Blog do Paulo Ruch

Foto: Divulgação do espetáculo

“Ordinary Days – Um Musical Off-Broadway” já nasceu vitorioso. Primeiro porque se trata de uma reafirmação da vocação do teatro nacional para a realização de musicais, e segundo por se tratar da conquista de uma determinada e talentosa equipe, que inclui produtores, atores, diretor e demais profissionais da área técnica que se empenharam para levar a cabo, mesmo sem qualquer patrocínio, a montagem desta peça originada da dramaturgia de um dos mais promissores e incensados compositores norte-americanos da atualidade, Adam Gwon. O espetáculo em questão nos prova de que é possível se fazer um teatro de qualidade e excelência, desde que haja a vontade inequívoca dos envolvidos, e o interesse do público em ver concretizada a encenação sugerida (utilizou-se o conhecido meio de financiamento Catarse, no qual toda e qualquer pessoa contribui para a sua produção, obtendo em troca, por exemplo, a aquisição de ingressos antecipados, e outras vantagens). “Ordinary Days” – Um Musical Off-Broadway” não foge aos padrões convencionais dos musicais americanos que ganharam o mundo, mas há nele um sabor, um aroma, um “sotaque” genuinamente brasileiros que o diferencia obviamente daqueles. O diretor da encenação Reiner Tenente, creio, intentou imiscuir esta bem-vinda brasilidade à história de dois casais novaiorquinos, cada um deles passando por situações representativas das relações humanas, que se deparam com os obstáculos comuns à vida de qualquer indivíduo que resida em uma grande metrópole. Os casais são formados por Jason (Hugo Bonemer – o ator reveza com Mau Alves) e Claire (Fernanda Gabriela – alterna o papel em diferentes sessões com Gabi Porto), e Warren (Victor Maia – divide o personagem com Caio Loki) e Deb (Julia Morganti – em outras apresentações, substituída por Tecca Ferreira). Jason acaba de se mudar para o apartamento de sua namorada Claire, e em meio às arrumações não controláveis de inúmeras caixas de papelão e consequentes descobertas daquilo que nelas está contido, discutem-se o grau de entendimento do par, o seu real sentimento, a sua verificada reciprocidade ou não, os seus reveses, prazeres, a dúvida do amor compartilhado, o arrependimento mútuo ou solitário e outros tantos aspectos que definem uma relação afetiva. Já Warren é um espevitado artista de rua que escreve em recortes de papel colorido mensagens ou frases de cunho positivo, motivacional ou edificante. O rapaz lépido encontra por acaso um livro em cuja capa há um coração desenhado. A brochura pertence à divertida acadêmica formada em Literatura Deb, e na mesma estão as anotações imprescindíveis para a formulação de sua tese. Deb é insegura com relação às suas potencialidades profissionais, e não poucas vezes se vê mudando de opinião ou decisão em outros campos. Tendo pinturas de Monet ou Manet como testemunhas em um museu, conhece o portador de seu estimado livro. Jason, Claire, Warren e Deb são signos eloquentes de uma sociedade contemporânea, individualista, competitiva e excludente, sem que estas características impeçam o fascínio exercido sobre os seus membros. E nenhuma cidade do planeta representaria tão fidedignamente este padrão social do que a cosmopolita e babélica Nova York. Somando ao todo 21 canções (inspiradas e criativas versões em Português das músicas compostas por Adam Gwon feitas por Caio Loki, elenco, Equipe Contribuições de Clara Equi e Tauã Delmiro), o musical que estreou no Teatro Serrador, no Centro do Rio de Janeiro, ganhou de seu encenador, Reiner Tenente, um direcionamento exponencialmente ágil, dinâmico, o qual atende com privilégios e prioridades às forças e potências exuberantes das aptidões vocais e expressividades corporais de seu talentoso grupo de intérpretes. Reiner soube distribuir e alocar com critérios definidos e acertados os números musicais dentro da narrativa teatral. O “entra e sai” dos atores, lógico, reporta-nos ao clássico vaudeville, assemelhando-se aos modelos adotados por algumas obras do gênero. Tal movimentação quase permanente, pois existem pausas e silêncios importantes na peça, exige de seu elenco sobejo preparo físico e percepção aguçada do tempo de cada ator que o compõe. Hugo Bonemer, um jovem e belo ator paranaense com notáveis experiências em sucessos musicais, como “Hair” e “Rock in Rio – O Musical”, apresenta-se como um artista completamente seguro de si, maduro, sabedor pleno de sua linda entoação vocal. Hugo, ao cantar, ostenta o seu conhecimento técnico da farta gama de notas que lhe são exigidas, cumprindo com garbo a sua função de dar vida ao apaixonado Jason. O mesmo se pode dizer de Victor Maia (“The Full Monty – Ou Tudo Ou Nada”), um intérprete pronto, com brilho lapidado e carisma inquestionável. O carioca, que também é bailarino e coreógrafo, flana pelo palco com suas movimentações precisas e pujantes, acompanhadas por sua poderosa e límpida voz, fazendo-nos conhecer com amplitude o perfil do artista sonhador Warren. Julia Morganti (a atriz e produtora lançou um programa virtual chamado “Gaiola das Roucas”) transborda graça, doçura, fino humor e impressionante domínio vocal. Julia, com seus volumosos e bonitos cabelos loiros, seduz e conquista a plateia em diversas ocasiões, arrancando risos e sorrisos espontâneos, com a composição elaborada da sensível e engraçada Deb. Fernanda Gabriela, que estrelou o monólogo “Efeitos de Borboleta”, defende com rica e profunda emotividade a personagem Claire, exibindo todas as camadas passionais desta mulher obrigada a encarar as possibilidades de êxito ou fracasso de seu relacionamento amoroso. Sua postura cênica e docilidade (assim como Julia) nos tocam. Fernanda, com sua irretocável interpretação das canções, completa o notável time de atores/cantores. “Ordinary Days…” inova de certa forma com o revezamento de seus quatro protagonistas. Em outras sessões, como fora dito, os atores principais são Caio Loki, Gabi Porto, Mau Alves e Tecca Ferreira. Na apresentação analisada, estes mesmos atores participaram com funções diferentes no entrecho dramatúrgico, colaborando todos eles inquestionavelmente para a realização bem-sucedida da montagem. A direção musical de Marcelo Farias é distintamente exemplar. Marcelo, como um bom maestro, conduziu com exímia eficiência, habilidade e sensibilidade a vasta combinação de vozes do elenco e sons e acordes do piano tocado por uma quinta protagonista, a virtuose pianista Arianna Pijoan, que também integra o ensemble. Arianna interage com os atores, por meio de suas expressões faciais e gestuais, gerando uma ótima resposta dos espectadores. A iluminação de Rubia Vieira é em alguns momentos feérica (vê-se uma deslumbrante e múltipla utilização de cores; refletores de LED cumprem com prodigalidade esta função) e em outros se aproxima mais do intimismo, com a adoção deliberada de focos e sombras, provocando um excelente resultado estético e visual. A cenografia de Caio Loki e Equipe se vale da modernidade de estruturas metálicas (juntas formam uma espécie de andaime e seus respectivos andares) e a simplicidade (nem por isso menos eficaz e funcional) simbolizada por caixas de papelão, bancos com a mesma textura, além de uma estante com livros para Deb. Atrás do andaime, que assume vital relevância na obra, vislumbra-se um extenso e enternecedor painel sobre o qual estão imagens de arranha-céus de Nova York (os mesmos arranha-céus citados em uma parte do texto: “Não deixe que arranha-céus escondam de vista os seus sonhos.”). O figurino coube a Renan Mattos, que nos ofereceu com a mais absoluta fidelidade e elegância os costumes e trajes urbanos usados na metrópole americana retratada. Há um desfile de jeans, jaqueta, colete, cachecóis, trench coats, vestidos, boots, dentre outras peças, comprovando que Renan não poupou esforços e pesquisas a fim de que houvesse uma reprodução remetente ao imaginado local da ação. “Ordinary Days – Um Musical Off-Broadway” é um espetáculo que cumpre muitas das suas missões primeiras. Reafirma, como disse, a nossa vocação natural e nata (desde o Teatro de Revista) para a realização de musicais de qualidade, não devendo em nada aos congêneres norte-americanos e londrinos. Comprovando-nos de que é possível sim a produção de uma peça sem o auxílio, mesmo que seja de extrema significância, de um patrocínio declarado. Enchendo-nos de orgulho ao conferirmos bem próxima de nós a existência de atores, artistas e cantores que fazem valer a máxima de que são completos em seus ofícios. “Ordinary Days”… nos diz, por intermédio de suas adoráveis canções, de que a vida mesmo sendo comum em seu dia a dia pode ter escondida atrás de seus “arranha-céus” aquela felicidade, aquele sonho pelo qual tanto lutamos, ou que podemos encontrar por um acaso, em meio a uma “tempestade de papéis coloridos picados”, a mensagem certa que esperamos… por toda uma vida.

Foto: Reprodução

Faltando exatos dois meses para as eleições municipais, dentro de um cenário político chamuscado por fatos recentes, Rodrigo Sant’Anna, que se notabilizou por seus personagens populares em programas de humor na televisão, reedita um outro texto seu levado aos palcos em 2009, “Comício Gargalhada”. “Segundo Turno de Risadas”, com dramaturgia de Rodrigo, Mariana Rebelo e Conrado Helt, com a direção do intérprete, é uma montagem leve e divertida, na qual o seu ator principal aposta com acerto no poder de seu carisma junto ao público, e em seu elevado nível de comunicabilidade, facilitado por sua boa, articulada e natural emissão de voz, e postura discreta e espontânea quando se apresenta como ele mesmo em cena. Trajando uma blusa preta de mangas compridas bem justa (e calças e boots da mesma cor), evidenciando a sua ótima forma física, o artista se desdobra em vários papéis, sendo que cada um deles ostenta uma clara ou subliminar crítica social, ao proferir seu particular discurso. Aproximando-se vez ou outra do gênero “stand-up”, somado aos distintos esquetes ou quadros, Rodrigo se vale de sua ampla capacidade de criação de tipos populares, privilegiando aqueles que provieram da região do subúrbio, para traçar as linhas dramatúrgicas de sua obra. São ao todo nove personagens, começando pelo impagável e ferino transexual Valéria Vasquez (grande sucesso do outrora chamado “Zorra Total”, na Rede Globo), com suas vestimentas multicoloridas e inusitadas (Valéria é, sem dúvida, uma das composições mais inspiradas do ator/comediante). Temos também Jurandir, um homem simples que desfaz da aparência física de sua esposa; Pop, uma moça afetada sempre conectada ao mundo virtual; Adelaide, conhecida como a “mendiga pedinte”, uma senhora engraçada e sem “papas na língua” que, de alguma maneira, denuncia a falta de planejamento familiar no Brasil, e a influência da cultura norte-americana em nosso país, inclusive nas classes menos favorecidas; Zé…, a simbolização do órgão sexual masculino, que nos confessa, sem pudor, todas as angústias por que passa ao assumir as suas funções no contexto de uma relação íntima; Regina Célia, uma idosa irritadiça defensora da liberdade sexual dos pertencentes à terceira idade; Soninha Sapatão, uma homossexual que tenta nos provar sua inexistente feminilidade; Carol Paixão, uma jovem supostamente sensual escravizada pelo culto obsessivo ao corpo perfeito e adepta peculiar do estilo de vida de certos frequentadores de academias de ginástica; e Admilson, um indivíduo notadamente vulgar em seu trato com as mulheres, sendo este perfil superdimensionado pela forma e conteúdo pobres de suas “cantadas”. No que concerne aos elementos técnicos da encenação, o cenário se resume a um “palanque” situado no centro do palco, tendo à sua frente um espaço no qual são inseridas figuras representativas dos personagens em ação por meio das imagens de seus corpos físicos revelados da cintura para baixo (este mesmo “palanque” é utilizado como biombo para troca de roupas). A trilha sonora se condensa em uma repetida (propositadamente) música incidental de caráter infantil e formato monossilábico que demarca a transição dos personagens para Rodrigo, além do hit da cantora Sia, “Chandelier”. Os figurinos atendem com coerência, buscando amiúde o exagero e a extravagância de uma caracterização, às personalidades dos tipos perfilados (deve-se ressaltar o elegante costume todo preto, já dito, de Rodrigo Sant’Anna, nos momentos de comunicação com a plateia). A luz se baseia na predominância de refletores de cor azul (presentes nos intervalos dos quadros), e nos focos sobre o artista solo, vistos em não poucas situações (a iluminação é acompanhada por um suave fog). “Segundo Turno de Risadas” é uma peça que se sedimenta em um humor que bebe nas fontes populares, e não há nenhum demérito nisso, sendo enaltecida pelo protagonismo de um ator reconhecidamente talentoso na esfera da comicidade, possuidor de um brilho pessoal indelével.

Foto: Dalton Valério

Em tempos de inconstâncias políticas nacionais que reverberaram de forma negativa na área cultural e artística, o espetáculo “Os Sonhadores”, de Diogo Liberano, baseado na obra do jornalista, crítico de cinema e poeta escocês Gilbert Adair, soa infinitamente atual e oportuno no panorama teatral brasileiro (o romance rendeu o longa-metragem homônimo do cineasta italiano Bernardo Bertolucci, levado às telas em 2003, tendo em seu elenco Eva Green, Michael Pitt e Louis Garrel). Na peça dirigida por Viniciús Arneiro, protagonizada por Igor Angelkorte, Bernardo Marinho e Juliana David, também idealizadora do projeto, três jovens, Theo (Igor), Isabelle (Juliana) e Matthew (Bernardo), os dois primeiros irmãos franceses, e o terceiro um “imigrante” americano. O trio, na Paris de 1968, em plena efervescência do Movimento Estudantil que entrou para a História, e que até hoje serve de referência para manifestações populares espalhadas pelo mundo, decidem ir à Cinemateca da cidade francesa, e lá se deparam com a indesejada notícia de que o seu curador fora exonerado, o que impossibilitaria a exibição dos filmes programados. Ocasionalmente, o casal de irmãos conhece o rapaz vindo das Américas, e a partir deste encontro surge uma relação simbiótica progressiva que os absorve irreversivelmente, levando-os aos extremos comportamentais. Já que os jovens não mais podem se perder nos sonhos e fantasias cinematográficos, resolvem por eles mesmos criar os seus próprios filmes, expandindo as suas imaginações, e testando os limites de suas sensações. Precisam, de modo premente, inventar o seu filme. Invadem velozes e destemidos um importante museu de obras clássicas, e assinam as suas pinturas com tintas transgressoras nas grandes paredes dos longos corredores povoados de turistas curiosos não necessariamente interessados em Arte pura. Theo e Isabelle são filhos de um poeta ultraconservador para quem “a poesia é uma petição”, e de uma mãe que não se expressa verbalmente, representantes legítimos da alta classe burguesa. Estes mesmos irmãos possuem um relacionamento incestuoso, o que não lhes causa quaisquer vestígios de culpa, corroborando a sua face demolidora dos códigos de moral estabelecidos na sociedade. Em vista disso, Matthew, a princípio, vê-se um tanto confuso, aturdido e retraído com tantas novidades que lhe são apresentadas pelos seus parceiros. O americano, mesmo com o seu jeito mais recolhido, mas nem por isso menos rebelde nas ideias, seduz implacavelmente Theo e Isabelle. Os três formam um ser uno e inseparável no tocante ao sexo aberto, um sexo libertador, extasiante, sem regras, manuais ou convenções a serem seguidos. Um poliamor assumidamente subversivo, vertiginosamente sensorial e inegavelmente prazeroso. Um voyeurismo consentido do desejo masculino saciado solitariamente. A visão catártica do prazer do outro que lhe está tão próximo. Jogos caseiros de adivinhações de filmes servem como pretextos para que um jogue com o outro na busca teimosa de um autoconhecimento e conhecimento coletivos. Suas fragilidades são expostas como carne viva. O ser dominante e o ser dominado se justificam no ato sexual e na vida como condição indissociável da existência humana. Em meio a uma realidade dura e truculenta, com o Estado e seu sistema munidos de cassetetes como forma de linguagem possível para enfrentar seus oponentes à sua falta de ideias, os sonhos se tornam mais uma vez a única vereda de salvação genuína. A nudez dos gêneros, frontal, liberal, cotidiana e habitual, sublime em sua naturalidade, impõe-se como forma de expressão e afirmação válida. Enquanto vivem ou sobrevivem num universo onírico de emoções confinados no quarto de hóspedes de Matthew, entregando-se aos vícios da bebida e do fumo com a sua fumaça sempre a afrontá-los, “degustando” rações de gato, a realidade engendrada pelo poder estatal absoluto escorado no modelo irracional se materializa nas ruas amotinadas. A voz virgem do jovem clama pelos seus direitos e liberdades usurpadas. A cultura de uma geração profanada. Uma pedra vale como um livro. Ou o livro tem o peso de uma pedra arremessada na janela não discreta. Theo, Isabelle e Matthew travam diálogos eivados de ideologias individuais ou universais. Seus corpos nus e alvos se juntam num amálgama de peles e formas, num desejo compartilhado. Uma escultura viva e inebriante de linhas delgadas sequer pensadas pela mente mais fértil. A morte quando breve se assemelha a uma imagem de um filme criada pelo olho do amante em pranto. Vivencia-se o sonho, e se acorda com o real. Ouvem-se os sons de tiros, bombas e da turba, vislumbra-se o sangue do inocente escorrendo após o golpe sem misericórdia dos homens fardados e blindados. As paredes têm ouvidos, e os ouvidos têm paredes. A chuva e suas gotas testemunham o fim trágico/poético. O casal sentado passivamente assiste à destruição em fragmentos das forças de manipulação, e à revoada libertadora dos livros de educação. A dramaturgia de Diogo Liberano (codramaturgia de Dominique Arantes) sobressai-se pelo olhar cuidadoso e reverente com o qual se relaciona com as palavras, suas frases e proposições constituídas. Percebe-se, entre um silêncio e outro, que as falas dos personagens, sublinhadas pelos seus conflitos individualizados e com os seus pares, carregam uma riqueza desvelada em sua estruturação, no sentido de tornar o conceito de ideia e opinião emitidos por aqueles nas distintas situações valorizado em sua significância. Há quase uma permanente e constante troca de pensamentos, respeitando-se diferentes sintonias e frequências, entre os partícipes da história, que não raras vezes se embatem por defenderem posicionamentos opostos. Diogo e Dominique preservaram em seu texto cênico o frescor do ideário juvenil, com toda a sua inata contestação, e respectivas reflexão e visão particulares acerca do microcosmo que os cerca, e do grande mundo que está bem próximo, simplesmente do lado de fora. O texto flui com potente regularidade, sustentando a solidez de sua proposta primeira. A direção de Viniciús Arneiro privilegia com proeminência a associação harmoniosa e equilibrada entre o corpo, o seu movimento e a palavra, obtendo admiráveis resultados cênicos. Ficou-nos evidente a sua intenção de trabalhar com acuidade a infinita gama de possibilidades das movimentações corporais de seus atores, acompanhadas de diferenciadas gradações de velocidade e ritmo, exigindo por parte daqueles avolumado e complexo domínio sobre a sua matéria física. Já no prólogo da peça e em outras passagens, vemos Igor, Juliana e Bernardo adentrando o palco com movimentos em “slow motion” exemplarmente compassados, marcados e sintonizados. Num tempo próprio e específico, os personagens vão se estabelecendo como protagonistas de suas histórias. Viniciús teve a brilhante ideia de colocar uma tela cobrindo toda a extensão frontal da ribalta, próxima à invisibilidade, sobre a qual se projetam as mais diversas imagens em variados ângulos e contextos, como as de seus intérpretes, com destaque para o foco em áreas de suas anatomias, como os efeitos deslumbrantes de figuras com forte impacto visual, como os versos inspirados da poetisa polonesa Wislawa Szymborska. A tecnologia foi usada com indiscutível criatividade, à serviço do enriquecimento e embelezamento da montagem (vê-se a imagem etérea holográfica do ator Bernardo Marinho de costas observando a ação). O encenador buscou o humor e logrou êxito em uma das melhores cenas do espetáculo, na qual, em fila, o elenco, supostamente ao som de uma música que se repete impiedosamente, executa uma engraçadíssima coreografia marcada principalmente por estalos de dedos e pulos para a frente com movimentos pélvicos. O elenco formado por Igor Angelkorte, Bernardo Marinho e Juliana David se destaca uniformemente por compreender com agudeza e sabedoria interpretativas os sentimentos múltiplos com toda a sua notória complexidade e contraditoriedade que são característicos aos muito jovens. Igor, como Theo, transita com elegante desenvoltura por todas as fases emocionais por que passa o rapaz cheio de sonhos e ideologias. Em iguais níveis de qualidade nos demonstra os sentidos do desejo, do ciúme e do caráter contestatório. Bernardo Marinho compõe o seu personagem, o americano Matthew, amparado por sua boa voz grave, com finas nuances que demarcam com acentuada nitidez a personalidade retraída, conflituosa, por vezes insegura e incerta, mas provida de intensos anseios íntimos que conforme se desenrolam os fatos do entrecho vão se aflorando progressiva e abertamente. E Juliana David, como Isabelle, explora a sua sensibilidade com distinta convicção, respeitando as variações emotivas inerentes ao perfil da moça liberal, idealista, sonhadora, sem que em nenhum instante permita que a sua ternura se deixe sublimar pelos acontecimentos sucessivos. Todos os intérpretes dão a sua contribuição valorosa para o engrandecimento da montagem. Ademais, torna-se necessário reafirmar o primoroso trabalho corporal que o trio executa. A direção musical ficou ao encargo de Tato Taborda, que se esmerou em criar uma trilha que, além de bela, notabilizou-se pela inquestionável coerência ao se adequar à época histórica em que se desenvolve a sinopse. Lindas canções francesas são inseridas no cerne dos acontecimentos, inclusive um dos maiores clássicos do cancioneiro do país dos jovens Theo e Isabelle, “La Vie En Rose”, interpretado pela voz do ícone do trompete, o americano Louis Armstrong. Tato também se preocupou em demarcar certas passagens com sons instigantes e ruidosos. Todos os fatos buliçosos que ocorrem nas ruas parisienses são traduzidos por ele, com as sonoridades do falatório de uma multidão protestante e outras características, além de explosões e tiros concernentes a uma manifestação revoltosa. Aurora dos Campos, responsável pela cenografia, aposta na junção da neutralidade crua cinzenta com os muito bem aproveitados recursos tecnológicos visuais disponíveis, gerando um painel conjunto que de alguma maneira posiciona o ator em um patamar privilegiado no espetáculo. Observa-se uma espécie de caixa cênica com uma tela transparente vazada em sua frontalidade, como fora dito, tendo ao fundo uma abertura quadrada por onde entram e saem os personagens, dependendo das situações originadas. Há uma outra abertura com forma retangular (uma porta) no flanco esquerdo da ribalta. Usa-se em determinado momento algo semelhante a uma bancada. Os figurinos de Graziela Bastos abraçam o despojamento juvenil do final da década de 60 por meio de casacos, camisa e calça jeans, boots, camisa num tom azul forte, calça ocre, casaco chumbo, saia, blusa, xale, regata e underwear brancos. Há uma intencionada liberdade ao se misturar peças de distintos contextos com cores de larga paleta. Um detalhe neste setor que se destaca são os acessórios, na verdade, os óculos escuros utilizados por Igor e Juliana, em isoladas ocasiões. A iluminação de Rodrigo Belay/In Foco percorre com bastante meticulosidade caminhos que possam ocasionar uma ambiência peculiar, coerente, adequada e sedutora para cada cena. O fundo do palco, em não raras vezes, ganha a sua luz própria. Intentou-se com sucesso um plano aberto intermediário, possivelmente com o objetivo de se deslocar a ação para um período não atual. Uma cena delicadíssima envolvendo a nudez de Igor Angelkorte é iluminada com sábia discrição. E em outras em que a nudez do elenco se impõe necessária, a luz de Rodrigo pretende tão somente embelezar e suavizar as cores de suas peles e linhas de seus corpos, invariavelmente com bom gosto. A espetacular direção de imagens foi conduzida por Allan Ribeiro. Allan executou um trabalho visual riquíssimo, provando a sua inteira aptidão e sensibilidade em captar e inserir belas, insinuantes, autorais, psicodélicas e poéticas imagens sobre a tela em questão. O resultado é inegavelmente arrebatador. O visagismo de Nina Dutra soube com delicadeza realçar os atributos de cada ator, conferindo aos seus papéis um alcance maior em sua credibilidade junto ao público. “Os Sonhadores” é uma peça feita por jovens com a preciosa gana de fazer valer o seu nobre ofício da atuação, que fala de sonhos, de amor e sexo, de comportamentos e ideologias, com poesia, romance e humor. Feita por jovens, mas direcionada para o mundo. Não importa que sua trama se passe em um determinado período histórico, o turbulento ano de 1968. Não importa que tenha acontecido em Paris. Não importa que sejam dois franceses e um americano. “Os Sonhadores” é um espetáculo universal, humano e atemporal. O mesmo grito daqueles jovens do final da década de 60 pode ser ouvido hoje em outras ruas, algumas não tão glamorosas como as parisienses. Os conflitos e anseios afetivos e sexuais juvenis tiveram uma modificação ou outra, mais ainda são conflitos e anseios. A eterna busca pela liberdade, esta se mantém inalterada, independente dos tempos. Se no romance de Gilbert Adair a Cultura foi maculada com a exoneração de seu curador, o que impediu a exibição dos filmes na Cinemateca de Paris, não é necessário ir tão longe para se encontrar algo parecido. Igor Angelkorte, Bernardo Marinho e Juliana David são atores sonhadores, sonhadores atores. Sempre atores. Com eles sonhamos, sem jamais perdermos de vista a realidade sonhada.