Blog do Paulo Ruch

Foto: Priscila Prade

Falar de sucesso não é uma tarefa fácil. Muito menos de fracasso. No entanto, estes dois fatos, amplamente significativos em sua condição, inerentes à própria vivência humana, jamais podem ser preteridos de uma reflexão mais aprofundada. Questioná-los, debatê-los, e se possível, chegar a uma conclusão já seria um… sucesso. Seria uma tentativa. Aliás, como se diz na peça escrita e dirigida por Diego Fortes (Prêmio Shell de Melhor Autor), só se atinge o sucesso se tentarmos. Da mesma maneira que somente atingimos o fracasso se tentarmos o mesmo sucesso. E para discorrer sobre estes opostos que norteiam muitas vezes o fato de uma pessoa ser feliz ou não, o dramaturgo e diretor buscou indivíduos que lhe são bem próximos: os atores. “O Grande Sucesso”, um espetáculo lindamente musicado, visualmente arrebatador, compreende a sua história, atemporal e sem localização definida, com personagens sem nome (com a exceção de um único), na coxia de um teatro, ocupada por uma trupe de atores coadjuvantes, secundários, ou quiçá figurantes, de uma montagem, um musical experimental baseado em “Édipo Rei”, de Sófocles (poderia ser “Hamlet”, tanto faz…), encenada há dez anos, onde somente um artista tem destaque, na qual, segundo os mesmos participantes, as maiores loucuras e licenças dramatúrgicas foram inseridas em seu contexto, não se importando com o entendimento da plateia. Com a duração de intermináveis quatro horas, a montagem fictícia provoca nestes artistas tão diferentes entre si, mas unidos na mesma angústia, melancolia e “sofrimento de espera” para entrar em cena, uma sensação potencialmente “beckttiana”. Alexandre Nero interpreta um desse atores, e logo em sua primeira cena com Marco Bravo, ao realizarem aquecimentos físicos e relembrarem passos coreográficos antes do início da encenação, são colocados diante do assunto morte, devido a uma determinada circunstância pessoal de um deles, e o colóquio entre ambos introduz o tom de humor que irá perpassar boa parte da peça. O personagem de Alexandre coloca em xeque a existência de um Deus, em decorrência de acontecimentos não compreensíveis que testemunhamos em nossas vidas. Todavia, revela contradição ao narrar um sonho com um Deus mulher, que lhe diz que “não há sentido da vida”. Ela apenas começa, acontecem algumas coisas e acaba. A dramaturgia ousadíssima de Diego Fortes, sem quaisquer receios de julgamentos por transgredir “convenções teatrais”, utiliza-se de algumas inspirações para costurar a sua narrativa, como a commedia dell’arte (por vezes, parece-nos que estamos assistindo a personagens saídos do clássico filme de Ettore Scola, “A Viagem do Capitão Tornado”, lançado em 1990), o nonsense e a metalinguagem. Assumidamente crítico (em algumas passagens, autorreferente), a obra se encarrega de pôr em discussão a infalibilidade do ator. O ator que sempre busca o sucesso. O ator que não pode errar. O ator, escravo de marcações e textos decorados. Esses profissionais são representativos de nós mesmos, sociedade, reféns de nossa obsessão pelo acerto absoluto naquilo que fazemos. Os fracassos sempre se colocam perante nós como algo imprevisto, porque afinal somos infalíveis. Os artistas de “O Grande Sucesso” são os invisíveis do palco, ou sombras do ator principal, habitantes em sua espera infinita do “lugar de fora”, do limbo, que preferem feijão com arroz a lagostas ou ostras. Percebe-se em certo instante um caráter pessimista e niilista, ou visto sob outro olhar, realista no papel de Alexandre, ao nos afirmar que os homens, assim como em eras pré-históricas, continuam a ser atacados por animais selvagens, só que os animais, dessa vez, somos nós, os homens (sem querer ofender). Temos vários tipos humanos, exponencialmente bem definidos e defendidos com brilho pelos atores/cantores/músicos Carol Panesi, Edith de Camargo, Eliezer Vander Brock, Fabio Cardoso, Fernanda Fuchs, o já citado Marco Bravo, e Rafael Camargo (há ainda a participação de Fernando Trauer e Thomas Marcondes). Diego Fortes, como diretor, soube explorar com sobeja sensibilidade as potencialidades artísticas de cada um, sejam elas interpretativas ou musicais. Em sua condução do espetáculo, vemos a chancela do lirismo estético, visual e musical. Suas intenções de que a música cumprisse um papel colaborativo das situações, pensamentos individuais ou que representassem a consciência coletiva foram executadas com galhardia. A despeito da oratória reflexiva e filosófica de sua dramaturgia, o humor e o histrionismo não foram dispensados, como dito acima, muito pelo contrário, ganharam protagonismo em bastantes cenas, notadamente aceitas pelo público. A direção objetivou também a interação maximamente direta com os espectadores (com cenas inclusive na plateia), e outra em escala um pouco menor. Privilegia-se a ação contínua do elenco (enquanto um ator fala, ou dialoga com outro, há um ou mais personagens exercendo uma atividade; os intérpretes se movimentam em grupo, ou separadamente, em direções variadas). Fez valer a importância das pausas, dos silêncios. Adotou com deliberação uma linguagem dinâmica e ágil para que a mensagem de sua narrativa ganhasse corpo cênico. Quanto às atuações, Alexandre Nero, o qual estamos acostumados a ver em performances marcantes na TV, percorre um caminho cheio de bifurcações ricas em possibilidades interpretativas, enfrentando e se saindo magnificamente bem a cada porta de entendimento de seu complexo personagem que se abre. Alexandre é um ator, pode-se dizer, ousado, destemido, indefinível, pois múltiplas são as variações e transformações por que passa, mínimas que sejam, que o fazem alcançar um nível elevado de desempenho. A peculiaridade deste, razão pela qual se justifica a admiração explícita do grande público, está nos detalhes. Alexandre pode ser blasé, indiferente, ativo, intenso, robusto, frágil, utilizando-se apenas de sua voz (uma pequena oscilação, que seja), um meio sorriso (ou escancarado), e seu potente olhar, que atende a todas as exigências de emoção que lhe são feitas. Tendo uma carreira paralela de cantor, o artista mostra a excelência vocal nas músicas que interpreta, e uma louvável intimidade com mais de um instrumento. Alexandre Nero, como mencionado no título, está acompanhado por sete atores, sete artistas inegavelmente versáteis e talentosos nas muitas atribuições e encargos que lhes são ofertados pela montagem, sejam no campo da atuação, nas áreas do canto ou no encantador e fascinante universo dos instrumentos musicais. Carol Panesi nos provou soberbamente a sua destreza ao tocar o seu violino, tirando sons inefáveis de tão belos. Edith de Camargo encanta os espectadores com a sua doce e charmosa francesa que adora tirar “fotos de família”. O seu bordão “Un, Deux, Trois…” seguido de uma onomatopeia, antes de registrar os momentos da trupe, são irresistíveis. Interpreta com imensa emotividade a canção “Je nóse pas rêver”, composta por ela mesma. Eliezer Vander Brock constrói o seu engraçadíssimo homem-bala com notória inventividade. Fabio Cardoso esbanja a sua irretocável maestria nos teclados, com a adoção de uma postura sóbria, séria e compenetrada. Fernanda Fuchs exibe elogiável expressividade corporal ao dar vida à atriz que crê que a mensagem do ator se baseia em uma interpretação exagerada. Uma de suas cenas que podemos destacar é aquela em que procura se encontrar com o ator principal da peça, surpreendendo-se com o final deste episódio. Marco Bravo aposta com inegável êxito em sua adorável espontaneidade, percebida tanto nas cenas que divide com Alexandre Nero, quanto nas compartilhadas com os outros intérpretes, como Eliezer Vander Brock e Rafael Camargo. Já Rafael Camargo impinge ao seu ator desenhado com meticulosa, suave e propositada afetação a dose certa de comicidade. Rafael possui uma cena de plateia em que expõe toda a sua qualidade vocal. A direção musical de Gilson Fukushima exerce função primordial na peça, não somente pelo seu brilhantismo, virtuosismo e sensibilidade, mas pela sua representação como elemento-chave na composição das ações cênicas. Gilson soube como ninguém orquestrar o conjunto de múltiplas informações sonoras compreendidas no enredo, urdindo com uniformidade a importância das onze composições musicais (algumas escritas pelo elenco, outras pelo próprio Gilson, Diego Fortes, e demais compositores), com o maravilhoso e enternecedor manuseio de diversos instrumentos ao vivo pelos seus intérpretes. A Carmen Jorge coube a tarefa de dirigir os movimentos e criar as coreografias. O trabalho de Carmen com os atores é realçado pela precisão e geometria dos gestos, pela cadência e compasso dos andares dos atores em determinadas cenas, pela leveza e romantismo de algumas danças, pela consciência de coletividade traduzida pelos corpos em constante movimentação. A diretora se debruçou em extrair dos artistas a linguagem corporal que melhor se aproximasse da identidade visual e comportamental de cada personagem integrante do jogo cênico. O design de luz de Nadja Naira é reconhecidamente deslumbrante e inspirado. Há poesia e lirismo na escolha das texturas, formas e intensidades luminosas escolhidas. Nadja teve ampla percepção em harmonizar o quadro da narrativa com os focos adequados sobre os atores, os planos abertos à serviço da vivacidade da ação, os pontos luminosos advindos de luminárias do cenário, e o uso de um forte refletor no canto direito da ribalta. Merecem elogios outrossim a linda luminosidade simbolizadora do pôr do sol, e a fileira de lâmpadas rentes ao chão no fundo do palco em seu fulgurante apagar e acender. A cenografia extasiante de Marco Lima se esmerou em preencher o espaço representante da coxia com o maior número de elementos possíveis que nos reportassem para esse ambiente mágico teatral. Marco oferece ao público um espaço cenográfico riquíssimo, cheio de informações visuais, com bastantes cores, todas elas confluentes para um único ponto, garantindo a coerência de seus intentos e sua consonância com a dramaturgia. As peças decorativas são antigas, de um passado que desconhecemos, encaixadas uniformemente num grande “tabuleiro” onírico. Há um baú de madeira envelhecida, cordas, baldes de latão espalhados, regador, um manequim, tamborete e cadeiras, penteadeira sobre a qual se encontram objetos diversificados, araras com roupas penduradas (uma das coxias reais do teatro fica à mostra), quadros, retratos, abajur e luminárias. No fundo da ribalta há uma enorme parede de tijolos com encanamentos hidráulicos à vista, além de uma pia. Os figurinos de Karen Brusttolin, vencedora do Prêmio Shell, atinge um patamar de elevada qualidade, causando-nos inevitável alumbramento. Sua obra é criativa, elegante, colorida, engraçada, inspirada, eloquente e lúdica. A figurinista mesclou estilos distintos, apropriando-se de tecidos, acessórios e complementos variados. Vasculhando e se apoderando de uma vasta paleta de colorações, Karen conseguiu somar à alma dos personagens o que lhes faltava para torná-los mais reconhecíveis em sua genuína identidade. Nossos olhos acompanham atentamente e com desmedido deleite ao primoroso desfile de vestidos, ternos, jaquetas, blusas, chapéus, adereços, malhas, plumas, botas, sapatos e fantasias de encantadores e engraçados bichos de pelúcia. O visagismo, sem dúvida, levando-se em conta todo o contexto da peça, assumiu um posto de irrevogável relevância. Sabendo disso, a dupla Wilson Eliodorio e Junior Mesquita se empenhou na realização de um trabalho precioso, delicado, poético, a fim de que os integrantes da história narrada nos passassem uma mensagem que fosse além da caracterização simplificada. O que se vê em cada ator é uma suprema valorização de sua persona, seja nos olhos sombreados dos intérpretes, nas suas sobrancelhas desenhadas, no cabelo azulado de Alexandre Nero, nos coques arrumados com zelo, ou nas pinturas dos lábios dos artistas. “O Grande Sucesso” é um espetáculo musical inebriante, interpretado e dirigido com visível paixão, que se propõe, e o faz com indiscutível propriedade, a discutir questões que nos acompanham desde que nascemos. Sucesso, fracasso, vida, morte… Os porta-vozes desse grande debate são eles, os artistas. Grandes desde que nascem. Grandes por não deixarem que a sua Arte feneça. O sucesso desses grandes homens pode até morrer um dia, mas a grandeza de seus feitos e missões, essa jamais perecerá. Esse é de fato o grande sucesso.

Foto: Dodô Giovanetti

O teatro, para a sua própria sobrevivência artística, necessita de renovação. Não só renovação, mas ousadia. E o que não faltam ao novo espetáculo do dramaturgo e diretor Sacha Bali, o musical “Uísque com Água”, livremente inspirado na última obra do americano Charles Bukowski, “Pulp” (1994) são essas características: o caráter renovador e ousado. Sacha, também um conhecido e ótimo ator, além de produtor, em 2007, apresentou ao público a sua pioneira experiência nos palcos com o autor considerado maldito, “Pão com Mortadela” (baseado em “Misto Quente”, 1982), com direção de João Fonseca, um sucesso retumbante, com elogios de lado a lado, que fez com que a peça percorresse várias cidades do país. Quase dez anos se passaram, e o escritor inspirador para o jovem dramaturgo volta para a ribalta com a força absoluta da ironia, do cinismo e das reflexões existencialistas que definiram a venerada obra “bukowskiana”. Sacha se utilizou de inúmeras referências para construir a sua atual montagem. Não abriu mão do estilo único das “pulp fictions” (revistas lançadas no início do século passado, divididas em capítulos, que privilegiavam histórias rápidas, inseridas em vários gêneros, como a aventura, o romance policial e a ficção científica, dentre outros). Os célebres filmes noir americanos com suas narrativas detetivescas e personagens arquetípicos também serviram como nítida influência. Percebe-se na composição de alguns tipos da trama a forma interpretativa adotada pelo Expressionismo Alemão na área cinematográfica. As animações neste segmento audiovisual também ofereceram alguns elementos, e me arrisco a dizer, até mesmo a fantasia e o realismo mágico dos desenhos animados foram influenciadores. As HQs, com seus diálogos diretos, sua dinâmica, seu tempo e estética são visíveis na encenação. A peça musical narra a inusitada história de um detetive particular, Nick Belane (Nelson Freitas), dono de um decadente escritório em Los Angeles, não se sabendo ao certo em que período se passa, que vê o seu modorrento cotidiano ser sacudido pelas inesperadas visitas de misteriosos clientes e suas excêntricas propostas de investigação. Nick tem uma personalidade depressiva, e afoga as suas mágoas, que são muitas, no álcool, principalmente no uísque com água, consumido não somente em seu local de trabalho, mas no curioso bar “O Cão Sedento”. Mesmo vivendo em condições precárias, o detetive que acharia melhor ter sido bombeiro, como o seu colega de escola, não perde o seu fino humor, que se imiscui à sua melancolia inata. Viciado em corridas de cavalo, solitário, Delane, que cobra U$6,00 por hora de trabalho, é procurado por John Barton, um jovem estranho, com língua presa e locomoção comprometida, interpretado por Samuel Toledo. O tal rapaz estranho lhe faz uma peculiar proposta: encontrar um pardal vermelho. Aceito o serviço, Nick sai em busca desse animal improvável. Atolado em dívidas, cobradas de modo inclemente pelo bookmaker Tony (Thogun Teixeira), o detetive, no decorrer desta amalucada empreitada, depara-se com diversas figuras nebulosas e suspeitas, como uma temível senhora que se apresenta como Dona Morte (Rosanna Viegas). Dona Morte deseja que Nick ache a qualquer custo “o maior escritor da França”, Céline (Samuel Toledo). Não sabemos o porquê de seu desejo. Em suas andanças, sempre pontuadas pelos seus pensamentos de reflexão sobre a vida, e consequentemente sobre a morte, em seu bar preferido, “O Cão Sedento”, é atendido por uma tresloucada bartender (Rosanna Viegas). Rosanna também interpreta uma sensual dançarina. O barman de “O Cão Sedento” é personificado por Thogun Teixeira, e é neste estabelecimento em que encontra o suposto escritor francês, um sujeito com sotaque característico e olhos arregalados. Surge no enredo a bela e voluptuosa Jeanie (Carolina Chalita), uma espécie de Jessica Rabbit. Jeanie é casada com Groves (Thogun Teixeira), dono de uma funerária, e o manipula com os requintes de uma dominatrix. Por onde passa, Jeanie deixa os homens enlouquecidos, e algumas de suas vítimas são o próprio Delane e o suposto escritor francês. Em meio a esta sinopse tão mirabolante quanto sedutora na qual há suspense, comédia, drama, violência estilizada e referências tão explícitas quanto divertidas ao universo da sci-fi, como a potencial aparição de alienígenas, e à estética do gangsterismo, há um recurso cênico que oferta um charme extra e especial ao espetáculo: a presença de uma banda ao vivo, comandada pelos músicos Samuel Toledo, Pedro Coelho e André Coelho. A direção de Sacha Bali caracteriza-se exemplarmente pelo capricho e cuidado com os quais se esmerou para transformar todo o conjunto cênico em algo belo, dinâmico, coeso e integrado. As músicas, sejam elas instrumentais, quanto as cantadas pelos atores músicos se unem na constituição de uma admirável harmonia teatral. Sacha também procurou, com inegável acerto, fidelizar-se a todas as referências as quais já citei, que lhe serviram como base para a construção de sua elogiável dramaturgia. Com sua vasta experiência como ator, e formação em muitas áreas ligadas à Arte, Sacha Bali se preocupou, e isto salta aos olhos em sua peça musical, com o que chamamos de “direção de ator”. Percebemos claramente que cada intérprete teve para si o seu momento de busca da composição exata e precisa de seu ou seus personagens com a ajuda precípua, fundamental e generosa de seu encenador. O espetáculo de Sacha é elegante, e nos faz querer vê-lo novamente, o que em se tratando de teatro ou qualquer outro meio de expressão cultural é um enorme mérito. O elenco é extremamente bem escalado, com um time de atores bastante distintos entre si, no que tange às suas formações, experiências e tipos de interpretação, mas todos, sem exceção, detentores de indiscutível talento. Para quem estava acostumado com o ator Nelson Freitas sempre associado à comédia, o que faz muito bem por sinal, irá se surpreender com a sua impressionante atuação como o detetive particular decadente e alcoólatra Nick Belane. Nelson possui um magnetismo pessoal, além de sua absoluta absorção da alma de seu personagem, levando-nos a acompanhá-lo e a torcer por sua vitória ou algo próximo disso, em meio a tantas intempéries episódicas por que passa. O intérprete nos transmite a totalidade de sentimentos natos ao seu papel, definidores de sua personalidade. Sua melancolia, seu pessimismo perante a vida, seu humor cáustico redentor, seu apreço pelas mulheres e pela bebida estão todos condensados na atuação inteira, plena, emocionada de Nelson Freitas, que margeia em proporções similares e equilibradas os gêneros drama e comédia. Rosanna Viegas, que já trabalhou com Sacha Bali outras vezes, como nas peças “Pão Com Mortadela” e “Cachorro Quente”, mais uma vez mostra em cena toda a sua capacidade interpretativa e versatilidade ao dar vida, respeitando as pertinentes distinções, a três tipos que perpassam a narrativa. Rosanna detém uma força natural própria só em estar no palco. Basta emitir uma frase ou fazer um leve movimento de dança, que percebemos desde já estarmos diante de uma atriz de incontestável qualidade. Sua bartender é tresloucada, patética, embriagada e risível. Dona Morte traz em seu entorno a ambiência de mistério necessária para a justificação de sua função na história. E a dançarina que personifica nos transmite a sensualidade plena, acompanhada por um certo ar de desdém, que a valoriza como elemento de um universo proposto. Samuel Toledo é um adorável jovem ator, com muitos recursos interpretativos, a quem já havia assistido em um outro espetáculo, “Elefante”. Samuel teve a incumbência de construir com diferenciações bem desenhadas alguns personagens do entrecho. O primeiro, John Barton, é um sujeito extremamente suspeito e esquisito, que procura Nick Belane a fim de que resolva um caso um tanto quanto bizarro. Samuel quis fazer algo que tornasse este indivíduo mais enigmático do que naturalmente é. E logrou seus intentos com nítido êxito. Seu andar é claudicante e sua fala é presa. Como Céline, “o maior escritor da França”, compõe uma figura soturna e cheia de mistérios, realçando os seus olhares e discursando num tom temeroso e ameaçador. Em outras passagens, o intérprete incorpora um tipo endoidecido com personalidade ansiosa e aflita, usando a voz com entoação distorcida (Samuel se desdobra com máxima eficiência em suas variações comportamentais). Carolina Chalita defende com potente sedução e volúpia o papel de Jeanie. Sua entrada em cena é inegavelmente espetacular. No decorrer da peça, Carolina, diante das reviravoltas de sua personagem, imprime com honorável entendimento as demais nuances à sua interpretação. Revela-nos a firmeza indispensável, o viés temível de seu caráter, sem perder em nenhum momento a sua aura tentadora de “femme fatale”. A atriz se utiliza da técnica apurada de sua voz e respectivas variantes para conferir elevada credibilidade ao que lhe foi proposto pelo texto na construção de Jeanie. Thogun Teixeira passeia com notável desenvoltura por todas as veredas interpretativas exigidas pelos diferenciados papéis que lhe couberam. Como o bookmaker Tony, é truculento e implacável. Como Groves, o proprietário da funerária, ostenta, em contraposição à sua forte compleição física, a fragilidade, vulnerabilidade e submissão próprias do companheiro de Jeanie, ofertando-nos apropriado e certeiro tom de comédia. E como o barman de “O Cão Sedento”, mantém a fiel postura deste profissional que se torna testemunha ocular de importantes fatos do enredo. Valendo-se de sua impressionante voz grave, Thogun cumpre com valiosa dignidade as funções que lhe foram impostas na ação. Uns dos pontos de “Uísque com Água” que merecem a nossa reverência e respeito é a riquíssima trilha sonora de Pedro Gracindo. Contando com músicos excelentes, que se posicionam à esquerda da ribalta, e atores incrivelmente bem preparados em suas vozes para o canto, Pedro criou uma fascinante trilha sonora, que se impõe, por sua importância, como elemento indissociável para o encantamento exercido no público. São acordes sofisticados que remetem ao melhor do rock e do blues, assumindo a nobre missão de emoldurar e valorizar diversos quadros cênicos. Faz-se necessário prestar atenção nas letras da canção, inteligentes e coerentes com a situação e o estado dos personagens. Há momentos solo e em coro (emocionante), além de uma canção interpretada em inglês por Nelson Freitas. O cenário de Diogo Monteiro e Dodô Giovanetti se encarrega de nos transportar com legitimidade para o intrigante universo retratado. Sentimo-nos parte integrante daquele ambiente imbuído de múltiplas referências. Percebe-se um clima underground e decadente na pequena sala onde Nick trabalha, com sua mesa de madeira (com uma luminária, uma garrafa de uísque e um copo sobre ela, dentre outros elementos), uma cadeira verde estofada e outra maior marrom com textura de couro, uma bancada com uma pequena televisão, uma geladeira antiga e uma outra luminária pendurada. Por mais que não se diga a época da narrativa, deduzimos que haja uma inspiração, com total liberdade poética, nos filmes noir norte-americanos (evidente que a presença da televisão é autorizada por esta licença artística). O bar “O Cão Sedento” possui uma atmosfera “bas-fond”, com o seu particular balcão, uma fileira de garrafas sem rótulos no alto, uma mesa com um abajur repleto de lâmpadas (seu efeito é muito bonito), uma placa em vermelho pendurada indicando o seu nome e luminárias metálicas verdes suspensas. A mansão de Jeanie é representada por um sofá estampado, tendo atrás de si uma janela envolta por estampas assemelhadas, além de um abajur. Na porta de entrada, um lustre. O figurino de Marcelo Martins também é merecedor de todas as loas. Marcelo apostou tanto na elegância dos costumes masculinos e femininos quanto na coerência dos trajes, amplamente de acordo com os perfis dos personagens, a suposta época em que transcorre a história, e a sua localidade (Los Angeles, nos Estados Unidos). O profissional não economizou nos ternos, calças com pregas, longos com brilhos, trench coat, chapéus, capote, camisas listrada e xadrez, suspensório, boina, luvas, estola e xale, além de sapatos sociais e escarpins. A iluminação de Roberto Macedo é primorosa. A sua luz exerceu um papel fundamental para o embelezamento da encenação, colaborando com suprema generosidade na ambientação adequada da narrativa. Aliando-se a um tênue fog, o iluminador presenteou o espectador com belos focos e sombreados, luzes quentes brandas (em tons amarelados), meias-luzes, um refletor com forte luz branca na lateral do palco, além do aproveitamento harmonioso das cores vermelha, azul e rosa. Podemos destacar ainda o efeito das garrafas penduradas no bar, refletindo uma tonalidade rósea. “Uísque com Água” traduz-se como um espetáculo musical que se destaca pela sua ousadia dramatúrgica, pelo resgate do legado da obra de um escritor tão incompreendido quanto venerado, como Bukowski, pela sua aposta em um elenco heterogêneo e talentoso, por trazer à baila uma outra faceta do ator Nelson Freitas, pela reafirmação do amor de Sacha Bali por este intelectual e pelo teatro, pela sua consolidação como dramaturgo e diretor, pela excelência de suas composições musicais, e por não temer em apostar neste delicioso gênero de uma forma totalmente diferente. Em certa passagem da peça, o inesquecível e único Nick Delane atribui proximamente ao seu drink preferido, uísque com água, qualidades redentoras, capazes de preencher o vazio de sua vida, saciando a sua sede de existência. Sacha Bali de certa forma faz o mesmo. Sacia a nossa sede voraz em cultivar o bom teatro, redimindo-nos, nem que seja apenas pelo tempo de “Uísque com Água”, de qualquer sensação de vazio metafórica. Sirvam-se. Fiquem à vontade. Há uísque com água para todos. Mas o primeiro copo é de Charles Bukowski.

Fotos: Elisa Mendes

Numa época em que vivemos um retrocesso não só em nosso país como no mundo, com o poder sendo gerido por alas cada vez mais conservadoras e reacionárias, o magnífico projeto “Ocupação Rio Diversidade”, com a idealização e direção geral de Marcia Zanelatto, serve como um instrumento cultural com forte poder de alcance para alimentar e solidificar a luta pela igualdade dos gêneros, pelo respeito a orientação sexual de cada indivíduo, pelo direito de cada ser humano definir a sua própria identidade, e pela manutenção do alerta quanto à nefanda homofobia, velada ou escancarada num Brasil múltiplo e diverso. “Ocupação Rio Diversidade”, que fez uma temporada no Castelinho do Flamengo, no Rio de Janeiro, em que as suas quatro peças se dividiam pelos espaços do centro cultural, voltou ao cartaz e repetiu o sucesso no Teatro Sesi Centro, na mesma cidade, porém dessa vez a montagem pôde reunir os seus monólogos, protagonizados por Larissa Bracher, Kelzy Ecard, Thadeu Matos e Gabriela Carneiro da Cunha, em um só palco. A peça, indicada ao Prêmio Shell na categoria Inovação 2016 e Prêmio APTR 2017 Categoria Especial, inicia-se com a apresentação do ator e drag queen Magenta Dawning (Bruno Henríquez) na frente do público. Magenta, que alterna a sua performance entre um tom de conversa direta com a plateia e momentos de atuação, faz elucubrações sobre a existência do homem, o modo como este se enxerga e é visto na sociedade, utilizando-se de um espelho como referência ao ato de se refletir, metafórica e realisticamente. Magenta, de modo descontraído, discorre acerca de temas diversos, alguns sob a égide da poesia. Sua presença marcante já nos insere no contexto da defesa da diversidade proposta, pois se mostra exuberantemente caracterizada, “produzida” para as suas participações. O ator também nos apresenta os monólogos que serão encenados. O primeiro deles, “Genderless – Um Corpo Fora da Lei”, é de autoria de Marcia Zanelatto (um texto embriagante e sedutor), e direção de Guilherme Leme Garcia, estrelado por Larissa Bracher. Larissa, trajada como homem, narra a impressionante história de Norrie May-Welby, a primeira pessoa no mundo a obter judicialmente o seu anseio de ser identificada como alguém sem sexo definido. Durante a sua infância, Norrie, nascida homem, sentia-se presa ao seu corpo. Sua alma, a princípio, parecia-lhe feminina, em sua totalidade. Rejeitava tudo o que remetesse ao universo dos homens. Nada de pelos grossos, gogó e Falcons. Queria saltos altos, bonecas. Após a cirurgia que lhe deu a condição de mulher, o inesperado. Norrie, da mesma forma, não se sentiu realizada como um ser feminino, até que começou a sua peleja para ser reconhecida pela Justiça da Austrália como alguém sem gênero, logrando a vitória sonhada. Num ambiente praticamente escuro, iluminado apenas pelo tablet seguro por Larissa (ideia bastante criativa), que também dá voz a Norrie, somos levados a experimentar um estado de contemplação absoluto. A atriz, cuja beleza transcende o aspecto masculino da calça preta, da camisa social branca e da gravata também preta, revela-nos uma interpretação admirável e imponente. Há algo em sua postura cênica que nos faz respeitá-la. Larissa consegue, por meio de variações de voz muito bem distintas, desenhar as mudanças de função de narradora e Norrie. Sua voz é excelente, extremamente articulada. Sua atuação se calcou em posições firmes, gestos largos e curtos. Em pé ou sentada em uma cadeira, com os pés descalços, transmite-nos o distanciamento pertinente à contadora de uma história e a emoção cobrada para dar vida a algumas passagens de Norrie. Seu rosto somente alumiado pela luz do tablet tem um efeito onde há mistério e encantamento. Guilherme Leme Garcia foca no intimismo e na precisão do ótimo monólogo. Preferiu de maneira acertada que a intérprete se mantivesse em praticamente um único ponto da ribalta. Esmerou-se na orientação da atuação de Larissa, valorizando tanto a história contada, com a sua personagem real, quanto o assunto abordado. O palco nu, negro, fez com que não nos dispersássemos, e só tivéssemos olhos para o momento especial de Larissa Bracher. O segundo monólogo é protagonizado pela venerável atriz Kelzy Ecard. Prestigiadíssima no teatro, Kelzy tem colecionado seguidamente peças importantes em sua carreira. Não poderíamos esperar dela uma performance que não fosse pulsante, enérgica e intensa, imersa em emoção, como estamos acostumados a vê-la no tablado. A sua peça se chama “Como Deixar de Ser”, de Daniela Pereira de Carvalho e direção de Renato Carrera. Kelzy personifica uma solitária e infeliz mulher, que está se mudando de sua casa. Sua única companhia é o gato de nome bíblico Abel. Ela o usa como o seu interlocutor em muitos casos. Separada, também carrega a dor da frustração do casamento. Sempre manteve uma relação difícil com sua mãe, Margarida. Seus maiores sofrimento e dor foram causados pelo grande e avassalador amor reprimido por uma colega de escola, Raquel. O tempo implacável passou, e ficaram lembranças apenas de seus desejos nunca satisfeitos pelo atraente corpo de sua amiga. O fato de ter se acomodado a uma paixão platônica, aceitado a imposição das instituições sociais como o casamento, e não ter se permitido a amar uma outra pessoa a fizeram ser tão amarga e sofrida. Kelzy defende esta pobre mulher sem o amor compartilhado com o destempero do sofrimento, a angústia desvelada pelo vazio existencial, e pela não aceitação, por meio de seus gritos e prantos, de que os seus dias não lhe presentearão com o corpo desejável de Raquel. Tendo em mãos a inspirada e potente dramaturgia de Daniela Pereira de Carvalho, Renato Carrera se encarregou de explorar sabidamente o potencial interpretativo de Kelzy Ecard, fazendo com que a atriz se movimentasse de lado a lado pelo palco, o que conferiu ao seu monólogo uma agilidade oportuna. Renato em nenhum instante deixou de imprimir a alta dramaticidade pedida pelo texto de Daniela, resultando em um pequeno espetáculo comovente. O terceiro monólogo recebeu o título de “A Noite em Claro”, e fora escrito por Joaquim Vicente. Tendo como protagonista Thadeu Matos, e sido dirigido por Cesar Augusto, a pungente e realista peça retrata a noite vivida por um garoto de programa homofóbico. Como muitos rapazes que decidem se lançar nesta atividade de favores sexuais remunerados, o michê interpretado por Thadeu não admite, por mais que sinta desejos e prazeres, o sexo com um outro homem. Agrava ainda mais o seu ódio incontido o fato de seu cliente ser velho e casado. Para o irado prostituto, que também possui um compromisso com uma mulher, assassinar o seu efêmero parceiro com repetidas facadas é um bem que se faz à sociedade. Segundo ele, ao matar mais um homossexual, chega-se perto da cura de um “câncer” social. Convencido disso, o seu périplo pelas ruas, durante a noite, nas quais deixa um indelével rastro de sangue, perpetua-se. Este texto de Joaquim Vicente é notadamente atual, e por isso mesmo chocante. São inúmeros os casos pelo país afora de homossexuais que são barbaramente mortos por garotos de programa, e que não são noticiados nas páginas de jornais. Vários desses casos são arquivados nas delegacias de polícia. Bastantes vezes, mata-se pela homofobia. Em outras, com o intuito de roubar os pertences da vítima. O que restam àqueles que buscam sexo pago com jovens acima de qualquer suspeita são a cautela e a prudência, sem quaisquer juízos de moral. Thadeu Matos personifica com veracidade rascante o seu personagem, imprimindo-lhe conotações em um grau superlativo de ira e loucura. O rapaz balbucia frenética e de forma cadenciada e alucinada vocábulos que remetem à pratica sexual homossexual. Faz movimentos bruscos e precisos no ar como se espancasse a vítima. A nudez apolínea de Thadeu Matos, e a mais genuína intimidade de seu corpo não nos constrange, muito pelo contrário. Vimos bem próxima a perfeição física a que se pode chegar a matéria do homem, mas também constatamos que essa mesma perfeição pode ser assassina, que o sexo e o desejo nela contidos podem ser traiçoeiros e fatais. Cesar Augusto percebeu o rico material que tinha em mãos, e não se intimidou ao pintar um quadro com tintas incômodas e cruéis de uma realidade que não se pode esconder. Extraiu de Thadeu o máximo de suas emoções, que foram traduzidas em camadas de cólera. A violência é sugerida no som da voz do ator, em seus movimentos corporais e nos objetos de cena, como facas fincadas em uma extensa bancada. A nudez, como observado, foi tratada com a naturalidade e a verdade merecidas. O vídeo ao vivo, projetado em uma tela, usado como depoimento do rapaz, causa o impacto esperado. E como monólogo de encerramento, “Flor Carnívora”, de Jô Bilac, com direção de Ivan Sugahara. À frente da peça, Gabriela Carneiro da Cunha, como a própria espécie vegetal que serve como título. “Flor Carnívora” é um texto pleno em licenças poéticas, alegorias e humor. Talvez o fato de ser a última peça a ser apresentada se relacione com a sua leveza dramatúrgica face às anteriores. Num universo onírico e lúdico que nos lembra a floresta de “Sonho de Uma Noite de Verão”, de Shakespeare, irrompe de dentro de um vaso uma bela “flor carnívora” de corpo nu. A nudez quase diáfana, pura, de Gabriela, imiscui-se à harmonia verde de outras tantas plantas que compõem o seu habitat. A tal flor é uma representante engajada, politizada, convicta em suas opiniões sobre o hermafroditismo das plantas. Protesta em alto e bom som contra a monocultura da soja. Contra os transgênicos. Não se submete às imposições humanas de classificação e normatização da flora, diversa em sua própria natureza, sem trocadilhos. As plantas nasceram livres de gênero. O respeito à diversidade que queremos já pode ser encontrado nas florestas, mesmo com a intervenção do homem. Jô Bilac foi buscar na natureza o exemplo maior para a humanidade. Se ser diverso é natural, se não ter gênero também o é, por que não é possível que assim seja entre nós, humanos? Utilizando-se desta alegoria, Jô, volto a repetir, com bastante humor, oferta a sua mensagem. Gabriela Carneiro da Cunha embarca com integralidade na fantasia de sua personagem. Navega pelo cenário como uma fada, esbanjando as linhas suaves de sua nudez casta com arrebatadora espontaneidade. Gabriela nos lembra um “ser da natureza”, livre, libertador, transgressor. Um ser que falta à sociedade urbana. A atriz usa todos os seus recursos de voz e corpo para dar vida a este ser simbólico indócil. Sem pudores, reservas, transpondo limites visíveis ou invisíveis, lança-se na loucura do possível e na insanidade do impossível, seguindo a sua particular razão. Ivan Sugahara procurou seguir com fidelidade este caminho de ludicidade associada à transgressão, respeitando as reflexões narrativas de Bilac, criando, a partir delas, um monólogo que se segmenta entre o fantasioso, o alegórico e o absolutamente anárquico, surpreendente. Reserva aos espectadores um final redentor, sem regras, despudoramente engraçado. Um caos organizado, sonhado e realizado pela “Flor Carnívora”. O cenário de Daniel de Jesus é espetacular, no sentido literal do termo, em algumas peças como “Como Deixar de Ser” e “Flor Carnívora”. E conciso, cru, objetivo, direto e sugestivo, como em “Genderless – Um Corpo Fora da Lei” e “A Noite em Claro”. Em “Como Deixar de Ser”, Daniel cria um lar sendo deixado pela sofrida mulher cujo fundo é todo coberto com roupas, chapéus e demais acessórios. Este conjunto colorido e diversificado de peças de vestuário de uso cotidiano, e que provavelmente traduzem uma vida quase inteira da personagem, possui um impacto visual inebriante. Somam-se ainda a este painel abajures e malas antigos, além de uma arara cheia de outras roupas, e sapatos perfilados no chão. Em “Flor Carnívora”, o cenógrafo imaginou uma floresta reconhecidamente encantada, com suas várias espécies de plantas penduradas por fios, coloridas, com prevalência do verde e do laranja. Estas mesmas plantas suspensas se alternam em movimentos que as levam para cima e para baixo. Tendo o vaso da flor ao centro, observamos um belo e imaginativo retrato cênico. Em “Genderless – Um Corpo Fora da Lei”, apostou-se coerentemente na economicidade do quadro, em que Larissa Bracher, além de seu tablet, usa somente uma cadeira como instrumento auxiliar de sua atuação. E em “A Noite em Claro”, Daniel se valeu não só de uma impactante e sinistra bancada com inúmeras facas fincadas, como de uma tela, como já dito, na qual é projetada ao vivo o depoimento do garoto de programa. Em sua totalidade, um louvável trabalho de cenografia, com altíssimo nível, em que se misturam deslumbramento e funcionalidade. A iluminação feita em dupla por Daniela Sanchez e Tiago Mantovani também se destaca pelos seus incontáveis méritos. Nas cenas de plateia de Magenta Dawning a luz incide diretamente sobre a sua figura. A exuberância de Magenta e todas as cores e brilhos que integram seus figurinos e acessórios são realçados como deveriam, causando um feérico resultado. Em “Genderless – Um Corpo Fora da Lei” valorizou-se sobremaneira, com acerto absoluto, a presença da atriz Larissa Bracher. Isso se deu, como afirmado, com os feixes de luz irradiados pela tela de seu tablet. Enfim, a iluminação depende dos movimentos das mãos da intérprete. Ora seu rosto é iluminado, ora parte do seu corpo, ou sua plenitude. O efeito é moderno e extremamente inventivo. Já em “Como Deixar de Ser”, temos uma iluminação enternecedora, haja vista que todos os elementos do fundo do cenário, com sua multiplicidade de cores, são enriquecidos em suas imagens com a luz escolhida. Há refletores que os iluminam de cima para baixo, ocasionando o surgimento de sombras. Vê-se um tom amarelado que se encaixa com bastante propriedade no ambiente retratado. Em “A Noite em Claro”, os iluminadores tiveram que ser cuidadosos, pois a nudez explícita de Thadeu Matos pediria um tratamento delicado. E foi o que se viu. Cada luz, meia-luz, sombras foram pensados e bem calculados. O forte erotismo presente neste monólogo ganhou as texturas adequadas e condizentes com a proposta cênica. Uma luz delicada sobre um corpo perfeito dentro de uma história aterradora. E, por último, “Flor Carnívora”. A floresta onde se passa a ação é esplendorosamente iluminada, no sentido de nos fazer acreditar que estamos diante de um universo fabuloso, mítico, mágico e encantador. A nudez de Gabriela foi conduzida com sábia naturalidade, indicando a sua integração harmônica ao universo onírico da peça. Uma iluminação inspirada para encerrar com glória o conjunto de monólogos. Marcello H., um profissional responsável por elogiadas direções musicais, encarregou-se do design de som de “Genderless – Um Corpo Fora da Lei”, e se saiu bem como era esperado. Utilizou-se de um ritmo frenético e empolgante logo em seu início, que em muito nos lembra o lendário “mangue beat”. Difícil não nos empolgarmos com este introito musical. Ivan Sugahara se incumbiu de assinar a trilha sonora de “Flor Carnívora”, a peça que dirigiu. Junto a vários ruídos que nos reportam ao mundo da floresta, Ivan se empenhou em acrescentar a trilha que melhor se acomodasse naquele idílico espaço cheio de magia. O visagismo de Marcio Mello se sobressaiu sob vários aspectos. A maquiagem de Magenta Dawning é deslumbrante, alegre, festiva, valorizando os traços do rosto do ator que a representa, Bruno Henríquez. Larissa Bracher, com a face ao natural, e os cabelos presos, puxados para trás, apresenta uma belíssima androginia. Kelzy Ecard, da mesma forma, mostra-se com o rosto ao natural, e os cabelos soltos, ostentando viva lealdade à personagem que defende. Thadeu Matos manteve os seus cabelos negros com um certo desalinho, com franja caída em sua face. E Gabriela Carneiro da Cunha, de cabelos encaracolados, sem maquiagem pesada, usa cílios postiços avolumados. Os figurinos ficaram a cargo de Rui Cortez, e todos eles, sem exceção, caracterizam-se pela coerência e adequação. Larissa Bracher veste, como fora mencionado, uma camisa social branca com gravata preta, e calça também negra. Kelzy Ecard traja uma saia com tonalidade escura, blusa verde e um casaco marrom. Thadeu Matos veste um moletom, e depois uma calça social e um blazer aberto sobre o torso nu. E Gabriela Carneiro da Cunha, em determinado momento, é trajada com uma segunda pele, e tecidos translúcidos presos ao seu corpo (pequenos galhos também se prendem a ela). Parece-nos uma ninfa. “Ocupação Rio Diversidade”, que tem a direção de produção de Juliana Mattar, cumpre um papel de suma relevância, não só em contextos teatrais e culturais, mas sociais. Este espetáculo que nos faz refletir sobre várias questões contemporâneas, presentes em nossa sociedade, relativas à identidade de gênero e sexualidade não podem ficar ao largo de nossas atenções. Tem que ser postas na mesa. Colocadas em debates e discussões. Serem levadas para todas as esferas políticas de poder. Judiciais, também. Não se pode vendar os olhos para a vontade intrínseca de um indivíduo quanto ao seu estado de existência. Se alguém quer ser homem, que seja. Se alguém que ser mulher, que seja. Se alguém quer ser “trans”, que seja. Se alguém não quer ser uma coisa nem outra, respeitemos. A palavra-chave é respeito. Respeito ao próximo. Respeito ao amor. Respeito ao amor entre iguais. Respeito ao amor entre diferentes. Respeito a diversidade. Respeito ao Rio. Com diversidade. Tendo ao lado uma flor, carnívora ou não, como deixar de ser o que se quer ser, numa noite ou dia em claro, num corpo “dentro ou fora da lei”? A resposta está em… “Ocupação Rio Diversidade”.