, simples e com costumes peculiares, no caso, a fazenda. Camila Nhary, como Helen/Sarah, a potencial namorada do rapaz morto, desenvolveu o seu papel seguindo duas linhas de interpretação, que resultaram em grande acerto. Camila nos exibe distinta vocação para o tom cômico ao se fazer passar pela namorada que mistura o inglês e o português. Este momento do espetáculo garante ao público sensações de leveza face a um painel de ascendente tensão. A atriz, da mesma maneira, convence-nos com irretorquível veracidade o empenho, somado a um nível de assombro, de Helen/Sarah, perante a transformação comportamental de seu amigo Tom, e sua incapacidade de enxergar a realidade adversa que o cerca, de convencê-lo a voltar para a casa. A cenografia de Aurora dos Campos é crua, árida, seca e literalmente terrosa. Utilizando-se de baldes pretos (com mais de uma função), sacos de areia, tamboretes e um plástico preto sobre o piso do palco, Aurora evocou com êxito, logrando considerável impacto, a desolação daquele lugar inóspito o qual se torna o epicentro de toda a ação. A iluminação coube a Tomás Ribas. Tomás se vale com suprema percepção de vasta cartela de possibilidades com o propósito de realçar, atingindo-se tanto a beleza quanto a coerência, cada cena da montagem. A iluminação branda em tons de sépia ou levemente amarelada é prevalente. Uma luz quente tradicional dependurada no meio do tablado exerce relevante função cromática. Com pouco mais de uma dezena de refletores, vislumbramos um belo conjunto visual com focos individualizados, geometrias de luz, planos com maior intensidade luminosa e blecautes nos cantos da ribalta. O vermelho é usado em profusão em um específico momento da peça. Os figurinos de Bruno Perlatto transitaram com significativa fluência pela sofisticação e requinte dos trajes grifados de Tom ao chegar à fazenda, como calça justa e blazer com chemise, e sapatos refinados, todos pretos, à rusticidade, simplicidade e objetividade das vestimentas de Agatha, que usa uma sobreposição de casacos escuros, saia, meias grossas e sandálias (por vezes, galochas). Francis é visto com uma camisa clara listrada de botões, suspensórios, calças jeans e botas. E Helen/Sarah veste roupas de contexto fashion extremamente coloridas, como uma capa amarela sobre um vestido com aspecto de seda/cetim rosa, calçando botas de cano longo negras, além de acessórios extravagantes (as cores despertam a atenção de Agatha para o fato de que não está de luto). Durante a encenação, Tom passa a se trajar de acordo com os costumes locais, próprios para a lida. Marcello H. nos apresentou uma concepção sonora com elevada, rica e potente pesquisa de viabilidades de sons que nos remetem a universos estranhos, instigantes e em algumas ocasiões perturbadores e incômodos, como um ruído agudo intermitente que destaca o clima opressor e o suspense da peça. Porém, ao mesmo tempo, o conceituado músico nos embala com deliciosas canções ao ritmo da cumbia (estilo de música tradicional da Colômbia e Panamá), como a irresistível e dançante “Loca”, da banda chilena Chico Trojillo. A preparação corporal de Lu Brites é devastadoramente impactante e bela. Violenta, carnal, sexual e poética. As lutas de Tom e Francis, como caça e presa se alternando em suas posições, exalando seus humores e suores, misturados à lama e terra, com seus corpos escorregadios que se grudam e se soltam, são legítimos quadros cênicos de força erótica e sensual, sem resvalar em vulgaridades. E o modo como os personagens lidam com as atividades rotineiras de uma fazenda são de uma legitimidade elogiável. “Tom na Fazenda” nos traz a dramaturgia inédita de um autor, Michel Marc Bouchard, nascido em outro país, mas que fala para o mundo. Em nenhuma passagem da peça, há a referência onde a história se passa (em sua tradução), simplesmente porque ela é universal. Ao assistirmos a este espetáculo fazemos uma viagem pelos sentimentos que nos norteiam, o amor e os desejos, pelos fantasmas que nos assombram, como o preconceito, a intolerância e a resistência às diferenças. “Tom na Fazenda” é uma peça que fala sobretudo sobre a aceitação do amor. Não importa qual seja a sua origem. Não importa qual seja o seu rumo. “Tom na fazenda” fala sobre verdades e mentiras. Sobre as dores de uma e de outra. Todos nós somos um pouco Tom. Todos nós já visitamos a nossa fazenda.