O diretor explora principalmente trechos da obra definitiva de George Orwell, “1984”, a fim de questionar governos totalitários e outras mazelas contemporâneas

O cineasta haitiano Raoul Peck, indicado ao Oscar em 2017 pelo documentário “Eu Não Sou Seu Negro” (2016, “I Am Not Your Negro”), é um especialista em tocar o dedo nas feridas da sociedade global.

Se no filme citado, Raoul se vale das recordações do escritor James Baldwin sobre grandes ativistas de direitos civis dos Estados Unidos para denunciar o racismo deste país, no documentário “Orwell: 2 + 2 = 5” (2025, EUA, França), o diretor, também roteirista e coprodutor, bebe no inesgotável e profético manancial dos pensamentos políticos do escritor inglês George Orwell, principalmente explorando trechos de sua obra definitiva, o último livro de sua carreira, “1984” (1949), a fim de questionar o totalitarismo adotado em diversos governos mundo afora, a manipulação da verdade, as guerras injustificáveis, a divisão de classes e o poder exercido pelas redes sociais.

Um roteiro admiravelmente bem pesquisado cujo resultado audiovisual flerta com a linguagem pop

Para transformar seu roteiro admiravelmente bem pesquisado em realidade audiovisual, Peck se utilizou dos mais variados recursos, como imagens de arquivo e jornalísticas recentes, cenas de diferentes filmes, inclusive as duas versões de “1984” (de Michael Anderson, 1956, e de Michael Radford, de 1984), animações e criações em IA (certamente como uma ironia).

Dividido em capítulos, flertando com a linguagem pop e narrado com elegância pelo ator Damien Lewis, o doc “Orwell: 2 + 2 = 5” assume um compromisso com o espectador ao entrar no cinema: o de falar a verdade, somente a verdade.

Para Raoul Peck, 2 + 2 = 4.

O filme de Oliver Laxe é algo completamente distinto ao que nos habituamos a assistir

Roads movies ocupam um lugar bastante atrativo dentre os gêneros que o cinema nos oferece.

Já vimos os que abarcam o terror e o suspense, como o clássico de Steven Spielberg, “Encurralado” (“Duel”, 1971); aqueles que misturam a aventura com o drama, como o irresistível “Thelma & Louise” (1991); e os que juntam o drama, a comédia e o musical, como o cult “Priscilla, A Rainha do Deserto” (“The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert”, 1994).

O que se vê no perturbador e atual “Sirāt” (“Sirāt”, Espanha, França, 2025), um dos indicados ao Oscar de Melhor Filme Internacional, dirigido e roteirizado por Oliver Laxe (coescrito com Santiago Fillol) é algo completamente distinto ao que nos habituamos a assistir.

Indigesto, excruciante, o longa produzido, dentre outros, por Pedro Almodóvar, vencedor de 6 prêmios Goya (som, fotografia, montagem…), revela-nos o angustiante périplo de Luis (Sergi López) e seu filho pequeno Esteban (Bruno Núñez Arjona) em busca de sua filha e irmã, respectivamente, desaparecida em uma rave no sul do Marrocos.

Após se unirem a frequentadores da rave (Jade Oukid, Stefania Gadda, Tonin Janvier, Joshua Liam Henderson e Richard Bellamy), que se encaminham a outra realizada em local inóspito, o pai e o filho são terrivelmente surpreendidos pelos mais inclementes reveses.

“Sirāt” nos impressiona em várias frentes, como a embasbacante fotografia e sua fenomenal música

Oliver Laxe se diferencia entre os demais cineastas por ser totalmente implacável com o seu espectador, não o poupando de sustos dolorosos e cenas de impacto emocional sem precedentes.

Vencedor do Prêmio do Júri no Festival de Cannes, “Sirāt” nos impressiona em várias frentes, como a embasbacante fotografia de Mauro Herce e a fenomenal música de Kangding Ray.

Vale a pena conferir “Sirāt”, uma obra indiscutivelmente bem-feita, mas não reclame após a sessão dos socos que lhe foram dados sem dó no estômago.

O filme se assemelha a “um trem em alta velocidade que não descarrila sequer uma vez”

Uma história livremente baseada na trajetória de um mesa-tenista norte-americano da década de 50, Marty Reisman, a princípio, poderia soar desinteressante.

Todavia, este preconceito cai por terra ao se assistir ao frenético e bem sacado (sem trocadilhos) longa-metragem de Josh Safdie (também corroteirista e co-editor com Ronald Bronstein), indicado em 9 categorias ao Oscar, incluindo “Melhor Filme”, “Melhor Diretor” e “Melhor Ator” (Timothée Chalamet), “Marty Supreme” (EUA, 2025).

O filme, uma comédia dramática esportiva, assemelha-se a um “trem em alta velocidade que não descarrila sequer uma vez” ao nos narrar os percalços do arrogante e encrenqueiro Marty Mauser (Timothée Chalamet), jogador de tênis de mesa que deseja a qualquer custo sair dos Estados Unidos e participar de uma revanche em um torneio do esporte no Japão, quando as relações entre os dois países no pós-guerra ainda estavam muito sensíveis.

A dupla de roteiristas não economiza nem um pouco na inventividade, ofertando-nos cenas carregadas de tensão, emoção e puro humor

O roteiro de Ronald Bronstein e Josh Safdie não economiza nem um pouco na inventividade, ofertando-nos cenas carregadas de tensão, emoção e puro humor.

Timothée Chalamet, nova-iorquino que ganhou o mundo com a produção “Me Chame Pelo Seu Nome” (2017), presente em vários filmes relevantes como “Duna” (2021 e 2024) e “Um Completo Desconhecido” (2024), impressiona pelo nível de qualidade e maturidade alcançado com a sua interpretação em que abundam nuances (com o papel, venceu o Critics Choice Awards).

A deliciosa trilha sonora de Daniel Lopatin traz clássicos do pop eternizados pelo Alphaville e Tears For Fears.

O elenco sensacional tem as valiosas contribuições de Gwyneth Paltrow, Odessa A’zion, Fran Drescher, Kevin O’Leary, Tyler, The Creator e Abel Ferrara, diretor de filmes como “Vício Frenético”, 1992.

Se você tiver dúvidas quanto à classificação de “Marty Supreme” se lhe perguntarem, apenas diga: – Filmaço.

Um filme que em seus créditos finais nos provoca o mais doloroso dos silêncios

O que resta durante os créditos finais de “A Voz de Hind Rajab” (“Sawt Hind Rajab”, “The Voice of Hind Rajab”, Tunísia, França, 2025), vencedor do Grande Prêmio do Júri (Leão de Prata) do Festival de Veneza 2025, forte candidato ao Oscar de “Melhor Filme Internacional”, é o mais doloroso dos silêncios. O lancinante drama/thriller psicológico baseado em acontecimentos reais dirigido e roteirizado pela tunisiana Kaouther Ben Rania (“As 4 Filhas de Olfa”, 2023) retrata as angustiantes horas que se passam enquanto em janeiro de 2024 voluntários do Crescente Vermelho (organização humanitária ligada a Cruz Vermelha), localizada na Palestina, comunicam-se minuto a minuto com uma menina de 6 anos, Hind Rajab, presa em um carro em Gaza junto aos familiares mortos após ataques israelenses.

A diretora e roteirista Kaouther Ben Rania nos mostra o quanto é frágil o limite entre a racionalidade e a emoção dos voluntários de uma organização humanitária em situações-limite

A obra, com fotografia crua, movimentos de câmera rápidos e trepidantes e closes bem fechados em seus atores, captura o espectador com doses elevadíssimas de tensão, colocando em debate toda a burocracia presente no resgate de feridos em um estado de guerra, cuja demora pode custar vidas. Kaouther Ben Rania foi bastante cuidadosa e sensível no tratamento de seu roteiro, mostrando-nos o quanto o limite entre a racionalidade e a emoção/empatia dos voluntários de uma organização desta magnitude em situações-limite pode ser frágil.

Uma escolha pungente da diretora é o uso da voz real da menina Hind em seus diálogos com o Crescente Vermelho e seus parentes.

A existência de uma obra como “A Voz de Hind Rajab” é indispensável como prova da estupidez das guerras

O elenco, formado por Saja Kilani, Motaz Malhees, Clara Khoury e Amer Hlelel, fornece-nos interpretações arrebatadoras.

“A Voz de Hind Rajab” é um filme incômodo, difícil de se assistir pela dor que a sua realidade nos causa, porém a sua existência é indispensável como prova legítima da estupidez das guerras e principalmente de quem as causa, a raça humana.

Kleber Mendonça Filho se mantém leal aos seus princípios e valores ao retratar a jornada tempestuosa do personagem central

Kleber Mendonça Filho, um dos cineastas mais relevantes do país, é um artista antes de tudo inquieto.
Inquieto com opressões de quaisquer tipos e mazelas sociais de toda sorte.
Esse olhar desassossegado é percebido em sua rica filmografia (“O Som Ao Redor”, 2012; “Aquarius”, 2016; “Bacurau”, 2019; e “Retratos Fantasmas”, 2023).
Em sua mais recente obra, “O Agente Secreto” (Brasil, França, Países Baixos e Alemanha, 2025), vencedor de 2 prêmios no Festival de Cannes (Melhor Interpretação Masculina para Wagner Moura e Melhor Direção) e uma infinidade de outras láureas, Kleber, também roteirista, mantém-se leal aos seus princípios e valores ao retratar a jornada tempestuosa de Marcelo/Armando (Wagner Moura), um competente pesquisador universitário na área de Engenharia, que sai de São Paulo rumo a Pernambuco em busca de seu filho, acolhimento e proteção dos que compartilham as mesmas ideias políticas em um ano, 1977, ainda regido pelos mandos e desmandos de uma ditadura militar.

Respaldado por um elenco que defende com grandeza a missão de seus papéis, Wagner Moura está decerto em seu apogeu artístico

Dividido em atos, com direito a pertinentes flashbacks, o thriller/drama que não dispensa elementos surrealistas e menções cinematográficas, segura o espectador na poltrona em suas 2h40min graças, dentre outras virtudes, à elevada tensão, acompanhante fiel da narrativa, e à natural identificação com o personagem central.
Wagner Moura, alvo de justificadas especulações sobre uma possível indicação ao Oscar ®️, está decerto em seu apogeu artístico, sabendo dosar com extraordinária habilidade técnica e emoção, cortando toda peça de composição excessiva, o que resulta em uma atuação espantosamente crível.
Wagner se vê muito bem respaldado por um elenco que defende com grandeza a missão de seus papéis, como Tânia Maria, Maria Fernanda Cândido, Alice Carvalho, Luciano Chirolli, Gabriel Leone, Thomás Aquino, Isabél Zuaa, Hermila Guedes, Roney Villela, João Vitor Silva, Licínio Januário e Marcelo Valle.
Com impecável fotografia de Evgenia Alexandrova e magnífica direção de arte de Thales Junqueira, “O Agente Secreto” espiona e acha o bom cinema.

Premiado com o Urso de Prata em Berlim, o filme mostra um Estado autoritário que obriga os idosos a se afastarem da sociedade em prol de uma economia mais producente

O diretor recifense Gabriel Mascaro tem um reconhecido pendor para abordar com excelência temas distópicos em seus filmes.
Em “Divino Amor” (2019), o alerta aos riscos do extremismo religioso em um futuro obscuro nos foi dado.
Agora, em “O Último Azul” (Brasil, Chile, México, Países Baixos, 2025), vencedor do Urso de Prata no Festival de Berlim (Grande Prêmio do Júri), Gabriel, também roteirista ao lado de Tibério Azul, não se furtou a colocar o avesso da utopia como pano de fundo para nos narrar a história de Tereza (Denise Weinberg), uma operária septuagenária de uma fábrica situada nos rincões da Amazônia que vê o seu mundo ruir após a decisão segregacionista de um governo autoritário e corrupto de isolar pessoas idosas em áreas determinadas a fim de robustecer a economia local somente com a força de trabalho jovem.
A pujante denúncia que o criativo e bem alinhavado roteiro da dupla levanta sobre práticas etaristas na sociedade encontra respaldo no que vivenciamos de forma mais ou menos explícita nos tempos atuais em que se agrega exacerbado valor à juventude.

“O Último Azul” reforça o momento glorioso do cinema brasileiro tanto aqui quanto no exterior

O longa-metragem, com inebriante fotografia de Guillermo Garza (além dos filtros, imagens de locais amazônicos que embasbacam), reuniu um elenco de peso, com Denise Weinberg estupenda como a mulher que deseja realizar o sonho de voar de avião antes de perder a liberdade e Rodrigo Santoro fantástico como Cadu, um simplório barqueiro que surge em seu caminho. Ambos estão muitíssimo bem acompanhados por intérpretes que abrilhantam a obra de Mascaro: a atriz cubana Miriam Socarrás, Clarissa Pinheiro, Adanilo e Rosa Malagueta.

“O Último Azul”, que nos faz rir da tragicidade dos absurdos cada vez mais possíveis da existência coletiva, reforça o glorioso momento do cinema brasileiro tanto aqui quanto no exterior, provando que não nos falta capital artístico de qualidade (ideias, atores, técnicos) que nos faça querer voar tão alto quanto Tereza.