Blog do Paulo Ruch

Os conceitos sobre as atuações anteriores do Coringa, cada uma delas com seus inegáveis valores, devem ser reavaliados após a performance perturbadora de Joaquin Phoenix 

Desde a década de 60 há gostos para todos os Coringas, um dos vilões mais fascinantes da galeria dos que confrontaram o Homem-Morcego. Há os que preferem a icônica caricatura de Cesar Romero no seriado sessentista (série “Batman, 1966 – 1968). Existem aqueles que se embevecem com o magistral histrionismo de Jack Nicholson na versão de Tim Burton (“Batman”, 1989). Outros ficaram arrebatados com a performance devastadora de Heath Ledger no longa de Christopher Nolan (“Batman – O Cavaleiro das Trevas”, 2008). E, por último, possivelmente a atuação metamorfoseada de Jared Leto em “Esquadrão Suicida” (2016) tem os seus defensores. No entanto, a partir do lançamento recente de “Coringa” (“Joker”, EUA, Canadá, 2019), do americano Todd Phillips, os conceitos estabelecidos até então sobre a composição do temível clown devem ser reavaliados com a inacreditável e perturbadora visão de Joaquin Phoenix para o personagem, tornando-se um fortíssimo candidato para amealhar o Oscar 2020 na categoria. 

O filme mostra Coringa como um comediante com transtornos mentais em busca do sucesso que à medida que sofre os reveses que o impedem de conquistar o seu sonho entra em uma espiral de autodestruição irreversível 

“Coringa” se passa em uma caótica Gotham City refém da greve dos lixeiros. Na cidade infestada por ratos vive Arthur Fleck (Phoenix), um angustiado comediante que se sustenta graças a bicos, portador de um transtorno mental que o faz soltar involuntariamente sinistras gargalhadas, independente das situações. Seu sonho é ser um artista cômico famoso, e o passaporte para esta condição seria uma participação no programa de humor de Murray Franklin (Robert de Niro, soberbo), uma clara alusão ao ótimo “O Rei da Comédia” (1982), de Martin Scorsese, com o próprio De Niro. Arthur, que cuida de sua frágil mãe (Frances Conroy, digna), numa jornada insana de sobrevivência pessoal, distancia-se mais ainda da razão ao se defrontar com doloridas verdades familiares. 

Não há qualquer sentido nas críticas sofridas pelo longa de Todd Phillips de que o mesmo justificaria as vilanias perpetradas pelo personagem “clownesco” 

Com magnífica direção de Phillips (“Se Beber, Não Case!”, 2009), coescrito com engenho por ele e Scott Silver, “Coringa”, vencedor do Leão de Ouro em Veneza (e Melhor Trilha Sonora, notável), desmente as críticas de que justificaria as vilanias de seu personagem, confirmando em definitivo o supremo valor desta obra fílmica que não nos provoca nenhuma gargalhada, espontânea ou involuntária, e sim um sério e inevitável assombro.

Assista ao trailer do filme:

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Os filmes que possuem o espaço como um de seus “personagens principais” invariavelmente levam o público ao encantamento, e com o mais novo longa com esta temática, “Ad Astra: Rumo às Estrelas”, não foi diferente 

Filmes que se passam no espaço sempre nos proporcionam um encantamento, tanto pela sua beleza literalmente infinita quanto pelo seu mistério insondável. Desde a obra-prima de Stanley Kubrick, “2001: Uma Odisseia no Espaço” (1968) até o oscarizado “Gravidade”, de Alfonso Cuarón (2013), não tem sido diferente. Este tipo de obra cinematográfica pautado em tantos gêneros, como ficção científica, drama, suspense etc, costuma atrair levas de cinéfilos às salas de projeção. O mais recente deles é o espetacular “Ad Astra: Rumo às Estrelas” (“Ad Astra”, EUA, 2019), do diretor americano James Gray, desde já candidato a um punhado de indicações às categorias técnicas do Oscar 2020, podendo até mesmo haver surpresas nas consideradas principais (filme, diretor, ator e roteiro original). 

Brad Pitt, em uma de suas melhores atuações, magnetiza as plateias como um astronauta que tem como missão ir a Netuno evitar com que descargas elétricas provenientes do planeta, devido a um projeto espacial específico envolvendo o seu pai desaparecido, prejudiquem a Terra 

Com a presença magnética de Brad Pitt como o Major Roy McBride em uma performance interiorizada de alto nível, o longa, escrito por Gray e Ethan Gross, coproduzido pelo indômito compatriota Rodrigo Teixeira (RT Features) junto a Brad e James (e outros), possui uma pegada existencialista perfeita ao descrever, num futuro próximo, a pessoal e solitária jornada do astronauta McBride rumo a Netuno (com escalas na Lua e Marte), ao qual seu pai, o respeitado Dr. Clifford McBride (Tommy Lee Jones, notável), fora enviado há cerca de três décadas, e de onde não mais voltou. A missão de Roy é suprimir as sobrecargas elétricas que ameaçam a vida na Terra, possivelmente provocadas por um desvio do projeto de exploração liderado pelo seu pai, com quem tinha contas afetivas a acertar. 

Com fotografia estonteante e as presenças luxuosas de Donald Sutherland e Liv Tyler (além de Tommy Lee Jones), “Ad Astra: Rumo às Estrelas” é indiscutivelmente um dos melhores lançamentos do ano 

Com fotografia deslumbrante de tirar o fôlego de Hoyte Van Hoytema, direção com incríveis perícia e habilidade de James Gray e participações de luxo do insigne Donald Sutherland e da eterna musa Liv Tyler, “Ad Astra…” se destaca pela inteligência de seus argumento e roteiro, seu timing equilibrado sem atropelos, e sua realização artística irrepreensível, tornando-se um dos melhores lançamentos do ano indiscutivelmente. 

Assista ao trailer do filme:

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Clint Eastwood, ator presente nos westerns spaguetti italianos e conhecido pelo policial Harry Callahan, da franquia “Dirty Harry”, passou a ganhar importância como cineasta a partir de “Bird”, sensível relato sobre o músico Charlie Parker

No longínquo ano de 1988, o até então respeitado ator oriundo dos westerns spaguetti dos anos 60 Clint Eastwood sagrou-se como diretor ao lançar a sensível cinebiografia do músico Charlie Parker, “Bird”. Daí em diante, o mítico intérprete que imortalizou o policial Harry Callahan (“Dirty Harry”) nos cinemas vem dirigindo obras importantes, premiadas e elogiadas (“Os Imperdoáveis”, “Menina de Ouro”) no mercado americano, tornando-se um dos melhores profissionais da direção no país. 

Centrado num simplório produtor de lírios que sempre negligenciou a família e que com a falência iminente resolve se envolver com o crime organizado, “A Mula” conta com um elenco estelar, que inclui Andy Garcia e Bradley Cooper

O mais recente e elogiadíssimo longa de Clint, no qual vive o protagonista Earl Stone, é o ótimo “A Mula” (“The Mule”, EUA, 2018). Earl é um nonagenário produtor de lírios de Illinois, Estados Unidos, que sempre negligenciou a família em benefício de seu trabalho, custando-lhe profundas mágoas de sua ex-mulher Mary (a extraordinária Dianne Wiest, uma das atrizes-símbolos de Woody Allen) e da filha Iris (a bonita filha do diretor Alison Eastwood). O falido produtor, sem saída aparente, decide se render ao crime organizado, servindo como “mula” (transportador de drogas) de um poderoso cartel mexicano liderado por Laton (o formidável Andy Garcia). Em seu encalço está o agente Bates (Bradley Cooper, em atuação não raro elegante e convincente), obedecendo às ordens de seu chefe (o prestigiado Laurence Fishburne), sendo auxiliado por Trevino (Michael Peña). 

Com críticas ao racismo entranhado na cultura americana, o filme de Clint Eastwood, baseado em um artigo de um tradicional jornal do país, confirma a proeminência do cineasta no seleto grupo dos grandes realizadores cinematográficos 

Com pequenas notas sobre o racismo ianque contra negros e mexicanos, o filme, que se baseou em um artigo do “The New York Times”, corrobora o olhar matemático de Clint Eastwood ao conduzir sua câmera, realizando um memorável road movie com matizes dramáticos e de suspense, transformando o irônico anti-herói Earl num sujeito irresistível a partir da segunda metade da produção.
Impossível não se comover com esta lenda do cinema mundial chamada Clint Eastwood, um pilar vivo e inquebrantável da Sétima Arte. 

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Foto: Victor Jucá/Divulgação

Consagrado no Festival de Cannes deste ano “Bacurau” se vale de diversos gêneros cinematográficos, como o western e a ficção científica, para nos contar uma história perturbadora, sem deixar de lado seu tom denunciativo nos campos social e político

O ano de 2019, a despeito de sucessivas tentativas de desmonte cultural, tem sido gratificante para o Brasil, considerando-se o reconhecimento internacional de dois longas-metragens, “Bacurau” (Brasil, França), de Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, e “A Vida Invisível”, de Karim Aïnouz, ao saírem vencedores, respectivamente, com o Prêmio do Júri, e com a láurea máxima da mostra Um Certo Olhar do Festival de Cannes. “Bacurau” (também consagrado em Munique – Melhor Filme do Festival de Munique, e Lima – Melhor Filme, Prêmio da Crítica e Melhor Direção do Festival de Lima 2019), que resgata a parceria de Kleber com Sonia Braga (“Aquarius”, 2016), traz ao público uma narrativa tão peculiar quanto perturbadora, açambarcando gêneros diversos, como o western, a ficção científica e o suspense, não se intimidando em ostentar uma violência crua e sanguinária, tampouco em denunciar política e socialmente mazelas enraizadas em nosso país.

O filme, escrito por Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, é centrado em uma região fictícia do oeste de Pernambuco, Bacurau, que vê a sua normalidade cotidiana, em meio à miséria e à tecnologia, interrompida com a chegada misteriosa de um grupo heterogêneo de pessoas que traz consigo uma série de acontecimentos inexplicáveis

A trama se passa num futuro próximo em uma região fictícia do oeste de Pernambuco, Bacurau, um local distópico onde a miséria e a desolação se misturam à tecnologia, havendo um espírito de coletividade entre os seus habitantes. A comunidade entra em estado de alerta a partir do momento em que Bacurau não está mais no mapa, e fatos estranhos decorrem em sequência. “Invasores” estrangeiros, liderados por um lunático racista, Michael (Udo Kier, inexorável), ameaçam, sem razão aparente, a existência do povoado, motivando a reação geral.

Trazendo de volta aos cinemas uma de suas maiores estrelas, Sonia Braga, “Bacurau”, antes de tudo, reafirma a importância do cinema brasileiro, servindo de instrumento de resistência às tentativas históricas de silenciá-lo

Sonia Braga, como a médica Domingas, arrebata-nos com o amálgama de brutalidade e ternura de sua personagem. Outros nomes se destacam no elenco brilhante que prima pela diversidade, como Bárbara Colen, Silvero Pereira, Karine Teles, Antonio Saboia e Thomás Aquino. “Bacurau”, com sua estética própria e corajosa, reafirma o alto valor de seus diretores, que ressignificaram o importante cinema brasileiro, respeitando toda a sua história de glórias, lutas e resistência.

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