Blog do Paulo Ruch

Fotos: Elisa Mendes

Numa época em que vivemos um retrocesso não só em nosso país como no mundo, com o poder sendo gerido por alas cada vez mais conservadoras e reacionárias, o magnífico projeto “Ocupação Rio Diversidade”, com a idealização e direção geral de Marcia Zanelatto, serve como um instrumento cultural com forte poder de alcance para alimentar e solidificar a luta pela igualdade dos gêneros, pelo respeito a orientação sexual de cada indivíduo, pelo direito de cada ser humano definir a sua própria identidade, e pela manutenção do alerta quanto à nefanda homofobia, velada ou escancarada num Brasil múltiplo e diverso. “Ocupação Rio Diversidade”, que fez uma temporada no Castelinho do Flamengo, no Rio de Janeiro, em que as suas quatro peças se dividiam pelos espaços do centro cultural, voltou ao cartaz e repetiu o sucesso no Teatro Sesi Centro, na mesma cidade, porém dessa vez a montagem pôde reunir os seus monólogos, protagonizados por Larissa Bracher, Kelzy Ecard, Thadeu Matos e Gabriela Carneiro da Cunha, em um só palco. A peça, indicada ao Prêmio Shell na categoria Inovação 2016 e Prêmio APTR 2017 Categoria Especial, inicia-se com a apresentação do ator e drag queen Magenta Dawning (Bruno Henríquez) na frente do público. Magenta, que alterna a sua performance entre um tom de conversa direta com a plateia e momentos de atuação, faz elucubrações sobre a existência do homem, o modo como este se enxerga e é visto na sociedade, utilizando-se de um espelho como referência ao ato de se refletir, metafórica e realisticamente. Magenta, de modo descontraído, discorre acerca de temas diversos, alguns sob a égide da poesia. Sua presença marcante já nos insere no contexto da defesa da diversidade proposta, pois se mostra exuberantemente caracterizada, “produzida” para as suas participações. O ator também nos apresenta os monólogos que serão encenados. O primeiro deles, “Genderless – Um Corpo Fora da Lei”, é de autoria de Marcia Zanelatto (um texto embriagante e sedutor), e direção de Guilherme Leme Garcia, estrelado por Larissa Bracher. Larissa, trajada como homem, narra a impressionante história de Norrie May-Welby, a primeira pessoa no mundo a obter judicialmente o seu anseio de ser identificada como alguém sem sexo definido. Durante a sua infância, Norrie, nascida homem, sentia-se presa ao seu corpo. Sua alma, a princípio, parecia-lhe feminina, em sua totalidade. Rejeitava tudo o que remetesse ao universo dos homens. Nada de pelos grossos, gogó e Falcons. Queria saltos altos, bonecas. Após a cirurgia que lhe deu a condição de mulher, o inesperado. Norrie, da mesma forma, não se sentiu realizada como um ser feminino, até que começou a sua peleja para ser reconhecida pela Justiça da Austrália como alguém sem gênero, logrando a vitória sonhada. Num ambiente praticamente escuro, iluminado apenas pelo tablet seguro por Larissa (ideia bastante criativa), que também dá voz a Norrie, somos levados a experimentar um estado de contemplação absoluto. A atriz, cuja beleza transcende o aspecto masculino da calça preta, da camisa social branca e da gravata também preta, revela-nos uma interpretação admirável e imponente. Há algo em sua postura cênica que nos faz respeitá-la. Larissa consegue, por meio de variações de voz muito bem distintas, desenhar as mudanças de função de narradora e Norrie. Sua voz é excelente, extremamente articulada. Sua atuação se calcou em posições firmes, gestos largos e curtos. Em pé ou sentada em uma cadeira, com os pés descalços, transmite-nos o distanciamento pertinente à contadora de uma história e a emoção cobrada para dar vida a algumas passagens de Norrie. Seu rosto somente alumiado pela luz do tablet tem um efeito onde há mistério e encantamento. Guilherme Leme Garcia foca no intimismo e na precisão do ótimo monólogo. Preferiu de maneira acertada que a intérprete se mantivesse em praticamente um único ponto da ribalta. Esmerou-se na orientação da atuação de Larissa, valorizando tanto a história contada, com a sua personagem real, quanto o assunto abordado. O palco nu, negro, fez com que não nos dispersássemos, e só tivéssemos olhos para o momento especial de Larissa Bracher. O segundo monólogo é protagonizado pela venerável atriz Kelzy Ecard. Prestigiadíssima no teatro, Kelzy tem colecionado seguidamente peças importantes em sua carreira. Não poderíamos esperar dela uma performance que não fosse pulsante, enérgica e intensa, imersa em emoção, como estamos acostumados a vê-la no tablado. A sua peça se chama “Como Deixar de Ser”, de Daniela Pereira de Carvalho e direção de Renato Carrera. Kelzy personifica uma solitária e infeliz mulher, que está se mudando de sua casa. Sua única companhia é o gato de nome bíblico Abel. Ela o usa como o seu interlocutor em muitos casos. Separada, também carrega a dor da frustração do casamento. Sempre manteve uma relação difícil com sua mãe, Margarida. Seus maiores sofrimento e dor foram causados pelo grande e avassalador amor reprimido por uma colega de escola, Raquel. O tempo implacável passou, e ficaram lembranças apenas de seus desejos nunca satisfeitos pelo atraente corpo de sua amiga. O fato de ter se acomodado a uma paixão platônica, aceitado a imposição das instituições sociais como o casamento, e não ter se permitido a amar uma outra pessoa a fizeram ser tão amarga e sofrida. Kelzy defende esta pobre mulher sem o amor compartilhado com o destempero do sofrimento, a angústia desvelada pelo vazio existencial, e pela não aceitação, por meio de seus gritos e prantos, de que os seus dias não lhe presentearão com o corpo desejável de Raquel. Tendo em mãos a inspirada e potente dramaturgia de Daniela Pereira de Carvalho, Renato Carrera se encarregou de explorar sabidamente o potencial interpretativo de Kelzy Ecard, fazendo com que a atriz se movimentasse de lado a lado pelo palco, o que conferiu ao seu monólogo uma agilidade oportuna. Renato em nenhum instante deixou de imprimir a alta dramaticidade pedida pelo texto de Daniela, resultando em um pequeno espetáculo comovente. O terceiro monólogo recebeu o título de “A Noite em Claro”, e fora escrito por Joaquim Vicente. Tendo como protagonista Thadeu Matos, e sido dirigido por Cesar Augusto, a pungente e realista peça retrata a noite vivida por um garoto de programa homofóbico. Como muitos rapazes que decidem se lançar nesta atividade de favores sexuais remunerados, o michê interpretado por Thadeu não admite, por mais que sinta desejos e prazeres, o sexo com um outro homem. Agrava ainda mais o seu ódio incontido o fato de seu cliente ser velho e casado. Para o irado prostituto, que também possui um compromisso com uma mulher, assassinar o seu efêmero parceiro com repetidas facadas é um bem que se faz à sociedade. Segundo ele, ao matar mais um homossexual, chega-se perto da cura de um “câncer” social. Convencido disso, o seu périplo pelas ruas, durante a noite, nas quais deixa um indelével rastro de sangue, perpetua-se. Este texto de Joaquim Vicente é notadamente atual, e por isso mesmo chocante. São inúmeros os casos pelo país afora de homossexuais que são barbaramente mortos por garotos de programa, e que não são noticiados nas páginas de jornais. Vários desses casos são arquivados nas delegacias de polícia. Bastantes vezes, mata-se pela homofobia. Em outras, com o intuito de roubar os pertences da vítima. O que restam àqueles que buscam sexo pago com jovens acima de qualquer suspeita são a cautela e a prudência, sem quaisquer juízos de moral. Thadeu Matos personifica com veracidade rascante o seu personagem, imprimindo-lhe conotações em um grau superlativo de ira e loucura. O rapaz balbucia frenética e de forma cadenciada e alucinada vocábulos que remetem à pratica sexual homossexual. Faz movimentos bruscos e precisos no ar como se espancasse a vítima. A nudez apolínea de Thadeu Matos, e a mais genuína intimidade de seu corpo não nos constrange, muito pelo contrário. Vimos bem próxima a perfeição física a que se pode chegar a matéria do homem, mas também constatamos que essa mesma perfeição pode ser assassina, que o sexo e o desejo nela contidos podem ser traiçoeiros e fatais. Cesar Augusto percebeu o rico material que tinha em mãos, e não se intimidou ao pintar um quadro com tintas incômodas e cruéis de uma realidade que não se pode esconder. Extraiu de Thadeu o máximo de suas emoções, que foram traduzidas em camadas de cólera. A violência é sugerida no som da voz do ator, em seus movimentos corporais e nos objetos de cena, como facas fincadas em uma extensa bancada. A nudez, como observado, foi tratada com a naturalidade e a verdade merecidas. O vídeo ao vivo, projetado em uma tela, usado como depoimento do rapaz, causa o impacto esperado. E como monólogo de encerramento, “Flor Carnívora”, de Jô Bilac, com direção de Ivan Sugahara. À frente da peça, Gabriela Carneiro da Cunha, como a própria espécie vegetal que serve como título. “Flor Carnívora” é um texto pleno em licenças poéticas, alegorias e humor. Talvez o fato de ser a última peça a ser apresentada se relacione com a sua leveza dramatúrgica face às anteriores. Num universo onírico e lúdico que nos lembra a floresta de “Sonho de Uma Noite de Verão”, de Shakespeare, irrompe de dentro de um vaso uma bela “flor carnívora” de corpo nu. A nudez quase diáfana, pura, de Gabriela, imiscui-se à harmonia verde de outras tantas plantas que compõem o seu habitat. A tal flor é uma representante engajada, politizada, convicta em suas opiniões sobre o hermafroditismo das plantas. Protesta em alto e bom som contra a monocultura da soja. Contra os transgênicos. Não se submete às imposições humanas de classificação e normatização da flora, diversa em sua própria natureza, sem trocadilhos. As plantas nasceram livres de gênero. O respeito à diversidade que queremos já pode ser encontrado nas florestas, mesmo com a intervenção do homem. Jô Bilac foi buscar na natureza o exemplo maior para a humanidade. Se ser diverso é natural, se não ter gênero também o é, por que não é possível que assim seja entre nós, humanos? Utilizando-se desta alegoria, Jô, volto a repetir, com bastante humor, oferta a sua mensagem. Gabriela Carneiro da Cunha embarca com integralidade na fantasia de sua personagem. Navega pelo cenário como uma fada, esbanjando as linhas suaves de sua nudez casta com arrebatadora espontaneidade. Gabriela nos lembra um “ser da natureza”, livre, libertador, transgressor. Um ser que falta à sociedade urbana. A atriz usa todos os seus recursos de voz e corpo para dar vida a este ser simbólico indócil. Sem pudores, reservas, transpondo limites visíveis ou invisíveis, lança-se na loucura do possível e na insanidade do impossível, seguindo a sua particular razão. Ivan Sugahara procurou seguir com fidelidade este caminho de ludicidade associada à transgressão, respeitando as reflexões narrativas de Bilac, criando, a partir delas, um monólogo que se segmenta entre o fantasioso, o alegórico e o absolutamente anárquico, surpreendente. Reserva aos espectadores um final redentor, sem regras, despudoramente engraçado. Um caos organizado, sonhado e realizado pela “Flor Carnívora”. O cenário de Daniel de Jesus é espetacular, no sentido literal do termo, em algumas peças como “Como Deixar de Ser” e “Flor Carnívora”. E conciso, cru, objetivo, direto e sugestivo, como em “Genderless – Um Corpo Fora da Lei” e “A Noite em Claro”. Em “Como Deixar de Ser”, Daniel cria um lar sendo deixado pela sofrida mulher cujo fundo é todo coberto com roupas, chapéus e demais acessórios. Este conjunto colorido e diversificado de peças de vestuário de uso cotidiano, e que provavelmente traduzem uma vida quase inteira da personagem, possui um impacto visual inebriante. Somam-se ainda a este painel abajures e malas antigos, além de uma arara cheia de outras roupas, e sapatos perfilados no chão. Em “Flor Carnívora”, o cenógrafo imaginou uma floresta reconhecidamente encantada, com suas várias espécies de plantas penduradas por fios, coloridas, com prevalência do verde e do laranja. Estas mesmas plantas suspensas se alternam em movimentos que as levam para cima e para baixo. Tendo o vaso da flor ao centro, observamos um belo e imaginativo retrato cênico. Em “Genderless – Um Corpo Fora da Lei”, apostou-se coerentemente na economicidade do quadro, em que Larissa Bracher, além de seu tablet, usa somente uma cadeira como instrumento auxiliar de sua atuação. E em “A Noite em Claro”, Daniel se valeu não só de uma impactante e sinistra bancada com inúmeras facas fincadas, como de uma tela, como já dito, na qual é projetada ao vivo o depoimento do garoto de programa. Em sua totalidade, um louvável trabalho de cenografia, com altíssimo nível, em que se misturam deslumbramento e funcionalidade. A iluminação feita em dupla por Daniela Sanchez e Tiago Mantovani também se destaca pelos seus incontáveis méritos. Nas cenas de plateia de Magenta Dawning a luz incide diretamente sobre a sua figura. A exuberância de Magenta e todas as cores e brilhos que integram seus figurinos e acessórios são realçados como deveriam, causando um feérico resultado. Em “Genderless – Um Corpo Fora da Lei” valorizou-se sobremaneira, com acerto absoluto, a presença da atriz Larissa Bracher. Isso se deu, como afirmado, com os feixes de luz irradiados pela tela de seu tablet. Enfim, a iluminação depende dos movimentos das mãos da intérprete. Ora seu rosto é iluminado, ora parte do seu corpo, ou sua plenitude. O efeito é moderno e extremamente inventivo. Já em “Como Deixar de Ser”, temos uma iluminação enternecedora, haja vista que todos os elementos do fundo do cenário, com sua multiplicidade de cores, são enriquecidos em suas imagens com a luz escolhida. Há refletores que os iluminam de cima para baixo, ocasionando o surgimento de sombras. Vê-se um tom amarelado que se encaixa com bastante propriedade no ambiente retratado. Em “A Noite em Claro”, os iluminadores tiveram que ser cuidadosos, pois a nudez explícita de Thadeu Matos pediria um tratamento delicado. E foi o que se viu. Cada luz, meia-luz, sombras foram pensados e bem calculados. O forte erotismo presente neste monólogo ganhou as texturas adequadas e condizentes com a proposta cênica. Uma luz delicada sobre um corpo perfeito dentro de uma história aterradora. E, por último, “Flor Carnívora”. A floresta onde se passa a ação é esplendorosamente iluminada, no sentido de nos fazer acreditar que estamos diante de um universo fabuloso, mítico, mágico e encantador. A nudez de Gabriela foi conduzida com sábia naturalidade, indicando a sua integração harmônica ao universo onírico da peça. Uma iluminação inspirada para encerrar com glória o conjunto de monólogos. Marcello H., um profissional responsável por elogiadas direções musicais, encarregou-se do design de som de “Genderless – Um Corpo Fora da Lei”, e se saiu bem como era esperado. Utilizou-se de um ritmo frenético e empolgante logo em seu início, que em muito nos lembra o lendário “mangue beat”. Difícil não nos empolgarmos com este introito musical. Ivan Sugahara se incumbiu de assinar a trilha sonora de “Flor Carnívora”, a peça que dirigiu. Junto a vários ruídos que nos reportam ao mundo da floresta, Ivan se empenhou em acrescentar a trilha que melhor se acomodasse naquele idílico espaço cheio de magia. O visagismo de Marcio Mello se sobressaiu sob vários aspectos. A maquiagem de Magenta Dawning é deslumbrante, alegre, festiva, valorizando os traços do rosto do ator que a representa, Bruno Henríquez. Larissa Bracher, com a face ao natural, e os cabelos presos, puxados para trás, apresenta uma belíssima androginia. Kelzy Ecard, da mesma forma, mostra-se com o rosto ao natural, e os cabelos soltos, ostentando viva lealdade à personagem que defende. Thadeu Matos manteve os seus cabelos negros com um certo desalinho, com franja caída em sua face. E Gabriela Carneiro da Cunha, de cabelos encaracolados, sem maquiagem pesada, usa cílios postiços avolumados. Os figurinos ficaram a cargo de Rui Cortez, e todos eles, sem exceção, caracterizam-se pela coerência e adequação. Larissa Bracher veste, como fora mencionado, uma camisa social branca com gravata preta, e calça também negra. Kelzy Ecard traja uma saia com tonalidade escura, blusa verde e um casaco marrom. Thadeu Matos veste um moletom, e depois uma calça social e um blazer aberto sobre o torso nu. E Gabriela Carneiro da Cunha, em determinado momento, é trajada com uma segunda pele, e tecidos translúcidos presos ao seu corpo (pequenos galhos também se prendem a ela). Parece-nos uma ninfa. “Ocupação Rio Diversidade”, que tem a direção de produção de Juliana Mattar, cumpre um papel de suma relevância, não só em contextos teatrais e culturais, mas sociais. Este espetáculo que nos faz refletir sobre várias questões contemporâneas, presentes em nossa sociedade, relativas à identidade de gênero e sexualidade não podem ficar ao largo de nossas atenções. Tem que ser postas na mesa. Colocadas em debates e discussões. Serem levadas para todas as esferas políticas de poder. Judiciais, também. Não se pode vendar os olhos para a vontade intrínseca de um indivíduo quanto ao seu estado de existência. Se alguém quer ser homem, que seja. Se alguém que ser mulher, que seja. Se alguém quer ser “trans”, que seja. Se alguém não quer ser uma coisa nem outra, respeitemos. A palavra-chave é respeito. Respeito ao próximo. Respeito ao amor. Respeito ao amor entre iguais. Respeito ao amor entre diferentes. Respeito a diversidade. Respeito ao Rio. Com diversidade. Tendo ao lado uma flor, carnívora ou não, como deixar de ser o que se quer ser, numa noite ou dia em claro, num corpo “dentro ou fora da lei”? A resposta está em… “Ocupação Rio Diversidade”.

Foto: Leo Aversa

O teatro tem para o seu artista muitas funções. Dentre tantas, uma delas é usá-lo como meio possível e infalível de se expressar de uma forma que atinja o seu público com uma história pessoal relevante que, para ele, precise ser compartilhada, e ao sê-la, sirva como expurgo de suas dores e ressentimentos, sejam pretéritos ou presentes, e manifestação aberta de seus amores e aspirações. “Processo de Conscerto do Desejo” é isso. O desejo de Matheus Nachtergaele de revelar e dividir com os seus espectadores, não na TV ou no cinema, mas no maior veículo vivo que existe, o palco de um teatro, o seu drama originado pela ausência de sua mãe, a poetisa Maria Cecília Nachtergaele, que no emblemático ano de 1968, tirou a sua vida, deixando-o órfão com apenas três meses de idade. As únicas herança e lembrança que recebeu de Maria Cecília foram suas poesias, intactas, prontas, belas, puras, doídas e contemplativas em sua natureza. Matheus, que sempre conviveu com esta acachapante solidão, tinha, não se sabe ao certo quando tomou ciência disso desde sua descoberta como ator, uma dramaturgia em suas mãos. Poderosa, forte, sensível e absolutamente redentora. O intérprete, num ato admirável de coragem, concebeu-a, transformando-a com a sua direção e atuação em um dos espetáculos mais comoventes e honestos já vistos. Alguns podem se perguntar o porquê da significância de seu título. Por que “Processo de Conscerto do Desejo”? Segundo ele mesmo disse: “Quero consertar meu desejo em poesia, num concerto”. Uma resposta definitiva. Mal a plateia se formava no Teatro da UFF, em Niterói, no Rio de Janeiro, que apresentou o projeto “Solos em Cena”, com 16 monólogos encenados, Matheus, encerrando com garbo a iniciativa do espaço cultural, já estava em cena, cantando suavemente e num tom baixo uma delicada canção. Esta peça, por sua singularidade, não necessita de um começo tradicional. Na verdade, ela começou a partir do momento em que Nachtergaele se deu conta de sua viabilidade cênica. Vestindo uma malha preta sedutora colada ao seu corpo, e sobre ela um vestido de mesma cor, com fenda, decote e transparência e pequenas flores com prevalência do vermelho situadas atrás (há simbolismos neste traje híbrido, com o feminino de Cecília e o masculino de Matheus, carregando o luto esperado), o ator exerce a sua nobre missão de transmitir aos que desconheciam a sua experiência individual, e aos que já sabiam também, mas a conheceriam sob um novo contexto. As poesias de Maria Cecília Nachtergaele, que o próprio protagonista não sabe se foram feitas para ele ou não, volto a lhe dizer, são ao mesmo tempo tristes (fala-se bastante da solidão e todas as suas implicações), emotivas, contemplativas (referem-se não poucas vezes à noite, suas estrelas) e lúdicas (como a do menino e sua pipa colorida no ar). Uma delas narra a história de uma dançarina espanhola que nos revela a trajetória trágica de um toureiro conterrâneo. O intérprete, primeiramente, impressiona-nos com sua belíssima voz, afinada, aveludada e canora (esplêndida e soberba preparação de Célio Rentroya). As canções que entoa são aquelas preferidas de sua mãe, uma defendida lindamente no idioma italiano. Cantigas populares infantis são cantadas de maneira estilizada. Como as músicas eram uma das paixões de Maria Cecília nada mais justo que as mesmas estivessem presentes em cena. Matheus também pôde mostrar ao seu público, extasiado do início ao fim com a sua performance, os seus dotes como dançarino, ostentando uma invejável dominação de sua expressividade corporal (exuberante, minimalista e irretocável trabalho de corpo de Natasha Mesquita). Alguns bons exemplos são aqueles nos quais o ator personifica a dançarina já mencionada e quando, com as suas próprias mãos, simula uma lépida mariposa. O ator, que se alterna entre pensamentos dele mesmo e as poesias de sua progenitora, possui a chance de se exercitar plenamente como artista. Seja declamando os escritos poéticos, seja interpretando (defende a própria mãe o acalentando no colo, utilizando-se de reiterações típicas do “Diário do Bebê), seja cantando ou interagindo de maneira muito bem aceita por sua plateia, numa espécie de congraçamento raro visto no teatro, tendo como recurso para a sua realização a convocação de todos para uma dança coletiva catártica. Não houve quem recusasse ao irresistível convite de um Matheus Nachtergaele em estado de graça para com ele dividir o seu mágico momento. O concerto do título do espetáculo se traduz na presença de grandes músicos, o violonista Luã Belik e o violinista Henrique Rohrmann, que acompanham com elegância e refinamento as principais passagens da montagem. Ainda no que tange à completude de Matheus Nachtergaele em sua atuação, o ator, que tem em sua face uma maquiagem escurecida carregada abaixo de seus olhos (poderíamos interpretar como as vistas inchadas de prantos derramados), orquestra um deslumbrante trabalho de pintura de seu próprio corpo. Como se a tinta amarela da qual se utiliza para se pintar e manchar a sua roupa não se configurasse apenas como um meio de impacto estetizante, mas sim como um acessório representativo da metamorfose de um ator para a sua realidade espacial cênica, para o seu universo íntimo e particular. A máscara amarela em seu rosto pode ser a nova identidade de que necessita para seguir em frente com as suas vivências transmutadas em Arte. Matheus Nachtergaele se incumbiu de dirigir a ele mesmo. De fato, seu espetáculo solo é tão pessoal que nos parece sensato e plausível que o intérprete saiba mais do que ninguém sobre o que deseja que seja testemunhado no palco, ou no caso desta peça, também fora dele. Nachtergaele não se ateve a amplas pretensões estéticas, bastando para ele a simbolização digna de seus sentimentos e emoções por meio das poesias de sua mãe, acompanhadas da sonoridade etérea e envolvente dos instrumentos de seus excelentes músicos. O ator fundamentou primordialmente a sua encenação (uma mescla de performance, atuação, declamação, dança, canto, concerto) no binômio texto/música. O resultado não poderia ter sido mais bem-sucedido, pois Nachtergaele é um artista extremamente popular, querido, carismático e detentor de um talento múltiplo. A iluminação de Orlando Schaider, em sua maioria, busca um tom não naturalista (pode-se afirmar que há uma textura que se aproxima do amarelado), de certo modo onírico, não se eximindo, entretanto, da adoção de recursos indispensáveis, num contexto tradicional, para o desenho visual de uma cena. Em certa ocasião, Orlando ilumina toda a ribalta com um vermelho forte, ofuscante. Já em outras, direciona seus objetivos para os focos e sombreados (há instantes em que só vislumbramos o rosto ou o corpo de Matheus). Usou outrossim o plano geral, incluindo a plateia, os blecautes, os refletores que apontam frontalmente os espectadores, e outros tantos laterais com visível intensidade potente. Orlando Schaider colabora com maestria para o embelezamento de todo o panorama cênico. O cenário se resume a uma cadeira de madeira estilo Luis XV com recosto de vime propositalmente perfurado, situada no lado esquerdo do palco, com a qual o artista interage. Acrescenta-se um imenso laminado posto no fundo do tablado que ora reflete a imagem do ator ora deixa transparecer a figura imponente do violinista. O seu impacto imagético sobre nós, espectadores, é irrefutável. “Processo de Conscerto do Desejo”, uma realização da Pássaro da Noite Produções, com direção de produção de Miriam Juvino, é um espetáculo teatral, pode-se dizer, talvez, inclassificável. Não se classifica tão somente o transbordamento legítimo de um ator dentro de sua mais genuína emoção. Como também nos é difícil e árido classificar o seu grau de desejo em simplesmente “realizar”. Para que conseguisse tal feito, Matheus Nachtergaele elaborou um processo. Mas não um processo qualquer. Deveria ser um processo com um concerto de músicos. Porém, não parou por aí. Matheus Nachtergaele tinha por objetivos e intentos “consertar” esse desejo. Com os músicos. Nasceu, neste exato instante, “Processo de Conscerto do Desejo”, com três protagonistas. Mas não era apenas Matheus Nachtergaele em cena? Não, não era. Matheus divide a cena com brilho eterno com dois grandes parceiros de vida: sua mãe Maria Cecília Nachtergaele… e suas poesias.

Foto: Isabela Kassow

Quatro anos depois, em 2011, do escritor catarinense Cristóvão Tezza ter lançado o seu premiadíssimo livro autobiográfico “O Filho Eterno”, a prestigiada Cia Atores de Laura, liderada por Daniel Herz, no Rio de Janeiro, decide adaptá-lo, pelas mãos de Bruno Lara Resende, para os palcos, tendo como protagonista do monólogo homônimo um de seus membros, Charles Fricks. O espetáculo, que até hoje é montado com sucesso pelos inúmeros lugares por onde se apresenta, levou o intérprete a conquistar os Prêmios Shell e APTR de Melhor Ator. Há quase duas semanas encenada no Teatro da UFF, em Niterói, cidade fluminense, dentro do projeto “Solos em Cena”, que reúne dezesseis encenações do gênero, Charles pôde novamente emocionar o seu público. “O Filho Eterno” narra a história de um escritor de apenas 28 anos, com dificuldades de ser reconhecido no mercado editorial, defensor de conceitos sobre solidão e ideias bastante particulares e pessoais, casado, que se vê à primeira vista entusiasmado com a notícia de que será pai, e que após o diagnóstico de que seu filho é portador da Síndrome de Down, desespera-se e se entrega às visões mais terríficas de sua atual situação. A peça, que se passa em 1980, detalha o passo a passo da agonia deste pai em meio à absoluta ausência de informações precisas e prognósticos otimistas a respeito desta alteração genética, a Trissomia 21 (um cromossomo 21 a mais no código genético humano, que se somou aos outros dois), chamada à época errônea e cruelmente de mongolismo. Só mais tarde, com os avanços dos estudos médicos e científicos, a introdução de métodos coletivos de adaptação, reabilitação, motivação, incentivo e aplicação de práticas multidisciplinares, a doença tão assustadora para os seus pais passou a ser chamada de Síndrome de Down (descrita pelo médico inglês John Langdon Down em 1866, e só em 1959 o também médico, o francês Jêrome Lejeune, descobriu que sua origem era genética). O escritor, que até o momento tinha uma existência enraizada na sua libertadora solidão (a despeito de ser casado), alimentada por doses constantes de uísque, depara-se de uma hora para a outra com diversos fantasmas que o assombrarão, e por consequência lhe usurparão a venerada liberdade. O filho, Felipe, nome forte que permite diversas entonações, eterno em sua “anormalidade”, fez com que se defrontasse com sentimentos que até então lhe eram estranhos e inexistentes, como o preconceito, a culpa e principalmente a vergonha. Acometido de uma fúria “raivosa”, o pai, que sobrevive graças a aulas de redação e a revisões de teses de mestrado, por ironias de seu destino, divertiu-se ao corrigir os potenciais erros gramaticais de uma delas, que dissertava exatamente sobre a doença que agora fazia parte de seu cotidiano. O devastador inconformismo do literato o fez relatar com assombrosa insensibilidade as anomalias características de seu recém-nascido. Não somos poupados em nenhum instante da perturbadora ignorância e preconceito deste indivíduo que se achava superior aos seus pares devido à sua vocação natural para as letras, e a partir dela construir os seus romances, sempre com a marca de seu “esclarecimento. Seus traumas vigentes também se devem ao aterrador formalismo dos médicos assoberbados em seus jalecos brancos e assépticos, eivados de sadismo desconcertante, ao darem aos familiares “as piores notícias de suas vidas”. Como enfrentar os amigos a partir de agora? O que dizer a eles? Responder-lhes que o seu filho é “mongol”? Esta e tantas outras questões aflitivas por vezes o encaminhavam para um escapismo supostamente salvador, escrevendo de modo compulsivo e aleatório suas histórias inacabadas. O homem que se aprazia com os sons e a morfologia das palavras, agora testemunhava o seu rebento com traços diferentes na face, altura menor, com dificuldades de locomoção, isolado em um mundo próprio, balbuciar ininteligíveis simulacros de vocábulos. Creches rejeitam a permanência do menino Felipe, alegando ao seu progenitor que simplesmente ele não se “adapta” ao local. A exclusão pela sociedade de seu filho acaba sendo a sua exclusão pessoal. Uma sociedade que invariavelmente não se importa em excluir o não igual. Uma sociedade onde não há lugar para a diferença. O escritor clama pela “normalidade”, que se afugentou de sua vivência. A chegada de uma filha “perfeita” aplaca de alguma maneira esta sensação de se estar “à margem da vida e de todos”. O filho cresce, os anos passam, e as pequenas e rotineiras situações diárias exercem a função de “normalizar” o que antes era impensável. O seu velho Fusca amarelo lhe serve para gargalhar diante do inesperado progresso do filho em meio a uma adversidade do trânsito. Diminutas e crescentes mudanças, imperceptíveis apenas para quem não as quer ver, ocorrem dia após dia. Partidas de futebol se transformam em grandes eventos de confraternização entre o pai e o filho, antes longamente distantes um do outro. O modo efusivo e a inteligência e compreensão de mundo de seu filho evidenciados defronte a um prosaico jogo de futebol provocaram no escritor desacreditado da vida e de um Deus do Velho Testamento uma evolutiva alteração em sua percepção distorcida e implacável da realidade que envolvia o seu filho e a si mesmo. O problema não estava na doença de quem gerara, o problema não estava no cromossomo 21 excedente, o problema era ele. O sorriso puro, cheio de afetividade de seu filho, capaz de remover as posições mais empedernidas e duras perante o mundo no qual vivemos, fez surgir no pai “castigado” um ser humano avivado, obrigado a se reavaliar, obrigado a rever as suas noções arbitrárias de espaço e tempo, a modificar a forma como idealizava a relação ideal de um pai e seu filho, e a relativizar o conceito discriminatório do que seja normal. A dramaturgia, uma adaptação de Bruno Lara Resende, carrega em si inegáveis méritos, que vão desde a maneira com que fora estruturada formalmente até o modo certo encontrado para se atingir o público, sem que se deixasse cair na tentadora armadilha da pieguice e dos clichês melodramáticos, elementos que poderiam ser utilizados se levarmos em conta a delicadeza e o apelo do tema em pauta. Bruno foi bastante honesto ao transpor para o teatro a incensada obra de Tezza. Esta honestidade é identificada na abordagem franca e sem rodeios dos conflitos, incômodos em sua natureza, envolvendo o pai e a sua rejeição ao filho diferente. Não deve ter sido nada fácil para o dramaturgo/adaptador “criar” uma nova história para aquela que já nos foi contada com demasiado êxito pelo autor de “O Filho Eterno”. Mexer em algo “pronto” é arriscado, perigoso, um ato de coragem. O valor de Lara Resende em seu feito se torna ainda mais realçado se partirmos do princípio de que se trata de uma experiência real, dolorosa e íntima revelada pelo escritor, fator que exigiria cuidado, cautela e prudência máximas em sua adaptação, sem deixar de lado as doses de emoção pertinentes, e o fio de razão necessário. O texto caminha, sempre com equilíbrio, pelo viés da narração feita pelo próprio intérprete, e pela legítima vivência dos fatos pelo personagem com os outros integrantes do enredo. A direção de Daniel Herz para o primeiro monólogo não só de sua companhia mas de seu protagonista Charles Fricks se revela, desde o começo da encenação, determinada e resoluta em seus objetivos cênicos, não hesitante quanto aos rumos interpretativos sugeridos para o seu ator, e reconhecidamente sensível, perspicaz e inteligente. A inteligência de Daniel se traduz em conduzir Charles por uma linha de interpretação que não causasse nos espectadores uma repulsa àquele homem/pai imbuído dos mais desprezíveis preconceitos e ignorância. Mas acontece algo que se assemelha a uma espécie de compreensão coletiva por parte de quem assiste ao desespero avassaladoramente humano daquele indivíduo agora fraco em suas certezas. A pusilanimidade daquele pai em nenhum momento nos causa empatia, mas também não chegamos à pretensão de julgá-lo até que se findem os acontecimentos. Daniel Herz se alterna na priorização dos silêncios e pausas do pai, indispensáveis para o entendimento de sua dor individual, e na dinâmica de cena, percebida pelos movimentos abruptos ou não do personagem pelo espaço da ribalta, indicativos de instantes de euforia, ansiedade e intranquilidade. Todo este denodo do encenador resultou em um espetáculo fluido, ágil, porém respeitoso ao seu tempo particular e único. Charles Fricks, ao defender a figura do pai, chamou para si uma grande e desafiadora responsabilidade. O pai por ele representado não simboliza tão somente a figura ancestral do progenitor, mas a de um homem, no sentido amplo do termo, em toda a sua dimensão humana, com o seu respectivo papel dentro de uma sociedade contemporânea. A Charles coube organizar, e após difundir por meio de sua notável e intensa atuação as muitas camadas psicológicas, comportamentais, emocionais e existenciais do escritor arrebatado pelo imprevisível, perturbado pelo inevitável confronto com o desvio da “rota da normalidade”. Seu personagem possui inquestionável complexidade, evidenciada em não poucos aspectos, percebida por nós à medida que os acontecimentos da narrativa se desdobram. Fricks percorre com força dramática e intenções interpretativas bem definidas o longo e penoso caminho do pai até alcançar os últimos degraus que o levam à redenção pessoal. Aurélio de Simoni nos fornece uma bela e elegante iluminação, ficando-nos claro de que os seus objetivos primeiros não eram o de realçar ou sublinhar as dores, angústias e ansiedades daquele pai, e para isso o prestigiado profissional da luz optou por tons mais alegres e claros. A luz aberta que perpassa boa parte do espetáculo em nenhum momento nos transmite a ideia de sofrimento, ao contrário, a sua leveza serve como contraponto ao peso sofrido pelo protagonista. Isto também não quer dizer que Aurélio não se eximiu de usar focos mais intimistas, principalmente iluminando somente a face do ator, e se utilizando de blecautes e um jogo lateral de luzes que advieram de refletores postos sobre o chão, fora do palco, causando um potente efeito. Vemos na interpretação de Charles Fricks, associado a ela, um pujante componente que a diferencia em seu conjunto: o movimento. Quem ficou a cargo da direção de movimento da montagem fora Marcia Rubim. Marcia explorou todos os limites corporais e de movimentação no palco possíveis e viáveis ao ponto de traduzirem com exatidão toda a gama de camadas emocionais por que passa inevitavelmente o personagem. Suas aflições e angústias são decodificadas em gestos e posturas, assim como a sua culpa, sua redescoberta de valores, efusividade e redenção pessoal. O figurino coube a Marcelo Pies, que vestiu Charles Fricks com inegáveis garbo e sobriedade. O pai traja um conjunto em tons terrosos que engloba terno, calça e mocassins, tendo como contraponto um colete com xadrezes. Uma neutralidade condizente com o perfil de um homem comum da sociedade, adequada à contextualização da profissão que exerce. A trilha sonora original de Lucas Marcier marca com precisão, apostando admirável e acertadamente nos acordes instrumentais, de forma instigante e progressiva, no sentindo de acompanhar com coerência, sem quaisquer resvalos para o pieguismo ou apelo fácil dramático, as fases diversificadas pelas quais transita o personagem pai, respeitando assim todas as suas mudanças, comportamentos e reações face às contingências adversas, e obedecendo com reverência às situações redentoras e de libertação. O cenário de Aurora de Campos segue a linha segundo a qual quanto menos recursos cênicos desnecessários e excedentes no campo teatral forem utilizados melhor e mais bem-sucedida será a aproximação do espectador com a narrativa contada. Para se colocar no palco, não sendo mais do que suficiente, e Aurora sabe bem disso, os elementos úteis que sirvam de apoio visual para se desenhar com esmero e eficiência os dramas compartilhados pelo pai e seu “filho eterno”, a cenógrafa recorre a um belo e amplo painel azul no fundo da ribalta que simboliza com fidelidade o céu a que tanto se refere o personagem na berlinda. As cadeiras, tão simples quanto múltiplas em suas funções práticas, fazem jus ao seu valor como objeto cênico, cumprindo sua missão com significância. “O Filho Eterno” não à toa é um espetáculo que até hoje emociona, faz-nos refletir, pensar, questionar e reavaliar nossos, por vezes, tão errados valores. A montagem, com sua transparente pujança dramatúrgica e nível elevado das verdades interpretativas de seu ator, é um avassalador manifesto, sem imposições, e sim por suas situações esmiuçadas, contra um de nossos mais ruinosos vícios: o preconceito. O preconceito, seja ele qual for. O preconceito, este sentimento tão arcaico e maculado de ignorância, como a própria morfologia de sua palavra nos indica, atravessa a história do homem, e se mantém sólido e inexpugnável em grande parcela da humanidade. Neste caso, trata-se do preconceito inicial de um pai que não aceita o fato de seu filho esperado ser portador da Síndrome de Down. Um preconceito pontual num mar gigante de outros tantos preconceitos, ricos em suas ramificações e extensões. Mas “O Filho Eterno” possui uma outra função importantíssima, que é a de nos fazer despertar para uma emoção que não raro se mantém quieta, silenciosa e latente, mas que, no entanto, ao ser descoberta, revelada e transmitida ao próximo tem a capacidade irremovível de transformação social, e melhora, sem exageros, do mundo. A ela se dá o nome de afetividade. Somente ela é capaz de vencer oponentes poderosos como o preconceito. Não bastam o conhecimento e a vontade de mudança de valores e posições individuais. É preciso que se descubra em si próprio a nossa afetividade. Que todos nós, assim como aquele pai que conhecemos, façamos da afetividade a nossa “Filha Eterna”.