“Violentamente belo em sua estética corporal, ‘Tom na Fazenda’, com Armando Babaioff, Kelzy Ecard, Gustavo Vaz e Camila Nhary, revela ao público as fartas complexidade e contradição que envolvem as emoções humanas, passando, com sua riqueza dramatúrgica, por temas como intolerância, preconceito, homoafetividade e choque cultural.”

Publicado: 10/08/2017 em Teatro

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Foto: José Limongi

Enquanto o público entra no teatro, os atores Kelzy Ecard e Gustavo Vaz, já imbuídos em seus personagens, a mãe Agatha e o filho Francis, vão de um lado ao outro da ribalta organizando o cenário. Kelzy e Gustavo reposicionam baldes pretos e sacos de areia, e os enfileiram ao fundo. Há terra e poeira suspensa no ar. Suas roupas rústicas estão manchadas com a lama dos pastos. Um enorme plástico preto é estendido sobre o tablado. Há um paralelo entre este trabalho dos intérpretes à vista dos espectadores, iniciando uma familiarização destes com o universo da peça, com a lida diária dos moradores da fazenda onde se desenrolará a ação. O espetáculo “Tom na Fazenda” (“Tom à la Ferme”, no original), uma das montagens mais incensadas e elogiadas do momento no Rio de Janeiro, com indicações aos principais prêmios da temporada, tem a sua dramaturgia assinada pelo laureado autor canadense Michel Marc Bouchard, sendo esta a primeira montagem de sua obra em solo brasileiro (a peça fora traduzida e encenada em diversos países, e sua estreia ocorreu em Montreal, Canadá, em 2011). O ator e produtor Armando Babaioff, que interpreta o próprio Tom, além de ter feito uma primorosa tradução, tomou conhecimento da história de Michel Marc através da adaptação cinematográfica de Xavier Dolan, a produção homônima franco-canadense lançada em 2013, protagonizada por Xavier. O entrecho realmente se inicia com a chegada do jovem designer gráfico de uma agência de publicidade, Tom, à fazenda dos familiares de seu namorado morto em um trágico acidente de moto, para participar dos atos cerimoniosos de seu funeral. Tom é um rapaz extremamente sofisticado e vaidoso, adepto de perfumes e roupas de grifes, que terá de enfrentar o mundo exponencialmente avesso ao qual está acostumado a frequentar. Ao chegar à fazenda, o primeiro de muitos choques. Seu namorado havia omitido de sua família o relacionamento homoafetivo que mantinha com ele. Passa, a partir daí, a se apresentar como apenas um amigo que fora prestar as suas últimas homenagens. Agatha, a mãe, recebe-o a princípio com grande entusiasmo, nutrindo pelo visitante uma crescente admiração e encantamento pelo seu jeito de ser. Face às circunstâncias, Tom, imerso em desorientações particulares, envereda-se por um caminho regado a mentiras convenientes, como a existência de uma amiga em comum, Helen/Sarah (Camila Nhary), que ocuparia a posição da namorada do moço falecido. As tensões começam a surgir com a entrada em cena do irmão de seu namorado, Francis. Francis é um homem rude, tosco, bruto, ameaçador e violento. O rapaz alto, branco e robusto se aproxima de Tom, reafirmando as suas características que o tornam uma pessoa com caráter temível. Num caminho sem volta, Tom, passivo diante da alternância de opressão daquela família, por vezes velada, por vezes assumida, passa a executar as obrigações cotidianas do isolado clã, como se vestir para a lida no campo, ordenhar vacas e fazer o parto de um bezerro. Essas “conquistas” o enchem de orgulho, e no caso do parto, de êxtase. Existe no núcleo familiar uma infelicidade nata não revelada, causada não somente pela morte de um de seus membros. O relacionamento entre Francis e Agatha parece alicerçado em aparências impositivas. Não são percebidos amor tampouco afeto entre a matriarca e seu filho. Aos poucos, confuso, afastando-se cada vez mais de seu habitat, com a lama e a sujeira da terra lhe deixando marcas simbólicas em suas vestes, o publicitário vai se distanciando de sua identidade original, cedendo ao cerco de seus involuntários anfitriões. A inevitável aproximação entre Tom e Francis adquire proporções imprevisíveis e incontornáveis. A repulsa do segundo pelo primeiro é dimensionada pela selvageria e truculência que o definem. Por trás da ojeriza do camponês pelo rapaz da cidade se esconde uma incontrolável atração física, que vai se evidenciando das mais diferentes formas. Seu comportamento se enquadra com congruência à conceituação de homofobia. Francis não vê possibilidades de aceitação da diferença, a despeito de seus fortes desejos por esta mesma diferença. A descoberta de suas vontades íntimas o impelem a agredir de modo assustador, verbal e fisicamente, o alvo de seus desejos carnais. Francis e Tom se digladiam como os cães ferozes caçadores de coelhos da fazenda. O balé brutal de seus corpos másculos, enlameados, encardidos e sujos possui uma coreografia truculenta de braços que se socam e se esfregam, pernas que se debatem e se cruzam, urros de ódio, dor e estranho prazer, e rostos de ódio, dor e estranho prazer. As constantes brigas físicas de Francis e Tom são o que de mais próximo podem chegar de um “ato sexual e erógeno”. Porém, não só de cenas de pugilato explícito vivem os dois. Uma dança do casal ao som de uma canção latina com seus torsos juntos em movimentos compassados recrudesce a intimidade mútua. Essa relação conflituosa alimentada por desejos proibidos atinge limites perigosos, chegando a ultrapassá-los, o que se confirma pela barbárie da tortura perpetrada por Francis, com vieses sádicos e fetichistas, em Tom (em uma das cenas mais fortes e impactantes já vistas no teatro, o personagem de Armando Babaioff é suspenso de cabeça para baixo preso somente por cabos em suas pernas; surpreendem a coragem do intérprete, que ainda assim tem que dizer o seu texto, e a pujança física de Gustavo Vaz, responsável pela suspensão e manutenção de Armando, como a sua colocação gradativa no piso do palco). A chegada da suposta namorada do rapaz morto, Helen, na verdade Sarah, à fazenda proporciona uma série de desencontros de informações, solidificando sobremaneira a mentira defendida, provocando na até então crente Agatha amplas desconfianças. A esta altura, sabedor da condição de Tom com relação ao seu irmão, Francis, a fim de preservar a sua mãe da verdade incômoda, obriga o publicitário a sustentar a invenção com Helen, que se atrapalha com o seu inglês combinado. Estas passagens da peça possuem doses de comicidade pelo próprio contexto da situação. Os conflitos se acentuam progressivamente, sem que ninguém seja poupado. Segredos familiares e registros íntimos epistolares são desvendados, elevando a tensão a um patamar máximo. As vidas destes quatro personagens estão entrelaçadas a tal ponto que não há mais lugar para fugir. O fantasma da tragédia ronda aquele grupo em permanente ebulição, até que esta história que começou com uma mentira oportuna ruma para um desfecho verdadeiro e surpreendente. A dramaturgia de Michel Marc Bouchard consiste em um olhar aguçado sobre as relações humanas, levando-se em conta algumas especificidades que são em sua natureza universais. Michel não se ateve a um único conflito. Ao contrário, partiu de um desses, o principal (a presença do namorado no funeral de seu amado, sem que os seus familiares soubessem de sua existência e da orientação sexual do parente), para abordar, com a mesma propriedade, os demais, relativos a outros temas, como a homofobia (um assunto urgente e atual, com índices de sua prática cada vez mais crescentes e preocupantes), a intolerância, os relacionamentos familiares, os choques culturais (econômicos, sociais e de costumes), e até mesmo o consumismo elitista. Todos esses elementos foram alinhavados pelo dramaturgo com sobeja coerência e apelo ficcional, amparados em diálogos inteligentes, humor fino, emoção em distintos níveis e personagens consistentes. O diretor Rodrigo Portella (com quem Armando trabalhou em sua última peça, “O Que Você Mentir Eu Acredito”, em 2013) criou um espetáculo com arrebatador impacto visual, sob vários aspectos. Sua direção, pode-se afirmar, baseia-se em um importantíssimo trinômio: ator, palavra e corpo. Não há em sua montagem uma estética limpa, asséptica, e sim, o seu oposto. Seus atores chafurdam na lama, suas faces são cobertas por terra, suas roupas são manchadas, encardidas durante o processo de desenvolvimento da narrativa. Seus cabelos, em certo ponto, já estão esbranquiçados pela poeira presente e suspensa no ar daquela fazenda onde tudo acontece. Rodrigo, com inteligência cênica e elogiável noção do espaço de que dispunha, colocou os seus intérpretes em lutas/jogos corporais impressionantemente hiper-realistas. A lama, associada à violência dos homens que usam seus corpos como armas, transformou-se em um quadro cênico de extrema beleza. O encenador manteve sempre o seu elenco na ribalta. Mesmo que uma dupla estivesse em contracena, os outros se recolhiam, imóveis, nos cantos do palco. Extraiu de seus talentosos artistas o máximo de suas potencialidades dramáticas. Pincelou com irônico e fugaz humor alguns trechos da montagem. Alternou momentos de silêncio e absoluta tensão. A sexualidade e todos os seus desejos são sugeridos por meio de atalhos nada óbvios, podendo se mostrar, com a mesma força, na briga selvagem dos homens brutos, ou na paz sensual de uma dança ao acaso. Além de apostar no suspense e na imprevisibilidade dos fatos. O elenco se sobressai por sua notória coesão e absorção emocional das gamas infindas de conflitos pessoais e interpessoais por que passam. Armando Babaioff compôs com admiráveis delicadeza e sensibilidade o publicitário fragilizado pela morte de seu companheiro. Soube desenhar o perfil de seu papel com as características de sofisticação urbana que lhe são naturais. Com precisa capacidade, impinge a Tom as suas gradativas transformações emotivas. Passeia com desenvoltura pelo choque sofrido pelas diferenças e pelo imprevisto, e nos transmite com potência única suas reações de agressividade e passividade, além do desespero e da agonia. Gustavo Vaz nos impressiona de modo soberbo ao elaborar minuciosamente os traços definidores da personalidade de Francis, o homofóbico irmão do falecido. Com uma cuidadosa e suave modificação no acento de sua voz, com o intuito de nos direcionar ao ambiente rural, Gustavo não teme em construir com perturbadora veracidade a truculência, a estupidez, a rudeza e a ignorância preconceituosa daquele homem isolado do mundo moderno. Sua postura ora cruel e bárbara e a incerteza de seus passos seguintes nos atemorizam. Entretanto, em determinados instantes, oferta-nos uma graça bruta e uma linha tênue de sensibilidade de seu personagem que nos são inesperados. Kelzy Ecard tem a missão de percorrer, e o faz com a exuberância e a dignidade de sempre, as seguidas etapas de ações e reações emotivas de sua personagem, a matriarca Agatha. Kelzy, com o seu conhecido domínio interpretativo, ostenta-nos as variações de comportamento da mulher enlutada, da mulher efusiva com as chegadas dos supostos amigo e namorada do filho e da mulher magoada e ferida com os sentimentos de rejeição de seu outro descendente. Vimos desde uma Agatha hospitaleira e gentil até uma Agatha acometida pela indignação provocada pelos enredos inventados. Por sinal, tanto Gustavo quanto Kelzy encarnam com bastante verossimilhança e credibilidade os habitantes de uma localidade afastada, simples e com costumes peculiares, no caso, a fazenda. Camila Nhary, como Helen/Sarah, a potencial namorada do rapaz morto, desenvolveu o seu papel seguindo duas linhas de interpretação, que resultaram em grande acerto. Camila nos exibe distinta vocação para o tom cômico ao se fazer passar pela namorada que mistura o inglês e o português. Este momento do espetáculo garante ao público sensações de leveza face a um painel de ascendente tensão. A atriz, da mesma maneira, convence-nos com irretorquível veracidade o empenho, somado a um nível de assombro, de Helen/Sarah, perante a transformação comportamental de seu amigo Tom, e sua incapacidade de enxergar a realidade adversa que o cerca, de convencê-lo a voltar para a casa. A cenografia de Aurora dos Campos é crua, árida, seca e literalmente terrosa. Utilizando-se de baldes pretos (com mais de uma função), sacos de areia, tamboretes e um plástico preto sobre o piso do palco, Aurora evocou com êxito, logrando considerável impacto, a desolação daquele lugar inóspito o qual se torna o epicentro de toda a ação. A iluminação coube a Tomás Ribas. Tomás se vale com suprema percepção de vasta cartela de possibilidades com o propósito de realçar, atingindo-se tanto a beleza quanto a coerência, cada cena da montagem. A iluminação branda em tons de sépia ou levemente amarelada é prevalente. Uma luz quente tradicional dependurada no meio do tablado exerce relevante função cromática. Com pouco mais de uma dezena de refletores, vislumbramos um belo conjunto visual com focos individualizados, geometrias de luz, planos com maior intensidade luminosa e blecautes nos cantos da ribalta. O vermelho é usado em profusão em um específico momento da peça. Os figurinos de Bruno Perlatto transitaram com significativa fluência pela sofisticação e requinte dos trajes grifados de Tom ao chegar à fazenda, como calça justa e blazer com chemise, e sapatos refinados, todos pretos, à rusticidade, simplicidade e objetividade das vestimentas de Agatha, que usa uma sobreposição de casacos escuros, saia, meias grossas e sandálias (por vezes, galochas). Francis é visto com uma camisa clara listrada de botões, suspensórios, calças jeans e botas. E Helen/Sarah veste roupas de contexto fashion extremamente coloridas, como uma capa amarela sobre um vestido com aspecto de seda/cetim rosa, calçando botas de cano longo negras, além de acessórios extravagantes (as cores despertam a atenção de Agatha para o fato de que não está de luto). Durante a encenação, Tom passa a se trajar de acordo com os costumes locais, próprios para a lida. Marcello H. nos apresentou uma concepção sonora com elevada, rica e potente pesquisa de viabilidades de sons que nos remetem a universos estranhos, instigantes e em algumas ocasiões perturbadores e incômodos, como um ruído agudo intermitente que destaca o clima opressor e o suspense da peça. Porém, ao mesmo tempo, o conceituado músico nos embala com deliciosas canções ao ritmo da cumbia (estilo de música tradicional da Colômbia e Panamá), como a irresistível e dançante “Loca”, da banda chilena Chico Trojillo. A preparação corporal de Lu Brites é devastadoramente impactante e bela. Violenta, carnal, sexual e poética. As lutas de Tom e Francis, como caça e presa se alternando em suas posições, exalando seus humores e suores, misturados à lama e terra, com seus corpos escorregadios que se grudam e se soltam, são legítimos quadros cênicos de força erótica e sensual, sem resvalar em vulgaridades. E o modo como os personagens lidam com as atividades rotineiras de uma fazenda são de uma legitimidade elogiável. “Tom na Fazenda” nos traz a dramaturgia inédita de um autor, Michel Marc Bouchard, nascido em outro país, mas que fala para o mundo. Em nenhuma passagem da peça, há a referência onde a história se passa (em sua tradução), simplesmente porque ela é universal. Ao assistirmos a este espetáculo fazemos uma viagem pelos sentimentos que nos norteiam, o amor e os desejos, pelos fantasmas que nos assombram, como o preconceito, a intolerância e a resistência às diferenças. “Tom na Fazenda” é uma peça que fala sobretudo sobre a aceitação do amor. Não importa qual seja a sua origem. Não importa qual seja o seu rumo. “Tom na fazenda” fala sobre verdades e mentiras. Sobre as dores de uma e de outra. Todos nós somos um pouco Tom. Todos nós já visitamos a nossa fazenda.

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