Premiado com o Urso de Prata em Berlim, o filme mostra um Estado autoritário que obriga os idosos a se afastarem da sociedade em prol de uma economia mais producente

O diretor recifense Gabriel Mascaro tem um reconhecido pendor para abordar com excelência temas distópicos em seus filmes.
Em “Divino Amor” (2019), o alerta aos riscos do extremismo religioso em um futuro obscuro nos foi dado.
Agora, em “O Último Azul” (Brasil, Chile, México, Países Baixos, 2025), vencedor do Urso de Prata no Festival de Berlim (Grande Prêmio do Júri), Gabriel, também roteirista ao lado de Tibério Azul, não se furtou a colocar o avesso da utopia como pano de fundo para nos narrar a história de Tereza (Denise Weinberg), uma operária septuagenária de uma fábrica situada nos rincões da Amazônia que vê o seu mundo ruir após a decisão segregacionista de um governo autoritário e corrupto de isolar pessoas idosas em áreas determinadas a fim de robustecer a economia local somente com a força de trabalho jovem.
A pujante denúncia que o criativo e bem alinhavado roteiro da dupla levanta sobre práticas etaristas na sociedade encontra respaldo no que vivenciamos de forma mais ou menos explícita nos tempos atuais em que se agrega exacerbado valor à juventude.

“O Último Azul” reforça o momento glorioso do cinema brasileiro tanto aqui quanto no exterior

O longa-metragem, com inebriante fotografia de Guillermo Garza (além dos filtros, imagens de locais amazônicos que embasbacam), reuniu um elenco de peso, com Denise Weinberg estupenda como a mulher que deseja realizar o sonho de voar de avião antes de perder a liberdade e Rodrigo Santoro fantástico como Cadu, um simplório barqueiro que surge em seu caminho. Ambos estão muitíssimo bem acompanhados por intérpretes que abrilhantam a obra de Mascaro: a atriz cubana Miriam Socarrás, Clarissa Pinheiro, Adanilo e Rosa Malagueta.

“O Último Azul”, que nos faz rir da tragicidade dos absurdos cada vez mais possíveis da existência coletiva, reforça o glorioso momento do cinema brasileiro tanto aqui quanto no exterior, provando que não nos falta capital artístico de qualidade (ideias, atores, técnicos) que nos faça querer voar tão alto quanto Tereza.

Temas bélicos ou com viés revolucionário sempre foram abordados na prestigiada cinematografia russa, tendo como seu maior representante Serguei Eisenstein, que deixou como legado obras-primas como “O Encouraçado Potemkin”

As temáticas bélicas ou revolucionárias sempre estiveram presentes nas obras cinematográficas russas. Serguei Eisenstein, um dos maiores cineastas de todos os tempos, deixou como legado obras-primas como “O Encouraçado Potemkin” (1925) e filmes considerados clássicos como “Alexander Nevsky” (1938), este último codirigido por Dmitri Vasilyev. Em dezembro de 2019, foi lançado no Brasil o longa-metragem mais destacado da safra recente do cinema russo, representante oficial do país a tentar uma vaga na disputa pelo Oscar de Melhor Filme Internacional de 2020, “Uma Mulher Alta” (“Dylga”, Rússia, 2019), do jovem cineasta Kantemir Balagov, premiado na Mostra Um Certo Olhar do Festival de Cannes 2019 com a Melhor Direção.

O filme, que é baseado no livro laureado em 2015 com o Nobel de Literatura “A Guerra Não Tem Rosto de Mulher”, de Svetlana Aleksiévitch, traz duas ótimas atrizes em seu elenco, Viktoria Miroshnichenko e Vasilisa Perelygina, transmitindo ao público, ao final, somando-se suas qualidades e desacertos, uma importante mensagem antibelicista

Baseado no livro “A Guerra Não Tem Rosto de Mulher”, da vencedora do Nobel de Literatura de 2015 Svetlana Aleksiévitch, o filme, que se passa no pós-guerra, em 1945, numa Leningrado com a sua população arrasada, acompanha a dolorida trajetória de duas mulheres que combateram juntas no front, Yia (Viktoria Miroshnichenko em atuação impressionante e catatônica), uma enfermeira que sofre de síndrome pós-concussão (a “Grandona”), e Masha (a ótima e linda Vasilisa Perelygina), uma ex-soldada. Ambas se unem visceralmente neste cenário de vidas ceifadas, horrores perpetuados, indiferença e cinismo dos poderosos e traumas pessoais múltiplos em busca de um sentido para as suas existências, que poderá vir por meio de um filho, apesar de todos os inexpugnáveis obstáculos. O longa ostenta um acabamento visual irretocável, cuja fotografia de Ksenia Sereda explora os matizes fortes do verde e do vermelho, rivalizando com a tristeza vigente. No entanto, o ritmo pouco ágil com cenas demasiado longas e silenciosas o aproxima de uma certa monotonia. Mesmo assim, “Uma Mulher Alta” conserva seus valores e qualidades, provocando interesse. Sua mensagem antibelicista nos faz pensar que a guerra não tem rosto de mulher, não tem rosto de homem, tampouco rosto de criança. Simplesmente a guerra não deveria ter rostos humanos.

Obs: Crítica escrita em 20/01/2020

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O público admirador de Marco Nanini acostumado com alguns personagens bonachões de sua carreira irá se surpreender com a performance do ator no primeiro e premiado filme de Armando Praça

Para aqueles que estão familiarizados com o bonachão Eusébio da novela “A Dona do Pedaço”, escrita por Walcyr Carrasco e exibida em 2019 na Rede Globo em seu horário nobre, ou têm em mente a figura popular do patriarca de classe média Lineu de “A Grande Família”, seriado da mesma emissora que ficou no ar durante 13 anos, devem obrigatoriamente conferir a atuação, sem quaisquer dúvidas, mais visceral de toda a espetacular carreira de Marco Nanini. O ator é o protagonista do primeiro filme do cearense Armando Praça, “Greta” (Brasil, 2019), vencedor dos prêmios de Melhor Filme, Direção e Ator no Cine Ceará 2019, e Melhor Filme no Festival de Cinema Lésbico e Gay de Milão 2019.

No longa inspirado na famosa peça teatral de Fernando Melo “Greta Garbo, Quem Diria, Acabou no Irajá” já se falava a respeito de um problema gravíssimo que assola atualmente o sistema público de saúde do país, a falta de leitos hospitalares

Inspirado livremente na famosa peça de Fernando Melo “Greta Garbo, Quem Diria, Acabou no Irajá”, o filme roteirizado por Armando é centrado no solitário enfermeiro de um hospital público de Fortaleza, Pedro, Marco Nanini, que em meio ao seu caos estrutural, decide, por falta de leitos, levar para a sua casa Jean, Démick Lopes, acusado de homicídio, objetivando que sua melhor amiga, a transexual Daniela, Denise Weinberg, pudesse ser tratada por uma equipe médica de sua grave doença. Desejoso de saciar suas carências afetivas e sexuais, Pedro, cujo ídolo é a atriz sueca Greta Garbo, inicia uma complexa e imprevisível relação com o homem delinquente que hospedou.

A produção conta com uma direção delicadíssima de Armando Praça, distante do gênero melodramático, e um elenco que oferta aos espectadores atuações memoráveis, representado por Démick Lopes e Denise Weinberg, além do próprio Nanini

A delicadíssima direção de Armando Praça optou por uma narrativa desprovida de trilha sonora, afastando qualquer aproximação com o gênero melodramático, destacando a aridez das situações com o seu drama fluindo naturalmente. Com enfoque nos intérpretes, sua câmera se sai eficiente e legítima na abordagem da nudez e do sexo. Marco Nanini, com angústia intrínseca permanente e gestual estudado com precisão matemática, está implacável cenicamente. Démick Lopes, um excelente artista nascido no Ceará em franca ascensão, trava um duelo memorável com Nanini. E Denise Weinberg, num tocante desempenho, confere à transexual defrontada com a morte próxima uma gigantesca altivez. “Greta” é uma bela obra de Armando Praça, que trata com rara sensibilidade sobre os medos do indivíduo, o medo da solidão, da finitude, e da entrega ao amor, seja ele qual for. Ao contrário de Greta Garbo, nenhum de nós, nem Pedro, nem Jean tampouco Daniela deseja ficar só. 

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Premiadíssimo em importantes festivais, como o Independent Spirit Awards e o Festival do Rio, “Sócrates”, que teve o aval do celebrado diretor e produtor Fernando Meirelles, narra de forma contundente a história de um jovem negro homossexual que só deseja obter as cinzas de sua mãe falecida, enfrentando durante este périplo todos os tipos de preconceito

Há filmes ditos independentes que não podem passar despercebidos aos olhos do público no circuito cinematográfico. Um exemplo é o premiadíssimo longa de estreia de Alexandre Moratto, com a chancela valorosa de Fernando Meirelles como produtor executivo (O2 Play), “Sócrates” (Brasil, 2018). Vitorioso no Independent Spirit Awards 2019 com o prêmio Someone to Watch, no Festival do Rio 2018 com o Prêmio Félix de Melhor Filme de Ficção, no Festival Mix Brasil com as láureas de Melhor Filme, Diretor e Ator (Christian Malheiros, também indicado ao Independent Spirit Awards), além de outros prêmios internacionais e Menção Honrosa na Mostra Internacional de São Paulo,
a obra, uma produção do Instituto Querô e Querô Filmes, montada e corroteirizada por Alexandre e Thainá Mantesso, narra a pungente e dolorida trajetória do jovem Sócrates (Christian Malheiros, excepcional, um ator que se expressa com potência máxima em seu triste olhar), de 15 anos, que após perder a sua mãe, vê-se sozinho numa Baixada Santista periférica com miséria dominante, retrato do Brasil real, em busca inglória por um emprego qualquer para sobreviver. Fugindo do pai opressor e da prostituição e tendo que lidar com a sua homossexualidade (consumada com Maicon, o brutalmente ótimo Tales Ordakji), Sócrates, que deseja lançar as cinzas maternas em um lugar digno, é a prova viva do abismo social brasileiro, onde milhões de jovens foram usurpados de seu futuro.

O filme, que revela as promessas Alexandre Moratto, diretor, e Christian Malheiros, ator, descende das linguagens cinematográficas do Cinema Novo, vistas em filmes dos expoentes Glauber Rocha e Nelson Pereira dos Santos

Com pegada de câmera glauberiana, esta peça fílmica neorrealista contemporânea, que se conecta com a linguagem crua cinemanovista de Nelson Pereira dos Santos, além de lançar as promessas Alexandre Moratto e Christian Malheiros, serve como sinal de alerta urgente para o establishment desigual e injusto vigente na nação da “ordem”, do “progresso” e das castas cada vez mais privilegiadas.

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O último filme de Pedro Almodóvar, que levou os prêmios de Melhor Ator e Melhor Trilha Sonora no Festival de Cannes, não foge à regra de ser para os seus espectadores uma experiência sempre indescritível e renovada

Assistir a uma obra de Pedro Almodóvar sempre será uma experiência indescritível e renovada, no sentido de que somos revolvidos em sensações e emoções íntimas que só mesmo este grande cineasta e roteirista espanhol é capaz de fazê-lo. Este conjunto de percepções não poderia inexistir ao se ver o mais novo filme do autor de “A Lei do Desejo” e “Tudo Sobre Minha Mãe”, “Dor e Glória” (“Dolor y Gloria”, Espanha, 2019), vencedor dos Prêmios de Melhor Ator para Antonio Banderas e Trilha Sonora para Alberto Iglesias no Festival de Cannes.

Todos os elementos que são muito pessoais para o cineasta e roteirista já agraciado com o Oscar estão presentes em “Dor e Glória”, como a religiosidade na infância, sua forte ligação com a mãe e o despertar para a sua homossexualidade

Representando seu país na disputa por uma vaga no Oscar 2020, o já premiado com esta láurea Almodóvar escreveu e dirigiu um de seus longas mais pessoais e delicados, trazendo à tona a religiosidade presente em sua infância (não tão bem vista na figura dos padres), seu forte elo com a mãe (na ficção, temos a sempre bela e talentosa Penélope Cruz e a cativante Julieta Serrano) e o despertar da homossexualidade quando menino (o encantador Asier Flores). Sendo um filme musicado para realçar as emoções, finamente irônico, sem preterir algumas vezes das cores vibrantes que o identificam, Pedro narra a história de Salvador Mallo (Banderas, em estupenda contenção dramática), um cineasta afastado de seu ofício, deprimido e solitário, acompanhado somente de suas dores físicas, que necessita viajar ao passado para se entender melhor no angustiante tempo atual. Nesta jornada unilateral sofrida, alimentado por remédios e drogas, Salvador se depara com o ator de um de seus filmes, antigo desafeto, Alberto (o excelente Asier Etxeandia) e um amor do passado, Federico (o também ótimo Leonardo Sbaraglia). Lutando contra as doenças da alma e do corpo, o protagonista busca encontrar o sentido equilibrado de sua essência para poder apenas continuar. Um filme comovente com a chancela almodovariana.

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“Rocketman” se soma a muitas outras cinebiografias musicais que fizeram sucesso ao retratar os seus astros, sendo a mais recente delas “Bohemian Rhapsody”, sobre a banda também inglesa Queen

Muitas cinebiografias musicais já foram feitas em diferentes épocas e obtiveram boas acolhidas pelo público, como “A Fera do Rock” (1989; sobre Jerry Lee Lewis), “Tina” (1993; sobre Tina Turner) e “Ray” (2004; sobre Ray Charles). A mais recente delas foi o estrondoso sucesso “Bohemian Rhapsody” (2018), que mostrava a trajetória impressionante da banda inglesa Queen. Faltava contar a história de um popstar também inglês, Sir Elton John, e sua trajetória de altos e baixos.

Com escalações acertadíssimas, como Taron Egerton como Elton John, e Jamie Bell como o compositor Bernie Taupin, o filme de Dexter Fletcher se vale da busca de acontecimentos na vida do intérprete de inúmeros hits para justificar a sua personalidade autodestrutiva, regada a altas doses de álcool, drogas e barbitúricos

“Rocketman”, dirigido pelo ator e cineasta britânico Dexter Fletcher, foi lançado no Festival de Cannes do ano passado. Dexter, que se mostrou um virtuose neste tipo de filme, não poderia ter sido mais feliz na escalação do intérprete de Elton, o galês Taron Egerton, excepcional em sua composição, não deixando escapar nenhum dos maneirismos do cantor. Outra acertada escolha do diretor foi convidar o ótimo Jamie Bell (“Billy Elliot”), um deleite para os saudosistas, para viver o inseparável amigo compositor Bernie Taupin. O diretor, que lança mão de inúmeras licenças poéticas, foi buscar na difícil infância do astro, marcada pela severidade do pai (Steven Mackintosh) e leviandade da mãe, Bryce Dallas Howard, as possíveis causas para a sua autodestruição pessoal com álcool, drogas e barbitúricos, além da baixa autoestima e vício em sexo. Dexter se vale em muitos momentos de delírios/sonhos para simbolizar comportamentos de John, como a prática de orgias e a gênese de canções.

“Rocketman” agrada não só aos fãs de Elton John, mas a maioria de seus espectadores, devido à evidente empatia criada entre estes e o retratado, provando-nos o quão frágil pode ser a fronteira entre a glória e o abismo, tendo o talento extraordinário do cantor e compositor como entremeio

Para os fãs, a maioria de seus hits está presente, em contextos bem distintos. Tem desde a comovente “Your Song” à frenética “Crocodile Rock”. Com “Rocketman” é impossível não criar uma forte empatia com o retratado, com todos os seus dramas, excentricidades e genial talento. “Rocketman” é um filme feérico como Elton John, mas que não deixa de ser obscuro quando deve ser. A obra de Dexter Fletcher prova o quão frágil pode ser a fronteira entre a glória e o abismo, tendo o talento extraordinário em seu entremeio. Só mesmo um “rocketman” como Elton John para sair ileso disso tudo.

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Jordan Peele, cineasta que conquistou o público e a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas com o cult de terror “Corra!”, aposta neste mesmo filão em “Nós”, trazendo em sua trama uma família de classe média americana aterrorizada ao se deparar em uma viagem de férias com o seu “duplo”

Em 2018, o mundo do cinema descobriu o talento criativo do diretor e roteirista americano Jordan Peele, que foi agraciado com o Oscar de Melhor Roteiro Original por “Corra!” (“Get Out”, 2017). O também ator Jordan surpreende o público mais uma vez ao lançar em março do ano seguinte o assustador e inventivo “Nós” (“Us”, EUA), obedecendo à mesma linha de terror cult que o consagrou com o longa anterior. Agora, Peele se concentra em uma típica família classe média estadunidense que decide passar as suas férias em uma praia turística chamada Santa Cruz. A esposa Adelaide (a oscarizada atriz queniano-mexicana Lupita Nyong’o) possui lembranças nada agradáveis desta mesma região praiana no longínquo 1986, em um brinquedo de parque de diversões com espelhos, no qual se deparou em um deles não com o seu reflexo, mas com o seu duplo com vida própria. Casada com Gabe (Winston Duke), e mãe do casal de adolescentes Zora (Shahadi Wright Joseph) e Jason (Evan Alex), Addy/Adelaide vê tudo se transformar, com consequências aterrorizantes, a partir da aparição no jardim da casa de veraneio de uma misteriosa família.

Quem for assistir a “Nós” se fartará com boas doses de sustos e cenas carregadas de violência num cenário que reporta em certas ocasiões aos filmes de terror B com ingredientes apocalípticos de sci-fi

A direção de Jordan Peele faz o espectador perder o seu fôlego, com os sustos de praxe, a hiperviolência e as viradas surpreendentes.
Seu roteiro é uma recriação engenhosa e sofisticada com toques apocalípticos de sci-fi dos filmes de terror B. E não há demérito nisso.
A bonita Lupita Nyong’o é uma intérprete visivelmente madura, sabendo com mestria ofertar a ambiguidade de suas personagens, com expressões de medo e pavor e fúria animalesca. Por sinal, todo o elenco tem o seu valor, juntando-se a ele o casal Elisabeth Moss (Kitty) e Tim Heidecker (Josh).

Além de contribuir com a sua criatividade, “Nós” assume um papel ainda mais importante na indústria do cinema dos Estados Unidos ao colocar como protagonista uma família afrodescendente liderada pela estrela Lupita Nyong’o

“Nós” é mais uma obra de Jordan Peele que serve para dar uma lufada de criatividade à cinematografia dos Estados Unidos por vezes repetitiva e voltada para as bilheterias fáceis dos blockbusters.
Além disso, ao ceder o protagonismo a uma família negra como símbolo legítimo da classe média americana cumpre o papel primordial de contribuir para a diversidade e representatividade cinematográficas. 

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