Foto: João Caldas

“A priori”, demanda-se ressaltar a significante iniciativa de se levar aos palcos um dos maiores legados dramatúrgicos do Teatro Moderno, “Quem tem medo de Virginia Woolf”, do americano Edward Albee. A importância desta obra fez-se tão clamorosa à época de seu lançamento (1962), que em 1966 o cineasta Mike Nichols a transpôs para a linguagem fílmica, com Richard Burton e Elizabeth Taylor. Após três montagens brasileiras, o prestigiado e producente diretor Victor Garcia Peralta, que já nos deu extensas provas da inconteste habilidade de conduzir narrativas cênicas, oferece-nos impiedosa e implacavelmente um espetáculo feroz, denso, inebriante e com alta carga de rica dramaticidade, sem expurgar o corrosivo humor de Albee. Sentimo-nos atônitos defronte à encenação que transcorre em meio acadêmico, cujos quatro personagens, complexos e grandes na configuração dos perfis, envolvem-se, desempenhando posicionamentos ora algozes ora vitimizados, fato este que provoca dinâmica textual e interpretativa patente sob diversos aspectos em situações que implicam em enfrentamentos interpessoais. O enredo é desenvolvido no elevado ambiente universitário, como disse, e seus consequentes intelectos privilegiados. Marta (Zezé Polessa), bela e exuberante mulher, filha do reitor alcunhado de “ratão dos olhos vermelhos”, apoia-se em constantes copos com teores etílicos vários, deixando-se acompanhar pela vaporosa fumaça de cigarro que não lhe deixa os dedos finos, inicia processo em evolução destrutiva da imagem, colocação e personalidade do marido Jorge (Daniel Dantas), professor de História, ao qual refere-se com a marca da maldade escondida ou clarificada nos indivíduos como “do Departamento” e não “O Departamento”. Jorge é homem inteligentíssimo, sagaz, possuidor de potencial calma pronta para transfigurar-se em exacerbado enfurecimento que desaba qualquer sujeito objeto de suas devastadoras reflexões amparadas por ditos espirituosos desconcertantes. Em noite de lua que já se pôs, o casal recebe as visitas do jovem professor de Biologia Nick (Erom Cordeiro) e sua esposa Mel (Ana Kutner). Forma-se o quarteto seguidor da máxima “quem não mistura, não se aventura” (uma alusão às bebidas). Não somos poupados a partir daí de um painel cruento de conflitos e embates nos quais as idiossincrasias dos pares são as armas de defesa de uma guerra muito particular. O biólogo sedutor e ambicioso, “concreto” na massa muscular, casou-se por interesse com a estouvada companheira, que “estufou” ventre por breve período, dada a vômitos reais e não metafóricos como os dos demais, e que refestela-se no ladrilho frio do banheiro. Ofensas, jogos vorazes e por que não “mortais”, desmascaramentos sequenciais, niilismo progressivo e dissecação da alma alheia são perfilados sem pausa num conjunto de diálogos expressivos na contundência em que não há espaço para parcimônia de vilipêndios. Victor Garcia Peralta, com a assistência de direção de João Polessa Dantas, executa com propriedade abastada o encadeamento teatral cabível, impingindo honorífica sinceridade nos propósitos, valorizando igualmente o soberbo texto, o magnífico elenco e a ocupação lógica e funcional da ribalta. A tradução de João Polessa Dantas é ótima, com a manutenção do cerne das ideias originais de Edward Albee. Os intérpretes, ratifico, exigem adjetivo elogioso que bem resuma sua realização artística. Daniel Dantas compõe Jorge com precisos e objetivos traços causadores de deslumbre e inquietação, transmitindo-nos as indignação aparente, submissão inicial, espirituosidade e estoicismo enganoso que se condensa numa ira irrefreável sem chances de contra-ataques. Zezé Polessa se incumbe de atribuir a Marta, com vasto entendimento do peso psicológico da personagem, uma grandiloquência comportamental, sustentada por acidez e tons caústicos de suas falas, irresistível luxúria, capacidade ilimitada e inexorável de subestimar o esposo, a quem chama de “poça”, “laminha”, lembrando-o sempre de seu suposto fracasso. Lembrando-o do livro cujo único leitor foram os seus pensamentos. Marta é ser feminino frágil emocionalmente, histérico, e que se delicia em mordiscar pedras de gelo com fins de prazer e/ou distração em meio às altercações. Erom Cordeiro, um ator que se sobressai em escolher textos de excelente qualidade para encená-los, absorve-nos inapelavelmente com um Nick que no introito aparenta ser o mais “normal” dos quatro, porém aos poucos deixa-nos escapar os defeitos que maculam a índole própria, o que não diferencia “o especialista em cromossomos” do resto da sociedade. Além disso, Erom busca com o seu papel, e obtém êxito, mostrar-nos constrangimento, destreza em adaptar-se ao universo insano no qual se inserira, protegendo-se com oportunidade das injúrias que lhe são lançadas. E a Ana Kutner coube a difícil tarefa de personificar Mel. Ana sabiamente a construiu com as medidas exatas de vulnerabilidade e nescidade em momentos distintos, somados à fraqueza, perplexidade, tristeza e dependência emotiva de seu cônjuge. O cenário e a direção de arte de Gringo Cardia aposta as suas fichas em esplendoroso local munido de estacas (com ramificações que remetem a galhos encimadas por diminutas casas com luzinhas frouxas no seu interior) usadas como símbolos de árvores. Há que se dizer que Gringo criou uma majestática “soberania” da madeira, podendo ser observada também na decoração típica da década de 60, com sofás, cadeiras, bar, vaso, livros, copos coloridos e garrafas idem. Um dos destaques indubitavelmente é o palco giratório (a sua rotação desperta-nos sentimento inefável e o natural ruído tangencia o sinistro). A divisão do ambiente em planos inferior e superior, com utilização válida das escadas, por instantes, lembra-nos a herança deixada por Santa Rosa. Os figurinos de Marcelo Pies sobressaem-se pelas elegância, congruência, sofisticação e bom gosto, fiéis ao que se trajava nos anos retratados. Veem-se a formalidade de um sobretudo, camisas sociais e gravatas, o despojamento de um casaco leve e calça folgada, o luxo de longos e estola e a ingenuidade de um vestido floral. A iluminação do competentíssimo Maneco Quinderé tem por meta cometer o que já nos é notório em seus trabalhos anteriores, ou seja, a provocação em nossas percepções, com inevitável enternecimento ao nos depararmos com fases oscilantes no que concerne à intensidade. Vislumbramos refletores em profusão (alguns com direcionamento oblíquo) que “abrem” a cena, emergindo claridade profunda que nos ambienta com a meada. O visagismo de Fernando Torquatto merece realce tanto nos “makes” suaves delineadores das faces bonitas das atrizes quanto nos penteados (incluem-se os masculinos) pertinentes à etapa histórica. A trilha sonora de Marcelo Alonso Neves é adequadamente enxuta, concisa, abarcando gêneros como o rock e o jazz. “Quem tem medo de Virginia Woolf?” no seu epílogo, depois de merecidas e demoradas ovações, perpetua-se em nosso imaginário como fonte de autoconhecimento e conhecimento do semelhante. Sem aderir a psicologismos superficiais, e apegando-se à pujante e convicta noção acerca das forças e tibiezas individuais, com possíveis chances de sobrevivência para os homens, a peça que nos fora apresentada teve a responsabilidade que se cumpriu de movimentar concepções dos espectadores, e fazer valer de que não se deve ter medos tampouco receios em optar por obra clássica e incrivelmente atemporal. O espetáculo se junta à seleto time de produções vigentes nacionais que de modo absoluto dão vida ao panorama cultural estabelecido.

Foto: Théo Nogueira

A feminilidade e suas condições, vantagens e supostas desvantagens, o casamento desmistificado como instituição (assegurado de modo errôneo como “termo de felicidade” definitivo para o casal), o surgimento do acaso e/ou destino nos caminhos nossos trilhados, a desconfortável ausência e respectivas cobranças da inclemente sociedade perante a falta de um “projeto de vida” (há que se ter um?), o “abismo existencial” que se abre defronte ao ser humano não poucas vezes no decorrer da jornada seguida, os incômodos tédios, rotina e subsequente tentativa de ruptura destes são abordados com inteligência por profissionais entendedores dos assuntos supracitados como Regiana Antonini, que de maneira exemplar e irretorquível adaptou o best-seller homônimo de Martha Medeiros, “Feliz por Nada”, Ernesto Piccolo (direção), Rogério Fabiano e Valéria Macedo (produção), e Cristiana Oliveira, Luísa Thiré e Gil Hernandez. Face ao que relatei podem naturalmente associar a peça a um drama. Não, trata-se de uma comédia romântica. E o enorme mérito deste espetáculo está justo nesta questão de gênero. Com acerto, duas bonitas, talentosas e carismáticas atrizes foram convidadas para protagonizarem a produção, além da participação essencial de Gil. Cristiana Oliveira é Laura, professora de Português, casada há 15 anos, mãe de duas filhas (duas meninas, uma criança e outra adolescente), 42 anos e completamente infeliz. Seu casamento com Joca (Gil Hernandez) está morno, em fogo brando, inexiste entendimento entre os cônjuges, só lhes restam bicotas, não mais “beijos em pé”. O desprezo sobrepuja o desrespeito, o que talvez seja até pior. Os famigerados “projetos de vida” estão engessados, estagnados por escassez plena de apoio, incentivo, que se escoram em insegurança, medo, inércia e receio de apostar no duvidoso. No tocante a Juliana (Luísa Thiré), fotógrafa, separada (já se casou mais de uma vez), uma filha, independente, bem resolvida e feliz. Feliz? Como assim, “feliz”? Feliz por nada (como ela mesma se define), feliz por estar viva, feliz por olhar para si mesma, por viver cada momento e valorizá-lo, seja ele grande ou pequeno. Duas mulheres opostas. Uma espécie de “yin-yang”. O comum perceptível entre as duas “vítimas” da Vida, não nos importando de que forma a encarem, são corridas cotidianas pela Lagoa Rodrigo de Freitas, no Rio de Janeiro. Todos os dias, a única comunicação que se nota é um banal e protocolar “Oi!”, com diferentes entonações, dependendo dos humores individuais. Num encontro proporcionado pelo acaso e/ou destino no Aeroporto de Tóquio, Japão, na volta ao Brasil, um incidente faz com que passem a se conhecer melhor. A força de uma inibe a fragilidade da outra, e a complementação irrompe, dando início à promitente amizade. Uma mão estranha enxuga lágrima ressentida que escorre em rosto alheio. O “Oi!” sem emoção ficou para trás. Os complexos, frustrações e o “sorriso 32” (aquele que costumamos dar para parecermos felizes) são compreendidos por Juliana, que tem por “projeto de vida” ajudar a recente amiga. No entanto, uma pergunta que nos rodeia perseverante: Juliana é de fato feliz? Ou se impõe a ser como muitas pessoas o fazem? Ser feliz é um estado de espírito atraente, sedutor ao semelhante. Ninguém quer saber de gente triste, macambúzia e sorumbática. Porém, o mundo com todas as suas belezas e efemérides é por si só triste, macambúzio e sorumbático. O que cometemos são esforços permanentes para arrancarmos daquele “migalhas” de alegria. Não teríamos excelsos filósofos e pensadores se não fossem as tristeza e pessimismo diante do que o planeta de nome Terra nos dá de presente, e nos surpreende a cada passo que damos. O companheirismo da professora e da fotógrafa se solidifica, todavia uma coincidência ou “rasteira do destino” abala o afeto de ambas. O que se vê após são situações, diálogos, enfrentamentos que nos levam à cognição inevitável, madura ao testemunharmos fatos constrangedores que sem cerimônia se apresentam. Regiana Antonini esmiúça com alma feminina estruturada e ciente dos dilemas próprios do nunca “sexo frágil” as ideias amplas, abertas, racionais, sensíveis, desprovidas de omissões, mentiras ou falsos pudores de Martha Medeiros. Ernesto Piccolo, excelente diretor com habilidade para encenar dramaturgias de origens diversas e abordagens várias, pôs na ribalta uma encenação sábia, aproveitadora do espaço cênico, reflexiva, intimista, e leve, sim, leve a despeito da sinopse, com toques de humor milimetricamente balanceados. Ernesto dirige “Feliz por Nada” realçando as qualidades do texto e atores. Tanto Cristiana Oliveira quanto Luísa Thiré, belas em cena, transmitem com prodígio e maravilha a vasta gama de sentimentos e oscilações adjacentes com posturas séria, equilibrada, por vezes divertida e noção concisa do que estão executando. Gil Hernandez se sai bem nos dois papéis: exibe naturalidade e perfil prático e objetivo como o corretor de imóveis Rodrigo, e a indiferença, o ar “blasé”, a impassibilidade do marido Joca; contudo escancara capacidade de paixão e desejo ao reencontrar amor do passado. O cenário de Clivia Cohen insiste no ambiente negro, cru e nu, ou seja, pretere elementos desnecessários, o que ao final das contas, convence-nos sobremaneira. Os adereços, como valises e cadeira, também são criações de Clivia. A história se preenche com este vazio proposital. Os figurinos de Helena Araújo são destaque na obra, com variedade de vestimentas de múltiplas cores e tendências que deixam até mesmo aqueles que não se apegam a este aspecto técnico impressionados. São “trench coats”, casacos, longos florais e estampados, acessórios, camisas sociais e esportivas, malhas, moletons, jeans, sapatilhas e anabelas. Tudo sob esfera de elegância e bom gosto. A trilha sonora de Rodrigo Penna (conhecedor de estilos musicais e suas vertentes) envereda por atalho no qual se sobressai a trilha incidental, demarcando as passagens, dando-lhes riqueza, o que nos fica clara a tangência com o coerente. Rodrigo nos acarinha sobretudo com a irresistível “Crazy”. A iluminação de Aurélio de Simoni deslumbra-nos. O encantamento e esplendor que nos são causados justificam-se por precisão e adequação. Os planos abertos são utilizados no cotidiano ou nos embates psicológicos dos envolvidos na trama. O foco é preponderante nas atuações confessionais dos intérpretes (aproveitando-se dos lados esquerdo e direito do proscênio; inclusive, podemos destacar um magnífico ato em que as atrizes se sentam à beira do palco, próximas ao público, o que desencadeia com que este se sinta inserido no enredo de algum jeito). “Feliz por Nada” é um sopro de vitalidade no panorama teatral carioca, com suas percepções sobre vida e relacionamentos, sexos masculino e feminino, e pujanças e vulnerabilidades humanas que se revezam escapando de nossas vontades. Uma peça que veio com o intuito de esclarecer, discutir, debater, sem pretensão de ser “dona da verdade”, sendo uma opinião a ser respeitada, seguida ou não, e por conseguinte nos tirando do marasmo intelectual. Martha, Regiana, Ernesto, Cristiana, Luísa e Gil cumprem missão social em formato de entretenimento. Estou feliz. Por tudo. O “nada” é “tudo” em “Feliz por Nada”. O “nada” pode ser revisto. Assistam a “Feliz por Nada”, e depois me digam se não tenho razão.

Foto: Philipp Lavra

Um fotógrafo, Francisco (Pedro Nercessian/Igor Angelkorte), com mão machucada, busca a pureza das imagens. A verdade e não miragens. Recusa-se a tomar pílulas que prometem a “juventude mentirosa”. Uma desairosa confrontação com a Natureza. O Estado, tendo como representante o seu rígido pai César (Samuel Toledo) lhe incumbe a função de registrar o modo de vida dos habitantes da Ilha de Sêneca (uma referência ao escritor e filósofo nascido em Córdoba – à época uma província romana da Hispânia, que se destacou no Império Romano, cujas ideias preconizavam a vida simples, a ética e a predominância do destino; suas obras serviram de fonte para a dramaturgia renascentista) com vistas à campanha publicitária. A população estudada optou por assumir suas rugas sem rusgas consigo mesma. Cada sulco de seus rostos não soa como insulto, e sim como culto aos atos de transição das etapas da vida. Se para nós envelhecer é sofrer, perder e chegar aos estertores do fenecer, o que Francisco depreendeu da gente ilhéu é de que esta é crente de que deixar a juventude para trás, acompanhar transformação de pele lisa em franzida, significa aceitação do processo evolutivo vital, fato que não exclui de suas “envelhecidas existências” uma felicidade inteiramente nova. No retorno ao lar, encontro com esposa médica, a prática e objetiva Lúcia (Lívia Paiva), adepta da Ciência que se imiscui com a “ingerência química” obstrutiva da “Vontade do Universo”. Os pais são assaz defensores da alegria que se perfaz no exterior, na estética, ignorando possível dor interior consequente da transgressão da Dialética. A mãe Cleo (Chandelly Braz/Júlia Lund) também é um ser que em sua feminilidade não demonstra fragilidade. No entanto, permite que a sensibilidade não se esvaia ao cuidar do filho Francisco (Fernando Bohrer) com “desenho do tempo” já “rabiscado” em matéria física decorrido período de ausência. O corpo presente se ressente do peso que não desmente o “preço feroz a ser pago ao relógio biológico”. É lógico. É o momento do tempo. A hora de seu reinado. Não sejamos alienados. Ignorantes e pedantes se tentarmos desprezá-lo. A nudez de outrora nos é atraente, tentadora, provoca-nos desejos explícitos. Já a nudez madura embora dura, é sedutora por ser real na afirmação do racional. Sim, de alguma forma somos semelhantes aos elefantes, que se desgarram do rebanho por não mais deter o ritmo deste, e esperam a morte no silêncio, na tranquilidade, na paz do refúgio, prontos, obedientes e dispostos a iniciar diálogo com o Desconhecido. A aridez e secura desses temas são abordados com proficiência, clareza, foco numa compreensão reflexiva e filosófica, e por que não expansiva do inevitável, seja ele temido ou bem-vindo caminho que nos leva à reta final de nossa história em “Elefante”, de Walter Daguerre. Walter é um autor que a cada texto explora de modo surpreendente a coesão narrativa/dramatúrgica sem preterir da emoção e de fino humor, com evidente potencial para canalizar para o teatro o que poderia descambar para o abstrato em mãos hesitantes. A direção (e argumento) de Igor Angelkorte desenvolve com inteligência, precisão (há cenas em que se formam triângulos espaciais nos embates travados pelos personagens), e um sadio apego ao sentimento e a tênue graça. Igor, a despeito da mocidade, aplica nos palcos com maturidade de quem entende o processo teatral cabível, aceitável e digno de nota, e expedito foge das armadilhas natas ao enredo espinhoso. O elenco da Probástica Companhia de Teatro, sem exceção, executa primorosamente, com delicadeza, força interpretativa e assumindo um naturalismo apropriado, a missão de exibir de maneira convincente e meticulosa o perfil descritivo dos papéis da trama. O cenário de André Sanches irrompe com singularidade e beleza desconcertantes, valorizando a arena, amparado por quatro cadeiras de madeira brancas similares a costelas (o que nos causa relevante impacto visual). Sobre chão possuidor de textura crua, que ao ser pisado emite ruído “arenoso”, encontra-se altivo vaso com caule e galhos retorcidos ciosos de água, mesmo que haja dificuldade na identificação das estações do ano, assim como nos é dificultoso encontrarmos as nossas próprias e definitivas identidades. E como elemento central uma mesa com recorte autêntico e criativo que acolhe pratos, talheres, taças e uma câmera fotográfica solitária. A Renato Machado coube a iluminação, e dela absorvemos uma totalidade de elegância, congruência e equilíbrio de luzes adequadas às situações, trilhando por vezes veredas mais intimistas (com focos individuais que nos lembram trapézios alongados ao mirarem o piso, e imagens luminosas quase apagadas que nos transportam à poesia legítima). Sombras cordiais que se revezam com a pujança de um plano aberto. Os figurinos de Ronald Teixeira atendem com senso de oportunidade e capricho à proposta comportamental dos “characters”. O bonito vestido rendado e transparente laranja escuro de Cleo e “scarpins”, o terno e complementos austeros de César, o casual e moderno na primeira fase de Francisco e o enxuto simbolizado por colete, calça e sapatos que falam por si mesmos na segunda. Todavia, Lúcia é contemporânea, despojada com viés sóbrio, utilizando-se de sobretudo, lenço e blusas leves, realçando o “bordeaux”. Os intérpretes tiveram um trabalho de corpo excepcional, e dentre tantas passagens, merece citação as danças típicas e/ou regionais mostradas por Fernando Bohrer e Pedro Nercessian/Igor Angelkorte, nas quais se percebem movimentos fortes, decididos, bruscos, calculados e óbvio, belos. Felipe Storino nos apresenta uma trilha sonora original que desperta curiosidade, receio, conforto, placidez e apreensão. “Elefante” atinge o seu epílogo, e todo um mecanismo de organização mental dos espectadores é ativado no intuito de formular conclusão justa, reta do que se assistira até então. Nossos pensamentos não envelheceram. Muito pelo contrário. Regeneraram-se. Conceitos de vida e morte, felicidade e tristeza preestabelecidos demandaram reavaliações. Provável que agimos como elefantes. Agrupamo-nos na plateia à espera de surpresa, do não conhecido. Transgredimos o axioma de que aqueles animais se isolam pois são impedidos de seguirem o ritmo de seus pares. Ficamos lado a lado, emparelhados com “Elefante”. Unidos num só fôlego. Não houve perdedores. Saímos todos vitoriosos, e rasgamos finalmente a faixa da linha de chegada com o espírito do renascimento.

Foto: Guga Melgar

Era para ser Isaac e Ismael, os filhos de Abraão. A religiosidade da mãe cuja sombra da esterilidade a conturbou assim impusera. Quem dera. Os ateísmo e comunismo do pai Otto fizeram com que preferisse atribuir homenagem aos fundadores de Roma, Rômulo e Remo, amamentados por loba mãe, consoante à etimologia do sobrenome do clã, ao nomear seus filhos gêmeos. Rômulo (Eriberto Leão) e Remo (Otto Jr.) cresceram juntos em desacordo. O mesmo desacordo que fez Isaac “lançar pedra” na cabeça de Ismael. Aos dezoito anos, com o coração aberto para “grandes novidades” e fechada para “pequenas antiguidades” sob determinante influência de velho hippie que enfrentou a lama de Woodstock e viu o dedilhar vivo e feroz de guitarra de Hendrix, sem ter deixado de devorar o legado dos “beatniks” Jack Kerouac e Allen Ginsberg, além do poeta William Blake. Rômulo foi apresentado solenemente a um mundo novo supostamente admirável. Abandonou o tédio, a família, o “nada”. Roubou o vil metal que nos é essencial do suor daqueles que compartilhavam o mesmo teto. Descobriu-se escritor. Suas ideias pululavam, e fincaram raízes em 23 “brochuras” que jamais poderiam ser lidas pelos “lobos que o amamentaram”. Língua estranha em páginas numeradas. Fosse em Londres ou no alto da cabeça de um anjo de Berlim, como se em filme de Wim Wenders estivesse, “Asas do Desejo”, o desbravador de letras abriu suas veredas por entre as capas e sobrecapas dos livros que passou a escrever. Sua mente o traiu. A ideia sumiu. O escritor sentiu dor. E a chave grudada na carteira de identidade dilacerada era a ponte para a “volta ao lar de Pinter”. Entrementes, a vida foi inclemente com Rosália (Betina Viany) lhe dando a demência que só as borboletas compreendiam. O pai Otto feneceu, e no jardim regado sempre fora cuidado. Liza (Renata Brida), veterinária, primeiro amor de Rômulo, talvez tenha optado tratar os animais bichos, pois os animais homens não têm tratamento cabível. Casada há anos com Remo, entristece-se por não ver o seu ventre crescer. Um casamento em desalinhamento. Remo é mecânico, ofício herdado do pai, conhecedor emérito da “mecânica das lambretas”. Há uma linda “lambreta” Harley-Davidson que para atingir a sua majestade lhe falta a peça “borboleta”. Rômulo com cigarro na boca, existência em bancarrota, retorna para o seu “rebanho sem pastor”. O jardim onde o pó do pai dorme virou refém e testemunha de traições, perdões e não perdões, cobranças pelas fuga e andanças, incesto involuntário, e a sopa que se bebe vagarosamente. Com isso, o dramaturgo Walter Daguerre imbuiu-se de sua vasta sabedoria cultural amparado por referências várias, sua indiscutível e arrebatadora habilidade em transformar uma situação viável num panorama logicamente contextualizado numa narrativa teatral, a que se deu o nome de ” A Mecânica das Borboletas”. E para pôr no tablado todo esse ideário acerca do ininteligível comportamento humano, o aclamado diretor Paulo de Moraes recebeu honrosa “convocação”. Com o seu mais do que costumeiro senso de percepção espacial e visão de planejamento coerente do conjunto cênico, Paulo estudou cada detalhe de ocupação do palco, embate temporário ou definitivo, “puxando e repuxando” com a proeza de exímio encenador a recôndita emoção da matéria física dos intérpretes. Eriberto Leão constrói Rômulo com milimétrica e exata doses de amargura, culpa, desejo suplicante de redenção, dualidade no proceder, indignação ideológica, defesa irrefreável de suas verdades e compaixão seguidas por postura incisiva nos instantes rogadores de sensações e posicionamentos do escritor não mais inspirado que a tudo o que observa anota em bloco de notas, que se refestela em chão, lânguido, e cantarola música dos The Doors. Betina Viany, com agudeza cognitiva necessária obtém amplo sucesso na constituição de sua Rosália, em que mostra ao público o quanto pode ser dolorido quando o nosso entendimento do mundo é corroído pela demência. A patologia psíquica a faz viver em condição existencial paralela, que mesmo desta forma não a exime da cruenta realidade envolvente. Renata Guida, convicta e provida das qualidades sedutoras de boa atriz, busca um atalho próprio para Liza, fazendo desta uma mulher por vezes estoica, sofrida, carente, infeliz no campo afetivo, sem no entanto deixar de demonstrar lampejos de esperança, solidariedade e candura. Otto Jr., como Remo, é um ator que absorve de modo pleno todas as características atinentes ao mecânico que se prendeu ao comodismo e rotina de sua vivência, à “prisão” de união instável com sua esposa, à preocupação em preservar o mínimo de estrutura do núcleo familiar, mas que no fundo mantém um avassalador desejo libertário de si mesmo. Um elenco de alta qualidade que defende com bravura o conjunto das intenções dramáticas, porém com certo viés otimista, da dramaturgia de Daguerre. O cenário de Carla Berri e Paulo de Moraes é de uma beleza seca, real, enternecedora, que se alterna de maneira criativa nos planos superior e inferior, respectivamente o “ideal”, o “sonho” e a concretude sem solicitude do convívio social. Um carro sendo aos poucos montado, carcomido pelas “rugas de ferro”, semelhante à jipe “guevariano” com seus faróis ofuscantes que possuem a força de um discurso político sem sofismas. Um jardim dianteiro que nos lembra ter “brotado” de um livro romântico de contos de cabeceira, no qual descansa o “gigante adormecido patriarcal” Otto. As duas borboletas que o sobrevoavam querem dizer: – Não se esqueçam da sincronicidade… 16 de junho! A data em que o ciclo começou e se fechou para que outro fosse reiniciado. A rústica mesa de madeira “cansada de guerra” e suas companheiras cadeiras (ou banquetas), onde se degusta a sopa quente que “aquece a mente”. A pia da cozinha na qual nasce o que se come e o que se bebe. A caixa de ferramentas cuja única “ferramenta” inexistente é aquela de que mais precisamos, ou seja, a que consertaria os nossos erros. Por uma curta escada, chega-se ao segundo andar, e deparamo-nos com a “star” Harley. Imponente, esbelta, brilhante, com seu manto sagrado vermelho metálico. Por detrás do palco, uma enorme janela semicircular subdividida em esquadrias revestidas por material translúcido que causa significativo impacto cenográfico. A iluminação de Maneco Quinderé não se inibe nem um pouco em reafirmar sua precípua função num espetáculo teatral. Ela “afaga” o verde. “Abre os braços” para “fade in” e “fade out”. “Perde-se em paixão” por um plano aberto, cuja “abertura” não nos machuca os olhos, muito pelo contrário, acarinha-os, transitando entre o onírico e o realismo. Luzes transversas como flechas. Sombras retóricas que servem para exclamar que “onde há luz há sombras”. Os já citados faróis do carro que se recusam a serem coadjuvantes. Tudo valorizado por um “fog” nada esnobe. Um “fog” não londrino como se fosse hino da anunciação do mistério teimoso que monitora os nossos passos. Os figurinos de Rita Murtinho escolhem apropriado e racional caminho que naturalmente se coaduna com toda a essência do enredo proposto pelo autor. A rebeldia enraizada de Rômulo na sua permanente tentativa de reconciliação com o seu passado é desenhada por casaco de couro, calça, tênis e gravata com respeito ao desleixo de um… rebelde; a dona de casa Rosália, simplória com a altivez das “rainhas do lar”, cuja inteligência sofreu abalos irreversíveis diante da implacabilidade do destino ou algo similar, traja prosaica saia, calça por baixo, blusa e um xale para ocasiões especiais (uma simplicidade pertinente e por isso mesmo adequadíssima ao papel de Betina); já a Liza de Renata Guida nos remete ao atual, moderno, contemporâneo e casual, sem ser extravagante, utilizando-se de saia longa, blusa com gola larga que se aproxima dos ombros, e botas de cano alto; e Remo, como mecânico, não poderia deixar de usar o indefectível macacão sobre t-shirt, contudo em sua fase libertadora nada como um signo que é uma jaqueta para indicar o seu estado recente. Rita é cumpridora de reinante premissa outrora dita para nos deixar ambientados com a sinopse que a nós se apresenta. A trilha sonora original de Ricco Viana é em sua maioria incidental, não menos ligada à racionalidade ou à emoção, sublinhando cenas em que se clamam o tenso, a placidez, o suspense, o cotidiano, um romantismo utópico no dramático painel de nossas missões terrenas, cujas utopias nos cospem nos rostos sem pedir licenças. Culmina com a célebre canção “Al Otro Lado del Río” (de Jorge Drexler). Por que será que nunca há um barqueiro que não seja devoto da usura e nos leve sem perguntas para conhecer “o outro lado do rio”? Como nos é normal pensarmos que este “outro lado do rio” seja bem melhor. Todavia, Remo “encontrou o seu barqueiro”. Provável que aquelas duas borboletas o ajudaram (e mais uma terceira, a peça que faltava para a Harley), para enfim dar o seu grito de liberdade, o seu “freedom”, ouvir os conselhos de Kerouac, e seguir “on the road”!.