Blog do Paulo Ruch

Foto: Junior Marins/Design Gráfico: Danielle V. Cardoso

Na sexta-feira passada, dia 01 de setembro, estreou em sessão para convidados a comédia “A Sala Laranja: no Jardim de Infância” (no original, “La Sala Roja”), de Victoria Hladilo, no Teatro Cândido Mendes, em Ipanema, no Rio de Janeiro. A tradução fluida, cuidadosa e universal ficou a cargo de Elisa Brites, Robson Torinni e Victor Garcia Peralta. Victor Garcia também ficou responsável pela direção. Em seu elenco, Renata Castro Barbosa, Isabel Cavalcanti, Priscilla Baer, Daniela Porfírio, Rafael Sieg e Robson Torinni. Idealizada por Elisa Brites, Robson Torinni e Victor Garcia Peralta, a peça é uma realização da REG’s Produções Artísticas Ltda.. A história de “A Sala Laranja”: no Jardim de Infância” (o espetáculo, que ganha a sua primeira montagem brasileira, já foi visto por cerca de 100.000 pessoas desde a sua estreia em 2013) se concentra na reunião, como de costume, dos pais das crianças de um jardim de infância para a discussão de problemas atinentes à instituição escolar e escolha de projetos lúdicos e pedagógicos que melhor se adequem à educação de seus filhos. O que era para ser um simples encontro para o debate de ideias e encontro de soluções conjuntas, torna-se um campo de batalha com troca de farpas de todos os lados. Os problemas dos alunos e questões da escola servem tão somente como catalisadores das revelações das frustrações, complexos, desvios de comportamento e traços individualizados dos perfis tanto dos pais quanto dos profissionais do colégio (no caso, uma professora). Num tom de comédia assumida e saborosamente crítica e sarcástica, a premiada dramaturga Victoria Hladilo desenvolve uma narrativa ácida, inventiva, reconhecidamente interessante, com a habilidade de se passar em um único ambiente, pouco explorado, com seis personagens totalmente distintos, que passeiam pelas mais diferentes situações de conflito (com muitas das quais nos identificamos), sem que em nenhum momento se vislumbre um viés mais pesado na abordagem dos temas contextualizados. Pelo contrário, Victoria buscou sempre o humor inteligente e criativo para tratar das difíceis e complexas relações de convivência entre pessoas que aparentemente possuem um interesse comum. Este embate involuntário é realçado por uma certa claustrofobia e limitação ao tempo de que dispõem (ninguém pode sair da sala da escola até que a reunião se finde com a chegada dos pequenos alunos para as aulas). O que se vê é uma conflagração aberta, uma disputa acirrada de egos, uma procura de se atingir a superioridade sobre o outro. Uma das grandes sacadas de Victoria é nos mostrar o egoísmo do ser humano, pois na verdade o que se testemunha não é a defesa dos interesses de seus filhos, e sim um esforço na prevalência de suas vontades. A exiguidade do ambiente e seu respectivo confinamento propiciam a eclosão de suas qualidades mais reprováveis (competitividade, manipulação, inveja, ciúme, intolerância…). Outro dos méritos do texto é se utilizar de um local infantil, com situações infantis, como pintar, desenhar, montar brinquedos, para colocar em cena pessoas adultas discutindo e debatendo temas em sua essência adultos. No espaço de semiarena do Teatro Cândido Mendes, observamos a chegada paulatina dos pais dos alunos, recebidos pela educadora Inês (Isabel Cavalcanti). Aos poucos, percebemos os aspectos definidores do caráter de cada um desses pais. Temos a mãe que toma para si, sem que lhe seja dada esta função, um papel de liderança, com contornos autoritários e intolerantes, porta-voz de comentários invariavelmente maliciosos e provocativos. A personagem Sandra é defendida com bastante percepção pela atriz Renata Castro Barbosa. Renata, muito sabiamente, trilha pelo terreno fértil do humor, que por sinal domina como poucos, mas sem perder a noção de transmitir para os espectadores nos momentos oportunos os dramas e fragilidades por que passa o seu papel. Isabel Cavalcanti, que se incumbe de dar vida à educadora/professora/recreadora Inês, optou por um caminho da mesma forma irônico, tendo por missão o apaziguamento dos ânimos exaltados dos representantes dos alunos. Isabel adota uma postura de passividade e calma contrastante com a loucura que se estabelece no recinto. Destaca-se na intérprete a maneira didática engraçadíssima com que lida com os pais. Inês constantemente se comunica com uma mãe ausente, Renata, a fim de receber instruções. Priscilla Baer encarna com delicadeza e graça Gabriela, a mãe zen/hippie, adepta dos florais e mantras. Mesmo sendo seguidora deste estilo de vida supostamente mais equilibrado, a moça com sua bata florida e um celular com um toque de chamada demasiado peculiar, sucumbe na mesma frequência certeira aos desvarios de seus colegas/pares da reunião escolar. Daniela Porfírio, como Verônica, comparece ao compromisso dos pais de alunos acompanhada de seu marido, o executivo Diego, Rafael Sieg. Daniela incorpora com meticulosas doses emocionais a esposa e mãe destemperada, fora de si, sem controle sobre as suas ações e reações, refém de suas visíveis fraquezas. Seu tipo bem construído soma com felicidade o painel de personagens expostos. Seu esposo, o sisudo Diego, parece-nos absolutamente desconfortável naquele ambiente ocupado por indivíduos que lhe soam estranhos. Com belo posicionamento em cena e voz firme, mesclando com ideal balanço os elementos de indiferença e agressividade do yuppie contrariado com a circunstância, Rafael nos convence de suas intenções interpretativas. Robson Torinni, como Martin, encarrega-se de personificar o pai jovem, garotão, prático, objetivo e dinâmico, sempre disposto a solucionar os dilemas do modo mais eficiente e adequado aos demais. Robson compõe o seu Martin com absoluta consciência da missão de seu papel. Martin seria uma espécie de conciliador das altercações surgidas a todo instante. Com ótima presença cênica e inconteste desenvoltura, o ator não se restringe a este aspecto notadamente jovial, evidenciando-nos a sua dureza e até mesmo um descompasso emocional quando a situação lhe foge do domínio. O intérprete, um dos idealizadores, e também produtor da montagem, ostenta uma louvável entrega ao seu personagem, sem inibições ou pudores, respeitando não só a ideia da peça, mas os agentes que movem a conduta de Martin. A direção de Victor Garcia Peralta marca a sua volta às comédias, gênero no qual atingiu grandes e inegáveis êxitos, tanto de público quanto de crítica, como “Alucinadas” (com a própria Renata Castro Barbosa, junto com Luciana Fregolente), “Não Sou Feliz Mas Tenho Marido” e “Os Homens São de Marte… E É Pra lá que Eu Vou”. No entanto, o que define este competentíssimo e sensível encenador argentino, brasileiro por vocação e de coração, é a sua versatilidade em transpor para os palcos dramaturgias de variadas temáticas, como o drama clássico contemporâneo “Quem Tem Medo de Virginia Woolf?, o solo “Tudo Que Eu Queria Te Dizer” e “Decadência”. No que se refere a “Sala Laranja…” , Victor nos dá a impressão de que deixou se libertar, voltando às suas origens, dando vazão ao seu olhar crítico, anárquico e transgressor das normas do cotidiano e das instituições, utilizando-se deste gênero riquíssimo (muitas vezes pouco valorizado pelos especialistas) que é a comédia. Extremamente hábil no manejo do texto que tem em mãos, e do elenco de que dispõe, Victor Garcia esbanja espontaneidade, qualidade, inteligência cênica e propósitos bem definidos na montagem da peça de sua conterrânea. O diretor não teme o potencial obstáculo das dimensões diminutas da semiarena, tendo que dirigir todos os seis atores em cena, colocando-os em pontos estratégicos, ou os conduzindo em suas diversas movimentações, de maneira que haja uma harmonia, e um quadro cênico organizado. É digno de nota, realmente elogiável, o trabalho de direção que Victor imprimiu ao seu elenco. Todos, sem exceção, são atores com múltiplos e incontestáveis méritos. Sabedores dos legítimos intentos da dramaturga e de seu diretor, os intérpretes, uniformemente, cumpriram com brilho e dignidade os deveres de execução de um espetáculo que contém em seu cerne inúmeros atributos. O cenário ficou por conta de Dina Salem Levy. Sua atribuição foi a de reproduzir com o máximo possível de fidelidade o ambiente lúdico e mágico de uma sala de aula de jardim de infância (volto a dizer, adaptando-o ao espaço de semiarena), e o fez com extrema coerência e encantamento. Dina criou um mundo escolar pleno em nostalgias para nós, adultos, que assistimos à peça. São pequenas mesas e cadeiras coloridas espalhadas pelo espaço, tendo sobre aquelas papéis, lápis, objetos feitos à mão, tendo ao fundo uma parede coberta de letrinhas do alfabeto de diversas cores, uma estante com vários compartimentos, uma lousa, bastantes potes para lápis, hidrocor e similares nas prateleiras, além de bichinhos, baldes com rolos de cartolinas e guarda-chuvas, tapetinho sintético etc. Enfim, tudo o que se pode encontrar neste universo infantil escolar. Os figurinos de Luiza Fardin também correspondem com enorme coerência às figuras dos pais retratados e da recreadora. Luisa usa conjunto preto e escarpins para Renata Castro Barbosa, uniforme com avental para Isabel Cavalcanti, vestes hippie com modelagem floral para Priscilla Baer, blusa com estampas convencionais para Daniela Porfírio, terno e gravata para Rafael Sieg e moletom e camiseta cavada para Robson Torinni. A iluminação teve a assinatura de Daniel Gálvan. Ele, apropriadamente, valeu-se de uma luz forte, aberta e permanente, que, na verdade, corresponde à realidade do local em que se desenrola a ação. Não haveria sentido na utilização de efeitos. Daniel escolheu a alternativa mais pertinente, e acertou. A direção de movimento foi feita por Cristina Amadeo. Cristina se esmerou em estudar cada personagem da ação, analisando o seu perfil, a sua característica preponderante, acrescentando um modo de postura e deslocamento que se afinasse com a sua persona, e lhe desse maior credibilidade. Percebemos este trabalho nas atitudes de líder de Sandra, na submissão e fleuma de Inês, na intranquilidade de Verônica, na sisudez de Diego, na leveza zen de Gabriela, e na disposição jovial de Martin. A preparação vocal de Rose Gonçalves atinge níveis qualitativos elevados, pois todo o conjunto do elenco apresenta vozes bem articuladas, respeitando-se rigorosamente as variações emocionais que lhe são impostas (há um momento lírico coletivo comandado pela suave voz cantada de Isabel Cavalcanti bastante emocionante). Ao final da peça, na hora dos agradecimentos gerais, a atriz Renata Castro Barbosa faz uma menção especial ao seu colega de cena Robson Torinni, que se desdobrou bravamente para levantar este espetáculo. De fato, em tempos de sucateamento da cultura do Estado do Rio de Janeiro, em que não se vê o interesse em se apoiar a realização dos espetáculos teatrais, em que teatros são fechados por falta de público, testemunhar um jovem ator como Robson Torinni se aventurar como produtor, e levar adiante o seu sonho de se viver de arte, mesmo com todos os empecilhos, é admirável. Por fim, o que se pode concluir ao se assistir a “A Sala Laranja: no Jardim de Infância” é que se tem à disposição no circuito teatral uma opção de lazer, cultural e de reflexão que se distingue por relevantes atrativos: conhecer a dramaturgia inteligente de uma autora argentina, como Victoria Hladilo, conferir a sua transposição para os palcos por um de nossos diretores mais celebrados, Victor Garcia Peralta, e se deslumbrar com a reunião de um time de intérpretes talentosos engajados com a Arte, para se dizer o mínimo. Além disso, dentro do contexto da trama, passamos a conhecer melhor alguns lados escondidos do ser humano, com toda a sua complexidade, ao se defrontar com os fantasmas da convivência social e do confronto de ideias, dentre outros pontos de potenciais conflitos. Vale a pena voltar a ser “criança” e visitar a sala laranja do jardim de infância de Victoria Hladilo. Mas devemos ficar quietos, pois o papo ali é de gente grande.

Foto: José Limongi

Enquanto o público entra no teatro, os atores Kelzy Ecard e Gustavo Vaz, já imbuídos em seus personagens, a mãe Agatha e o filho Francis, vão de um lado ao outro da ribalta organizando o cenário. Kelzy e Gustavo reposicionam baldes pretos e sacos de areia, e os enfileiram ao fundo. Há terra e poeira suspensa no ar. Suas roupas rústicas estão manchadas com a lama dos pastos. Um enorme plástico preto é estendido sobre o tablado. Há um paralelo entre este trabalho dos intérpretes à vista dos espectadores, iniciando uma familiarização destes com o universo da peça, com a lida diária dos moradores da fazenda onde se desenrolará a ação. O espetáculo “Tom na Fazenda” (“Tom à la Ferme”, no original), uma das montagens mais incensadas e elogiadas do momento no Rio de Janeiro, com indicações aos principais prêmios da temporada, tem a sua dramaturgia assinada pelo laureado autor canadense Michel Marc Bouchard, sendo esta a primeira montagem de sua obra em solo brasileiro (a peça fora traduzida e encenada em diversos países, e sua estreia ocorreu em Montreal, Canadá, em 2011). O ator e produtor Armando Babaioff, que interpreta o próprio Tom, além de ter feito uma primorosa tradução, tomou conhecimento da história de Michel Marc através da adaptação cinematográfica de Xavier Dolan, a produção homônima franco-canadense lançada em 2013, protagonizada por Xavier. O entrecho realmente se inicia com a chegada do jovem designer gráfico de uma agência de publicidade, Tom, à fazenda dos familiares de seu namorado morto em um trágico acidente de moto, para participar dos atos cerimoniosos de seu funeral. Tom é um rapaz extremamente sofisticado e vaidoso, adepto de perfumes e roupas de grifes, que terá de enfrentar o mundo exponencialmente avesso ao qual está acostumado a frequentar. Ao chegar à fazenda, o primeiro de muitos choques. Seu namorado havia omitido de sua família o relacionamento homoafetivo que mantinha com ele. Passa, a partir daí, a se apresentar como apenas um amigo que fora prestar as suas últimas homenagens. Agatha, a mãe, recebe-o a princípio com grande entusiasmo, nutrindo pelo visitante uma crescente admiração e encantamento pelo seu jeito de ser. Face às circunstâncias, Tom, imerso em desorientações particulares, envereda-se por um caminho regado a mentiras convenientes, como a existência de uma amiga em comum, Helen/Sarah (Camila Nhary), que ocuparia a posição da namorada do moço falecido. As tensões começam a surgir com a entrada em cena do irmão de seu namorado, Francis. Francis é um homem rude, tosco, bruto, ameaçador e violento. O rapaz alto, branco e robusto se aproxima de Tom, reafirmando as suas características que o tornam uma pessoa com caráter temível. Num caminho sem volta, Tom, passivo diante da alternância de opressão daquela família, por vezes velada, por vezes assumida, passa a executar as obrigações cotidianas do isolado clã, como se vestir para a lida no campo, ordenhar vacas e fazer o parto de um bezerro. Essas “conquistas” o enchem de orgulho, e no caso do parto, de êxtase. Existe no núcleo familiar uma infelicidade nata não revelada, causada não somente pela morte de um de seus membros. O relacionamento entre Francis e Agatha parece alicerçado em aparências impositivas. Não são percebidos amor tampouco afeto entre a matriarca e seu filho. Aos poucos, confuso, afastando-se cada vez mais de seu habitat, com a lama e a sujeira da terra lhe deixando marcas simbólicas em suas vestes, o publicitário vai se distanciando de sua identidade original, cedendo ao cerco de seus involuntários anfitriões. A inevitável aproximação entre Tom e Francis adquire proporções imprevisíveis e incontornáveis. A repulsa do segundo pelo primeiro é dimensionada pela selvageria e truculência que o definem. Por trás da ojeriza do camponês pelo rapaz da cidade se esconde uma incontrolável atração física, que vai se evidenciando das mais diferentes formas. Seu comportamento se enquadra com congruência à conceituação de homofobia. Francis não vê possibilidades de aceitação da diferença, a despeito de seus fortes desejos por esta mesma diferença. A descoberta de suas vontades íntimas o impelem a agredir de modo assustador, verbal e fisicamente, o alvo de seus desejos carnais. Francis e Tom se digladiam como os cães ferozes caçadores de coelhos da fazenda. O balé brutal de seus corpos másculos, enlameados, encardidos e sujos possui uma coreografia truculenta de braços que se socam e se esfregam, pernas que se debatem e se cruzam, urros de ódio, dor e estranho prazer, e rostos de ódio, dor e estranho prazer. As constantes brigas físicas de Francis e Tom são o que de mais próximo podem chegar de um “ato sexual e erógeno”. Porém, não só de cenas de pugilato explícito vivem os dois. Uma dança do casal ao som de uma canção latina com seus torsos juntos em movimentos compassados recrudesce a intimidade mútua. Essa relação conflituosa alimentada por desejos proibidos atinge limites perigosos, chegando a ultrapassá-los, o que se confirma pela barbárie da tortura perpetrada por Francis, com vieses sádicos e fetichistas, em Tom (em uma das cenas mais fortes e impactantes já vistas no teatro, o personagem de Armando Babaioff é suspenso de cabeça para baixo preso somente por cabos em suas pernas; surpreendem a coragem do intérprete, que ainda assim tem que dizer o seu texto, e a pujança física de Gustavo Vaz, responsável pela suspensão e manutenção de Armando, como a sua colocação gradativa no piso do palco). A chegada da suposta namorada do rapaz morto, Helen, na verdade Sarah, à fazenda proporciona uma série de desencontros de informações, solidificando sobremaneira a mentira defendida, provocando na até então crente Agatha amplas desconfianças. A esta altura, sabedor da condição de Tom com relação ao seu irmão, Francis, a fim de preservar a sua mãe da verdade incômoda, obriga o publicitário a sustentar a invenção com Helen, que se atrapalha com o seu inglês combinado. Estas passagens da peça possuem doses de comicidade pelo próprio contexto da situação. Os conflitos se acentuam progressivamente, sem que ninguém seja poupado. Segredos familiares e registros íntimos epistolares são desvendados, elevando a tensão a um patamar máximo. As vidas destes quatro personagens estão entrelaçadas a tal ponto que não há mais lugar para fugir. O fantasma da tragédia ronda aquele grupo em permanente ebulição, até que esta história que começou com uma mentira oportuna ruma para um desfecho verdadeiro e surpreendente. A dramaturgia de Michel Marc Bouchard consiste em um olhar aguçado sobre as relações humanas, levando-se em conta algumas especificidades que são em sua natureza universais. Michel não se ateve a um único conflito. Ao contrário, partiu de um desses, o principal (a presença do namorado no funeral de seu amado, sem que os seus familiares soubessem de sua existência e da orientação sexual do parente), para abordar, com a mesma propriedade, os demais, relativos a outros temas, como a homofobia (um assunto urgente e atual, com índices de sua prática cada vez mais crescentes e preocupantes), a intolerância, os relacionamentos familiares, os choques culturais (econômicos, sociais e de costumes), e até mesmo o consumismo elitista. Todos esses elementos foram alinhavados pelo dramaturgo com sobeja coerência e apelo ficcional, amparados em diálogos inteligentes, humor fino, emoção em distintos níveis e personagens consistentes. O diretor Rodrigo Portella (com quem Armando trabalhou em sua última peça, “O Que Você Mentir Eu Acredito”, em 2013) criou um espetáculo com arrebatador impacto visual, sob vários aspectos. Sua direção, pode-se afirmar, baseia-se em um importantíssimo trinômio: ator, palavra e corpo. Não há em sua montagem uma estética limpa, asséptica, e sim, o seu oposto. Seus atores chafurdam na lama, suas faces são cobertas por terra, suas roupas são manchadas, encardidas durante o processo de desenvolvimento da narrativa. Seus cabelos, em certo ponto, já estão esbranquiçados pela poeira presente e suspensa no ar daquela fazenda onde tudo acontece. Rodrigo, com inteligência cênica e elogiável noção do espaço de que dispunha, colocou os seus intérpretes em lutas/jogos corporais impressionantemente hiper-realistas. A lama, associada à violência dos homens que usam seus corpos como armas, transformou-se em um quadro cênico de extrema beleza. O encenador manteve sempre o seu elenco na ribalta. Mesmo que uma dupla estivesse em contracena, os outros se recolhiam, imóveis, nos cantos do palco. Extraiu de seus talentosos artistas o máximo de suas potencialidades dramáticas. Pincelou com irônico e fugaz humor alguns trechos da montagem. Alternou momentos de silêncio e absoluta tensão. A sexualidade e todos os seus desejos são sugeridos por meio de atalhos nada óbvios, podendo se mostrar, com a mesma força, na briga selvagem dos homens brutos, ou na paz sensual de uma dança ao acaso. Além de apostar no suspense e na imprevisibilidade dos fatos. O elenco se sobressai por sua notória coesão e absorção emocional das gamas infindas de conflitos pessoais e interpessoais por que passam. Armando Babaioff compôs com admiráveis delicadeza e sensibilidade o publicitário fragilizado pela morte de seu companheiro. Soube desenhar o perfil de seu papel com as características de sofisticação urbana que lhe são naturais. Com precisa capacidade, impinge a Tom as suas gradativas transformações emotivas. Passeia com desenvoltura pelo choque sofrido pelas diferenças e pelo imprevisto, e nos transmite com potência única suas reações de agressividade e passividade, além do desespero e da agonia. Gustavo Vaz nos impressiona de modo soberbo ao elaborar minuciosamente os traços definidores da personalidade de Francis, o homofóbico irmão do falecido. Com uma cuidadosa e suave modificação no acento de sua voz, com o intuito de nos direcionar ao ambiente rural, Gustavo não teme em construir com perturbadora veracidade a truculência, a estupidez, a rudeza e a ignorância preconceituosa daquele homem isolado do mundo moderno. Sua postura ora cruel e bárbara e a incerteza de seus passos seguintes nos atemorizam. Entretanto, em determinados instantes, oferta-nos uma graça bruta e uma linha tênue de sensibilidade de seu personagem que nos são inesperados. Kelzy Ecard tem a missão de percorrer, e o faz com a exuberância e a dignidade de sempre, as seguidas etapas de ações e reações emotivas de sua personagem, a matriarca Agatha. Kelzy, com o seu conhecido domínio interpretativo, ostenta-nos as variações de comportamento da mulher enlutada, da mulher efusiva com as chegadas dos supostos amigo e namorada do filho e da mulher magoada e ferida com os sentimentos de rejeição de seu outro descendente. Vimos desde uma Agatha hospitaleira e gentil até uma Agatha acometida pela indignação provocada pelos enredos inventados. Por sinal, tanto Gustavo quanto Kelzy encarnam com bastante verossimilhança e credibilidade os habitantes de uma localidade afastada, simples e com costumes peculiares, no caso, a fazenda. Camila Nhary, como Helen/Sarah, a potencial namorada do rapaz morto, desenvolveu o seu papel seguindo duas linhas de interpretação, que resultaram em grande acerto. Camila nos exibe distinta vocação para o tom cômico ao se fazer passar pela namorada que mistura o inglês e o português. Este momento do espetáculo garante ao público sensações de leveza face a um painel de ascendente tensão. A atriz, da mesma maneira, convence-nos com irretorquível veracidade o empenho, somado a um nível de assombro, de Helen/Sarah, perante a transformação comportamental de seu amigo Tom, e sua incapacidade de enxergar a realidade adversa que o cerca, de convencê-lo a voltar para a casa. A cenografia de Aurora dos Campos é crua, árida, seca e literalmente terrosa. Utilizando-se de baldes pretos (com mais de uma função), sacos de areia, tamboretes e um plástico preto sobre o piso do palco, Aurora evocou com êxito, logrando considerável impacto, a desolação daquele lugar inóspito o qual se torna o epicentro de toda a ação. A iluminação coube a Tomás Ribas. Tomás se vale com suprema percepção de vasta cartela de possibilidades com o propósito de realçar, atingindo-se tanto a beleza quanto a coerência, cada cena da montagem. A iluminação branda em tons de sépia ou levemente amarelada é prevalente. Uma luz quente tradicional dependurada no meio do tablado exerce relevante função cromática. Com pouco mais de uma dezena de refletores, vislumbramos um belo conjunto visual com focos individualizados, geometrias de luz, planos com maior intensidade luminosa e blecautes nos cantos da ribalta. O vermelho é usado em profusão em um específico momento da peça. Os figurinos de Bruno Perlatto transitaram com significativa fluência pela sofisticação e requinte dos trajes grifados de Tom ao chegar à fazenda, como calça justa e blazer com chemise, e sapatos refinados, todos pretos, à rusticidade, simplicidade e objetividade das vestimentas de Agatha, que usa uma sobreposição de casacos escuros, saia, meias grossas e sandálias (por vezes, galochas). Francis é visto com uma camisa clara listrada de botões, suspensórios, calças jeans e botas. E Helen/Sarah veste roupas de contexto fashion extremamente coloridas, como uma capa amarela sobre um vestido com aspecto de seda/cetim rosa, calçando botas de cano longo negras, além de acessórios extravagantes (as cores despertam a atenção de Agatha para o fato de que não está de luto). Durante a encenação, Tom passa a se trajar de acordo com os costumes locais, próprios para a lida. Marcello H. nos apresentou uma concepção sonora com elevada, rica e potente pesquisa de viabilidades de sons que nos remetem a universos estranhos, instigantes e em algumas ocasiões perturbadores e incômodos, como um ruído agudo intermitente que destaca o clima opressor e o suspense da peça. Porém, ao mesmo tempo, o conceituado músico nos embala com deliciosas canções ao ritmo da cumbia (estilo de música tradicional da Colômbia e Panamá), como a irresistível e dançante “Loca”, da banda chilena Chico Trojillo. A preparação corporal de Lu Brites é devastadoramente impactante e bela. Violenta, carnal, sexual e poética. As lutas de Tom e Francis, como caça e presa se alternando em suas posições, exalando seus humores e suores, misturados à lama e terra, com seus corpos escorregadios que se grudam e se soltam, são legítimos quadros cênicos de força erótica e sensual, sem resvalar em vulgaridades. E o modo como os personagens lidam com as atividades rotineiras de uma fazenda são de uma legitimidade elogiável. “Tom na Fazenda” nos traz a dramaturgia inédita de um autor, Michel Marc Bouchard, nascido em outro país, mas que fala para o mundo. Em nenhuma passagem da peça, há a referência onde a história se passa (em sua tradução), simplesmente porque ela é universal. Ao assistirmos a este espetáculo fazemos uma viagem pelos sentimentos que nos norteiam, o amor e os desejos, pelos fantasmas que nos assombram, como o preconceito, a intolerância e a resistência às diferenças. “Tom na Fazenda” é uma peça que fala sobretudo sobre a aceitação do amor. Não importa qual seja a sua origem. Não importa qual seja o seu rumo. “Tom na fazenda” fala sobre verdades e mentiras. Sobre as dores de uma e de outra. Todos nós somos um pouco Tom. Todos nós já visitamos a nossa fazenda.

Foto: Bruno Mello

A ideia de se levar aos palcos nacionais a dramaturgia de uma autora latino-americana, a também atriz e diretora teatral argentina Romina Paula, já é por si só valorosa, pois nos permite conhecer um novo olhar cênico, diferente dos quais estamos acostumados a ver. E um novo olhar cênico vizinho, bem próximo de nós (há uma outra peça escrita por um dramaturgo argentino em cartaz no Rio de Janeiro, “Entonces Bailemos”, de Martín Flores Cárdenas). Muito bem traduzida aqui no Brasil por Hugo Mader, “Fauna” exerce um fascínio imediato sobre o público por sua abordagem aprofundada das relações humanas, de nossas próprias crises de identidade, de nossas fraquezas e supostas forças, das falsas aparências do indivíduo, da homoafetividade descoberta mesmo que tardiamente, e da frágil, invisível e temerária fronteira existente entre o real e o fictício em nossas vidas. Além disso, a montagem tem ao seu favor um elenco sólido e poderoso, consciente de seus personagens, e da história que está nos contando. A trama se concentra na busca de dois profissionais do cinema, o cineasta José Luís (Eduardo Moscovis) e a atriz Julia (Erika Mader), em transformar em filme os episódios que marcaram a mitificação de Fauna, uma misteriosa amazona. Para isso, o diretor e a intérprete, que mantêm um romance conturbado às escondidas, rumam para a terra onde viveu a intrigante e encantadora mulher que lhes serve de inspiração. Os conflitos de Luís e Julia não se restringem ao campo afetivo, estendendo-se às sua visões pessoais sobre o trabalho que realizarão. O primeiro sinal que temos acerca do embate entre o que é realidade e ficção se percebe quanto ao gênero no qual irá se inserir o filme em questão. Para José Luís, uma ficção. Para Julia, um retrato fiel de sua personagem, aproximando-se do documentário. Ao chegarem ao local, encontram um dos filhos de Fauna, Maria Luísa, interpretada por Kelzy Ecard. Luísa ostenta um comportamento pouco receptivo ao casal, enfrentando-o repetidas vezes com ares de malícia e sarcasmo, escorada em sua cultura literária e teatral (declama, assim como Julia no começo da peça, o poema de Rilke “Experiência da Morte”; refere-se a “A Vida é Sonho”, de Calderón de La Barca, e a Shakespeare). Enfileira uma série de versões sobre a trajetória de sua mãe, como os dois amores de sua vida, sendo um deles o seu pai. O primeiro, um velho senhor, que a introduziu ao “Círculo dos Poetas”, e depois a desprezou (Fauna travestia-se de homem, transformando-se em Fauno, pois não se permitia a entrada de mulheres no recinto). Surge em cena o seu irmão Santos (Erom Cordeiro), um rapaz selvagem, tosco, bruto e enigmático. Seus silêncios são perturbadores. Suas versões sobre a mãe Fauna se confrontam em alguns momentos com as de Luísa (o moço defende o fato de que sua mãe escrevia contos, ao passo que Maria afirma que a mesma lhes deixou diários). Carrega uma enorme culpa por não ter salvado de um ataque feroz de abelhas duas éguas que serviam a ele e ao seu amigo Pato. Santos nos deixa óbvio que prefere os animais aos homens. As filmagens são iniciadas, com a sua colaboração fundamental. À medida que o tempo passa, e as cenas são ensaiadas, observa-se um clima de tensão crescente no universo ao qual estão presos. Todos estão irremediavelmente ligados um ao outro, sem escapatórias. Suas verdades mais íntimas eclodem. Sentimentos escondidos se descortinam. As histórias de cada um se confundem. As opiniões divergem. Os duelos interpessoais se tornam constantes. Razão e delírio dividem o mesmo espaço. Esses indivíduos reunidos por uma causa comum descobrem que não sabem tanto de si mesmos. Tudo é revolvido, e aquilo em que se acreditava já não lhes provoca tanta fé. A fantasia (ou suposta fantasia) se revela um agente desagregador, seja por meio da realização do filme, seja pelas histórias narradas pelos irmãos, absorvidos por suas lembranças obsessivas de Fauna. A idolatria de Julia e dos filhos por este ser mítico ou “real” potencializou as guerras e pequenas tragédias individuais do distinto grupo. A dramaturgia de Romina Paula nos interessa por traçar com grande mérito o paralelo que há entre o que é real e o que é ficcional, o que é verdade e o que é ilusão, utilizando-se com bastante propriedade de um mito clássico como Fauna, para criar a sua atmosfera narrativa. Sua destreza como autora se evidencia ainda mais ao lançar mão da metalinguagem (atores interpretando personagens que interpretam outros personagens em um filme) como ferramenta de desenvolvimento de seu entrecho. Romina também é bastante feliz ao tratar de temas universais, com demasiada delicadeza e coerência, como a homoafetividade, tanto entre homens quanto entre mulheres. A despeito da densidade de sua trama, fica-nos claro que houve a intenção de pincelar com doses sutis de humor certas passagens de sua obra. Em “Fauna”, Romina Paula se debruça em pesquisar as complexidades comportamentais inerentes às pessoas, com todas as suas incertezas e ambiguidades, além de expor o enfrentamento inevitável que há onde existem diferenças, diferenças de visão, de pensamento, de formas de se enxergar a realidade e de se lidar com a vida e com as próprias vulnerabilidades, além das culturais. A direção de Erika Mader, que está em sua terceira empreitada (as primeiras foram “Sóbrios”, de Adam Rapp, e “Os Insones” (espetáculo adaptado do romance homônimo de Tony Bellotto) e Marcelo Grabowsky (diretor assistente da peça “Amor em Dois Atos”, de Pascal Rambert) prima pela movimentação quase permanente dos atores pela ribalta, realizada com estrita meticulosidade. Os vários espaços do tablado são explorados pelos seus intérpretes (com direito a uma cena de plateia), o que confere à encenação uma bem-vinda carga dinâmica. Os embates entre os personagens, verdadeiros “pugilatos orais”, formam inúmeras espécies de marcação, inclusive triangulares. Erika e Marcelo procuraram envolver a peça com um clima de absoluto mistério, valorizado pela presença intermitente de um fog. Os próprios atores ficaram responsáveis pelo deslocamento dos objetos cenográficos. Em muitas ocasiões, alguns deles fazem as vezes de espectadores da cena do outro. Os encenadores souberam com maestria extrair de seu ótimo elenco suas amplas potencialidades artísticas, e a dicotomia realidade/ficção é representada e traduzida com enorme eficiência pela dupla (Marcelo, claro, encarregou-se da direção da atriz Erika Mader). Há uma cena em particular que nos chama a atenção pelo seu impacto visual e interpretativo: José Luís e Santos, enquanto debatem, seguram sacos de plástico pretos, e vão, aos poucos, jogando feno pelo palco, espalhando-o e o chutando a fim de que todo o perímetro seja preenchido. As cenas de ensaio do filme nos causam curiosidade e admiração, principalmente para aqueles que se interessam pelo ofício do ator, e seus bastidores. Acredito que essas mesmas cenas tenham tido um sabor especial para o elenco. Este se sobressai com a sua potência natural interpretativa, sendo que cada um de seus atores acolhe com generosidade as características precípuas de seus personagens. Eduardo Moscovis se destaca ao construir, com sua modulada voz e porte de fidalgo, um José Luís a princípio ponderado, centrado, que aos poucos vai deixando escapar as suas evidências de fragilidade e dúvidas. Se no começo o cineasta se encontra bastante convicto de seus propósitos e objetivos, ao final o vemos vítima das circunstâncias que o fizeram se redescobrir quanto à sua identidade e desejos naquele lugar inóspito. Eduardo Moscovis trilha com brilho e segurança por todos esses atalhos emocionais. Erika Mader, segura em suas intenções e pretensões, da mesma forma, tem que atravessar uma estrada de distintas emoções até alcançar a linha de chegada de sua atriz Julia, após ter se deparado com diversas situações modificadoras de suas posições, pensamentos e potenciais certezas. Julia se apresenta para nós no início da peça com caráter determinado e incisivo, e em sua reta derradeira já a observamos com a ciência de suas mudanças pessoais e íntimas, que se refletem consequentemente nas atitudes tomadas. Erom Cordeiro, com impressionante maturidade, realiza a composição de Santos com todas as minúcias que o tornam um sujeito arredio, indestrinçável, sensual em sua selvageria natural e brutalidade nata. Santos gradativamente nos prova que, por trás da carcaça de dureza que o protege, esconde-se um homem com sensibilidade e vontades não lapidadas, que vão se mostrando à medida em que as contingências o obrigam a fazê-lo. Bruto e cercado por aura de enigmas, o personagem de Erom garante momentos de riso nas passagens dos ensaios do longa-metragem. Kelzy Ecard, como Maria Luísa, extravasa toda a sua pujança como artista ao conferir à sua personagem as camadas emotivas necessárias, com as doses certas de malícia e sarcasmo, atinentes à personalidade da filha de Fauna. Kelzy se utiliza com soberana destreza de sua voz com variadas entonações, e de sua eminente expressividade corporal. A atriz, assim como todos os integrantes desta história, percorre um caminho pleno em vias e possibilidades interpretativas, a fim de certificar a modificação pessoal de seu papel, exibindo em etapas detalhes de seu perfil até então desconhecidos. Renato Machado, tarimbado diretor de iluminação, produziu um trabalho irretocável. Em grande parte da obra, o que se vê é um plano suave com tons de sépia. Com quatro refletores suspensos ao fundo, dois em cada lateral, e dois, separados, um à esquerda e o outro à direita, mais à frente, Renato teve em suas mãos um extenso leque de escolhas estéticas. Há feixes enviesados, entrecruzados e frontais. Como alguns dos elementos do cenário são seis refletores de tripé, típicos de set de filmagens, a iluminação ganha mais pontos favoráveis com a utilização esperta, na melhor das acepções, destes recursos. Mais uma vez são os atores que os manuseiam, direcionando-os para os seus colegas (valorizando os seus rostos), que podem estar atuando na peça em si, ou para o filme em sua fase de ensaios. O belo e rústico cenário de Fernando Mello da Costa cumpre exemplarmente a sua função de reproduzir o local onde se “isolam” do mundo os filhos de Fauna. Por mais simples que nos pareça, a ideia dos fenos espalhados por toda a geometria do palco nos causa relevante impacto visual (no começo do espetáculo, um pequeno espaço aberto ao centro é mantido, porém, com o desenvolvimento da ação, o mesmo é preenchido). A fim de contextualizar o cenário, Fernando aposta na madeira de tamboretes e banqueta, além de um balde (os refletores de set de filmagens já foram citados). Os coerentes e bonitos figurinos são de responsabilidade de Antônio Guedes. O texto de Romina Paula lhe oferece a chance de se embrenhar em um universo rico de interpretações e representações, no que diz respeito a estampas, tecidos e acessórios. Antônio traduziu com a mesma competência o viés urbano de José Luís e Julia, e o ambiente campestre dos irmãos Santos e Maria Luísa. Pelos trajes usados, sem que haja menção de seus personagens, supomos que se trata de um lugar com temperaturas frias. José Luís usa um pulôver cinza e uma calça levemente arroxeada, e botas (depois o vemos com capote e um casaco preto). Julia traja um colete e uma blusa sobre um legging (após, aparece com um casaco, além das vestes masculinas de Fauno – terno, chapéu etc.). Maria Luísa se apresenta com um poncho sobre uma blusa fluida (como os demais, calça botas, e sua calça se assemelha a um couro). Santos ostenta o torso nu, vestindo-se apenas com um colete de vaqueiro com peles (suas calças e botas também acompanham estas peculiaridades campesinas). Enfim, um trabalho enriquecido pela pesquisa e pelo bom gosto. A direção de movimento coube a Toni Rodrigues. Toni se sintonizou perfeitamente com a direção cênica de Erika Mader e Marcelo Grabowski, e o resultado almejado foi cumprido com reconhecido êxito. As posturas e deslocamentos executados por Eduardo, Erika, Erom e Kelzy na montagem se adequam com exatidão ao desenho de seus papéis e ao vários ritmos que foram impostos àquela. A direção musical é de Marcello H., profissional do ramo cada vez mais requisitado para imprimir a sua marca nas produções teatrais. Marcello, muito acertadamente, optou por sonoridades, ruídos e afins que nos causam estranheza, apreensão e uma sensação de desconforto ao assistirmos à evolução tensional dos envolvidos na trama. Marcello criou, pode-se dizer, uma trilha eminentemente sensorial. O visagismo de Neandro Ferreira se baseia na naturalidade dos tipos retratados. José Luís possui cabelos curtos e barba cerrada, e Julia se mostra com seus cabelos castanhos claros soltos, com um mínimo de maquiagem, representando aqueles que vêm de fora, da cidade. Já a Maria Luísa de Kelzy Ecard exibe suas melenas negras onduladas, também soltas, porém mais curtas, mas com maiores desprendimento e despojamento, com o seu rosto ao natural. E Santos se apresenta com seus cabelos escuros volumosos e com certo desalinho, além de uma espessa barba. Neandro demarca com congruência a distância entre estes dois mundos opostos obrigados a uma convivência forçada. “Fauna”, com Eduardo Moscovis, Erika Mader, Erom Cordeiro e Kelzy Ecard é um espetáculo que se destaca no panorama teatral por sua diferenciação. Uma peça que se distingue pela abordagem de vários temas, muitos deles universais, como as relações humanas e seus conflitos, as crises de identidade, a ideia de morte em nossas vidas e a homoafetividade, através de uma história que busca confrontar a realidade e a ficção se utilizando de um mito clássico. Considerando-se todos esses elementos, já podemos dizer que “Fauna” assegura, corrobora e nos prova a sua incontestável importância no campo artístico. E isso não é ficção. Isso é real. Bem real.

Foto: Nana Moraes

Em 1995, quando a dramaturga Regiana Antonini estreou o espetáculo “Aonde Está Você Agora?”, este texto já falava a respeito da importância do laço afetivo da amizade em nossas vidas. Quais eram os seus possíveis limites. O que poderia colocar à prova este elo essencial na convivência humana. Dois jovens, de origens e camadas sociais diferentes, viam a sua relação de amigos ser posta em xeque a partir de uma viagem ao exterior que o mais abastado faria, com o consequente afastamento de ambos. Em 2016, Regiana, uma de nossas mais prolíficas e talentosas autoras, também atriz, roteirista e diretora, especialista em escrever sobre pessoas, seus relacionamentos e sentimentos, resolve levar aos palcos uma continuação desta montagem, “E O Vento Vai Levando Tudo Embora…”. Em seu elenco, os ótimos Vitor Thiré, Daniel Blanco e Josie Pessôa, com a direção da própria dramaturga. No ano presente, a peça que tem como inspiração uma das mais belas canções do lendário grupo Legião Urbana, “Vento no Litoral”, é remontada com novos atores, os também excelentes Gabriel Chadan e Juliano Laham (Josie Pessôa continuou com sua personagem Beatriz/Bia). A trama gira em torno de dois jovens amigos, adolescentes, Pedro (Gabriel Chadan) e Gabriel (Juliano Laham), que nutrem um pelo outro um afeto inacreditavelmente puro e legítimo, raro de se ver hoje em dia, num período em que laços indispensáveis como a amizade acabam se esgarçando pela vaidade, pela competitividade, e pelo individualismo do homem, além da ausência de tempo para o convívio pessoal, e até mesmo pelo advento das tecnologias contemporâneas de socialização, que nos afastam mais do que nos aproximam. Há uma gritante diferença entre eles, num oceano de afinidades, que é o nível social e econômico. Porém, o que sentem mutuamente é tão forte que este abismo contingencial não os separa. Pedro é o menos favorecido neste campo, e possui vocação natural para as Artes Visuais, como o grafite. E Gabriel, por conseguinte, é o rapaz rico. Com predileção pela música, tendo como ídolo Lou Reed, adora compor, e pretende lançar um disco. No meio do caminho desta adorável história de amizade há uma pedra. Uma viagem. Gabriel fará uma longa viagem a Nova York para estudar. Será que agora as distâncias espacial e temporal farão com que a amizade de ambos seja chamuscada? Pedro e Gabriel mantêm uma ligação de amistosidade baseada nos típicos códigos juvenis de relacionamento, como um gesto recíproco com as mãos, em sinal de que estão de acordo com determinado assunto, ou atingiram certa vitória. Suas personalidades distintas não interferem na ampla e positiva frequência que existe entre os dois. Os chistes e motejos de um lado a outro são comuns e salutares, servindo como recurso de fortalecimento da evidente intimidade nos jovens. Pedro pode ser avaliado como um rapaz mais simples, pouco sutil no falar (seu tom de voz é mais alto), sem meias-palavras, com movimentações de corpo expansivas, demasiadamente autêntico, um pouco tosco até, mas nem por isso menos sensível e humano. E Gabriel ostenta um caráter mais comedido, potencialmente equilibrado, sendo cauteloso em suas argumentações. Gabriel tem uma tendência para o místico e o esotérico, e não abre mão de seu “Livro da Sorte”, que lhe serve, com os seus signos, como ferramenta de esclarecimento do que está por vir, ou como definidor de uma pontual situação. Já Pedro é cético quanto a isso, todavia, à certa altura, capitula, cede aos mistérios deste pequeno livro, que também, de algum modo, agrega-os. Os dois moços têm uma estreita ligação com a natureza e os seus elementos. Associam episódios que lhes são relevantes a uma noite de lua em sua fase cheia ou quarto minguante, por exemplo. Escrevem frases como traduções de seus pensamentos particulares nas areias de uma praia. Em meio a uma ou outra inofensiva piada comum entre homens trocada, vem à baila o assunto que realmente os estremece: o iminente afastamento deles. O que os assusta de fato é se a leal amizade que construíram sobreviverá aos reveses inevitáveis da passagem do tempo. Decidem fazer um pacto. Iriam se encontrar dez anos depois em uma data acertada na mesma praia onde tantas vezes se divertiram e conversaram. O acordo vai mais além, proposto por Pedro, em tom de desafio. Gabriel seria capaz de preterir um grande e verdadeiro amor em nome de sua amizade? Face ao amigo, que padece de um romance malsucedido, Gabriel lhe garante a fidelidade. Uma década se passou, e mudanças substanciais aconteceram. O desencontro à beira do mar como haviam combinado, o crime que entrou na vida de um deles, o que aparentemente evidenciou ainda mais a distância social dos amigos, e o surgimento de uma linda mulher, Beatriz/Bia (Josie Pessôa), que colocará em risco, abalando os seus mais sólidos alicerces, os laços de amizade costurados por anos. A dramaturgia de Regiana Antonini reúne, com ampla sensibilidade, humanidade, lirismo e honestidade, as características que, em inúmeras peças que escreveu, percebemos como seu norte, a sua orientação de pensamento e criação, a sua meta primeira, que é a de abordar, com incrível capacidade de ficção, temas que são os fundamentos de nossa existência, como o amor, a amizade, a união, a lealdade, o comportamento do indivíduo, suas ações, relações e consequentes reações. Mas antes de tudo, Regiana, seja falando de casais, de duas amigas maduras, de ex-namorados, ou de recém-casados com um pequeno filho e suas adversidades, imprime invariavelmente uma farta dose de amor naquilo que faz, tocando de pronto o espectador, pois diz o que queremos ouvir, e nos faz sentir o que almejamos sentir. Suas peças são empáticas, e “E O Vento Vai Levando Tudo Embora…” representa tudo o que eu asseverei antes com notória propriedade e coerência. A autora discorre sem sentimentalismos tampouco pieguices (atalhos fáceis), sobre o grau máximo a que uma amizade pode chegar, sobre a preciosidade de um abraço apertado entre dois amigos, sobre a tênue fronteira entre o desejo e a traição, sobre a relação homem/mulher e seus valores, sobre a ética existente nos acordos entre as pessoas, e sobretudo, sobre a lealdade em seu sentido mais literal. A escolha de “Vento no Litoral”, arrebatadora canção do grupo brasiliense Legião Urbana composta em 1991, e que nos comove até hoje, como inspiração e referência para o seu texto, foi um supremo achado, haja vista que a partir de suas inspiradas letras se pôde construir um panorama narrativo no qual se inserem com perfeição as situações vividas por dois jovens rapazes descobrindo o mundo através de sua união e amizade, e a interveniência de uma terceira pessoa, no caso uma mulher, com todos os seus conflitos, dúvidas e embates existenciais. Como diretora, Regiana Antonini se imbuiu de uma merecedora “autoridade” para materializar cenicamente aquilo que tão bem escreveu. Quem mais teria legitimidade para pôr em prática com tanta fidedignidade a delicada e comovente história que imaginou para os seus personagens Pedro, Gabriel e Bia? Regiana procurou enfatizar esta forte ligação dos dois amigos com uma direção precisa e sensível de Gabriel Chadan e Juliano Laham. Não há quem possa dizer que não há entre eles uma grande e sólida amizade, baseada no respeito e no amor fraterno. Soube, com elevado conhecimento, utilizando-se de lindas projeções audiovisuais, e tendo o rico auxílio da trilha sonora, demarcar as passagens de tempo que acompanham os jovens. Equilibrou com aguçada percepção os momentos conflituosos, os instantes de descontração e brincadeiras mútuas, as cenas de encontros e desencontros, os embates e as tomadas de decisão. Gabriel Chadan é um ator com reconhecida personalidade. A sua intensidade ao defender um papel é sempre progressiva. Gabriel possui inegavelmente um jeito particular de atuar que nos é irresistível. Sua espontaneidade, naturalidade e franqueza interpretativa saltam aos olhos. Tem aptidões não só para nos fazer rir como para nos tocar. Como Pedro, não foi diferente. Colocou em seu personagem a sinceridade de suas emoções, que são muitas. Pedro é desenhado pelo intérprete com traços e contornos que se justificam, sejam eles de revolta ou de afetuosidade. Juliano Laham, assim como Gabriel, revela-nos um brilho especial sobre a ribalta. Juliano, dotado de enorme carisma, trilha com acerto por todos os caminhos e vias interpretativos exigidos. Fica-nos clara a sua vivacidade e sua observação cuidadosa das camadas emotivas de seu personagem. Gabriel Chadan e Juliano Laham estão, pode-se dizer, bonitos no palco. Não somente do ponto de vista estético/físico, mas no que se refere ao fulgor genuíno e pessoal nitidamente percebido por nós. Na noite em que assisti a “E O Vento Vai Levando Tudo Embora…” a atriz Josie Pessôa, do elenco fixo da peça, havia sido substituída pela atriz Mariana Ferreira. Porém, posso lhes garantir que na primeira vez em que vi o espetáculo, há exato um ano, e em cujo elenco estavam Vitor Thiré e Daniel Blanco (ótimos, por sinal), Josie teve uma atuação admirável, mostrando em todas as cenas de que fez parte, como Beatriz/Bia, uma força natural, uma luz irradiante, uma postura firme, uma voz bem colocada e sem hesitações, sempre convicta dos propósitos de seu papel, além de ser, indubitavelmente, uma atriz muito bonita. A elegante iluminação (e operação de luz) ficou a cargo de Cláudio Martani. Cláudio valorizou a encenação com um plano aberto suave, além de dar um enfoque especial em determinadas passagens nas quais os atores se dirigem para a plateia, como se fossem pequenos monólogos. Sua luz se harmonizou completamente com os elementos do cenário. Merece elogio a projeção feita na parede do teatro simbolizando a Lua em fases diferentes, e o uso, em outras situações, das cores. Diego Timbó se responsabilizou pela preparação vocal e musical dos atores. Seu reconhecido empenho é percebido na eficiente maneira como o elenco projeta e imposta a sua voz. A cenografia de Ruslan Alastair (Truque Produções) nos embevece com seus tecidos de papel branco construídos em formas triangular e retangular. São dois deles, os triangulares, um maior, e outro menor, posicionados à esquerda do palco (há uma cena surpreendente e impactante envolvendo este recurso cênico e Gabriel Chadan). Os tecidos de papel retangulares postos lado a lado, e de cima a baixo, no fundo da ribalta exercem função primordial e complementar do entrecho narrativo, pois são neles que as imagens de vídeo são projetadas. Essas encantadoras imagens assinadas por Gelder Martins, também editor, evocam acontecimentos que se interligam com a história, como desenhos feitos nas areias da praia, o sol no horizonte do mar e o encontro amoroso de um casal (produção da Dialética Filmes). A trilha sonora nos conquista de imediato, lógico, pela própria canção que inspirou o espetáculo, “Vento no Litoral”. Todas as vezes em que esta inesquecível e belíssima canção é tocada, em cenas estratégicas, tornamo-nos reféns de seu virtuosismo. Somos ainda presenteados com outra música marcante, “Vai” (2006), na voz de uma de nossas melhores cantoras e compositoras, Ana Carolina. “E O Vento Vai Levando Tudo Embora”, conclui-se, mantém um relacionamento reverente com o universo musical. Os figurinos de Cal Carpenter são diversificados, e se casam com primor ao perfil dos personagens. Com o passar dos anos, esses costumes se modificam, e Cal respeitou plenamente esta questão. Enquanto os rapazes usam bermudas esportivas, regatas, t-shirts, moletom, jeans, casaco de couro preto, Beatriz traja lindas roupas de influência hippie, que vão das saias ao crochê, incluindo uma bolsa típica. Thiago Medeiros realizou um louvável trabalho de visagismo, realçando a beleza do elenco, sem abdicar do “physique” natural dos personagens. “E O Vento Vai Levando Tudo Embora…” nos deixa uma série de mensagens e lições, estas em sua melhor acepção. Saímos do teatro com uma leveza de alma e espírito, certos de quais são alguns dos valores indispensáveis em nossas frágeis vidas. Certos de que uma amizade verdadeira entre duas pessoas pode atingir um grau de sublimidade jamais imaginado. Certos de que o amor é essencial em nossas existências, inclusive o amor entre amigos, puro e leal. “E O Vento Vai Levando Tudo Embora…” nos confirma a riqueza e unicidade de se ter um amigo. Conversar, brincar e até mesmo brigar com esse amigo, para depois abraçá-lo intensamente. Amá-lo. Como diz a letra de “Vento no Litoral”, achemos o nosso cavalo-marinho, deixemos que a onda nos acerte… E o resto? O resto é com o vento. Ele leva embora.

Foto: Bernardo Santos

Nunca se viu no cenário nacional tantos espetáculos teatrais sendo encenados ao mesmo tempo, ou com períodos de temporada próximos, que se empenham, por intermédio de suas dramaturgias, em retratar outras formas de relacionamento afetivo, pregando, sem doutrinações, a aceitação pelo outro da diferença, e servindo como poderosa arma de dissolução das mazelas deixadas nos rastros dos preconceitos da sociedade civil. Faltava apenas um musical para tocar neste assunto. E “Yank! – O Musical” veio com força para cumprir esta missão. O texto pertence aos irmãos norte-americanos David Zellnik e Joseph Zellnik, e sua primeira apresentação ocorreu no circuito Off-Broadway em 2010. Recebeu sete indicações ao Drama Desk Awards, indicações como “Melhor Musical” no Outer Critics Circle Awards e Lucille Lortel Awards, sendo traduzido e adaptado no Brasil com suas respectivas versões por Menelick de Carvalho, também diretor cênico, e Vitor Louzada. Esta é a primeira vez que o texto dos irmãos Zellnik é representado em uma língua não inglesa. A história se inicia com Hugo Bonemer nos relatando que foi encontrado em um sebo um diário de um correspondente de guerra americano, Stu (Hugo Bonemer), no qual havia suas impressões de suas experiências na Segunda Guerra Mundial, eternizadas no formato de confissões, reflexões, revelações ou simplesmente registros. Mas o que mais chamou a atenção neste velho diário foram as lembranças de um tórrido amor que viveu intensamente com o seu colega de pelotão, o sedutor Mitch (Betto Marque), desde a época do treinamento nos Estados Unidos, passando pelo conflito em si, culminando com o seu término. Passamos então a acompanhar o dia a dia do pelotão 89 em sua fase preliminar de treinamento, por volta de 1943. Nele, há todos os tipos de indivíduos, como o durão e severo Tennessee (Conrado Helt), o exagerado e divertido Professor (Leandro Melo), Artie, o correspondente da revista “Yank” (Leandro Terra), o Sargento que cita Scarlett O’Hara (Bruno Ganem), o austero Cohen (Robson Lima), Rotelli (Chris Penna), Czechowski (Dennis Pinheiro), e Swing (Alain Catein). Stu é um dos mais jovens. Extremamente sensível, mergulha-se em embates pessoais quanto à sua natureza sexual. Possui enormes dificuldades de se entrosar com o grupo, que repetidas vezes zomba ou faz pilhérias de seu jeito “diferente”. O convívio entre os rapazes floresce o clima de intimidade entre eles, o que lhes permite a troca de provocações machistas e gracejos com tons pornográficos. Stu começa a se sentir mais útil e valorizado quando recebe um convite de Artie para ser correspondente do jornal “Yank” (como todas as publicações de guerra, somente as “boas notícias” podiam ser reportadas, jamais os seus horrores). A postura frágil de Stu desperta o interesse do galã do pelotão, Mitch. Mitch, a princípio, reluta em aceitar os seus desejos pelo correspondente. Stu está cada vez mais certo de seu amor pelo companheiro de tropa. O relacionamento de ambos suscitará distintas reações, que vão da hostilidade de alguns, ao posicionamento zombeteiro de outros, até a naturalidade de terceiros. A partir do fato em que os soldados concluem a sua etapa de treinamentos, e vão para os locais de confronto direto, as condutas e os perfis de alguns deles mudam. Ir para o front se estabelece como condição de status para os combatentes. As lutas interpessoais e as diferenciações hierárquicas se acentuam. No mesmo ambiente onde há mortes de amigos e inimigos japoneses, há espaço para a diversão dos shows de belas e voluptuosas mulheres (Fernanda Gabriela) e sessões inofensivas de cinema. O amor de Stu e Mitch tem que sobreviver a todos os tipos de intempéries, como distanciamentos, e principalmente o escancarado preconceito de seus superiores. A descoberta da homossexualidade de um militar por aqueles lhe dava duas únicas alternativas: a prisão ou a ida para a frente de batalha. Vale dizer que em recente entrevista ao programa “Sem Censura”, da TV Brasil, o ator Hugo Bonemer nos contou um fato histórico. Segundo ele, os movimentos gays americanos começaram a se organizar efetivamente a partir do retorno de ex-combatentes homossexuais do front à sua terra natal, em específico a cidade californiana de São Francisco, onde, no bairro Castro, estes mesmos homossexuais eram perseguidos por policiais – esta abordagem violenta se tornou mais dificultosa, pois se tratavam agora de militares gays. A dramaturgia de David e Joseph Zellnik se firma pelas suas intenções em nos revelar por meio de um retrato cênico bem acabado não só o cotidiano próprio de um conjunto de rapazes dentro de um contexto extraordinário, mas também por nos convencer de que o amor entre iguais, ainda que em um ambiente exponencialmente opressor como o militar, inclusive em tempos de guerra, detém uma capacidade inquebrantável de superação, independente de seus ferrenhos opositores. As charmosas e delicadas canções (libreto e letras de David Zellnik; músicas de Joseph Zellnik) são inseridas no desenho narrativo de modo oportuno, coerente e preciso, ou seja, cumprem o seu relevante papel de realçar sonora e melodicamente os fatos pontuais e o tema central do espetáculo teatral. Suas mensagens são bastante claras. A peça se proclama como um libelo artístico contra as intolerâncias humanas, o preconceito enraizado do indivíduo, as imposições sociais que não se justificam, e de certa maneira contra as insanidades atinentes aos atos beligerantes. Os autores se preocuparam em suavizar o clima pesado de um universo conflituoso de proporções mundiais com doses escalonadas de humor e ironia, que funcionam com inegável êxito. Ao abordarem a homoafetividade sem panfletagens, os dramaturgos não só enaltecem o amor e suas infinitas possibilidades de realização, mas também o estado de paz presente na alma do homem quando este sentimento se completa. Há mesmo que subliminarmente uma mensagem pacifista no cerne do texto, ao evidenciar as incongruências e descabimentos natos às ideias e práticas bélicas. Menelick de Carvalho, o diretor, transpôs com primor e notada eficiência a rica atmosfera em que vive o pelotão, com seus dilemas, idiossincrasias, relações interpessoais, visões sobre a guerra e referências individuais. Menelick, com muita habilidade e precisão, nas duas horas de espetáculo, com direito a entreato, deu atenções especiais às cenas de grupo, extremamente dinâmicas, às passagens com momentos mais íntimos e românticos de Stu e Mitch (estas ações mereceram um tratamento delicadíssimo, com bonito resultado), e aos instantes de tensão envolvendo dois ou mais personagens. Os ótimos números musicais foram enquadrados com cálculo e argúcia pelo encenador nos espaços propícios da peça, atingindo um admirável equilíbrio. Em suas mãos, todo o elenco teve a sua chance de brilhar. Não é fácil dirigir um musical, levando-se em conta os múltiplos elementos que o caracterizam, porém Menelick de Carvalho exerceu pleno domínio sobre aqueles, provando-nos seu conhecimento vasto sobre o gênero. A direção musical e os arranjos originais são de responsabilidade de Jules Vandystadt. O desenho de som, que acompanha com elevada propriedade a obra de Jules, é de André Breda. A contribuição do diretor musical e arranjador para a concretização desta montagem foi fundamental. Percebe-se sua extensa sensibilidade para adequar as suas composições/arranjos ao desenvolvimento da ação narrativa, e na condução competentíssima das várias canções que permeiam o espetáculo. Os atores possuem notório preparo vocal, e o diretor, ciente do precioso material que tinha em mãos, aproveitou-o em seu nível máximo. Um dos pontos nobres da encenação, sem dúvida, é a presença de uma orquestra prodigiosamente virtuosa em seus atributos. São músicos de irretorquível profissionalismo, merecedores de intermitentes aplausos. Na regência e no piano, Ciro Magnani; no violoncelo, Thaís Ferreira; na bateria, Léo Bandeira; no baixo, Matias Correa, e nos sopros, Marcos Passos. As coreografias de Clara da Costa são espetaculares. Ela se utiliza com proficiência das habilidades físicas dos rapazes, produzindo criativos movimentos que em diversas passagens nos lembram exercícios militares. São marchas, saltos, e demais movimentações agrupadas ou não que se casam perfeitamente com as canções selecionadas. Há uma mescla inteligente de força bruta e leveza plástica. Os números de sapateado, que tiveram a direção de Gabriel Demartine, são deliciosamente apreciáveis. O desenho de luz foi assinado por Daniela Sanchez. Daniela se esmerou em buscar as informações visuais luminosas que melhor traduzissem o mundo no qual transcorre a história daqueles soldados, e obteve com a sua obstinação um bonito e harmonioso quadro cênico. Não houve economias em planos abertos realistas e focos intimistas, alguns com cores (como nas cenas entre Stu e Mitch, e nas apresentações dos shows das mulheres personificadas por Fernanda Gabriela). Um trabalho inspirado com acentuada dignidade. Os figurinos de Samuel Abrantes nos levam irremediavelmente, o que indica o seu total e absoluto acerto, não só ao tempo em que se passa a ação, mas também ao território específico em que vivem e convivem aqueles soldados agrupados em um pelotão. As fardas/uniformes dos jovens são em tons crus, em aliança com seus indefectíveis coturnos. Peças muito comuns entre os militares são as regatas brancas, também representadas. Ainda são vistos um jaquetão de um superior militar e seu quepe, as roupas casuais e esportivas, incluindo um boné, usadas por Hugo Bonemer em especial ocasião, além dos belos e exuberantes vestidos com ou sem brilhos trajados por Fernanda Gabriela em seus shows, que em muito nos lembram as pin-ups bastante admiradas à época. A concepção cenográfica é de Menelick de Carvalho, com cenografia e adereços de Victor Aragão. O cenário se propõe a retratar com poucos elementos as particularidades do local central do desenvolvimento narrativo, principalmente o quarto e demais instalações, enfim, o alojamento onde estão lotados os militares personagens da trama. Tudo foi pensado de forma não só a buscar estas referências mas também em se atingir um patamar de funcionalidade o qual servisse plenamente à montagem. Menelick e Victor alcançaram os seus objetivos. A primeira imagem que temos é de um escrito, como se fosse um letreiro, todo em vermelho, na parede negra ao fundo do palco, com a palavra que não só intitula a revista da tropa mas o nome do espetáculo: “Yank”. Uma plataforma é usada como tablado para os shows, um beliche metalizado corrediço é levado de um ponto a outro com demasiada eficiência, e uma banqueta de origem semelhante possui distintas utilidades, além de cadeiras. O elenco formado por onze atores, com notáveis experiências em musicais, destaca-se sobremaneira em suas missões ao oferecer ao público não só excelentes números de dança e canto, mas também ao desenhar com extrema compreensão interpretativa e observação acurada, açambarcando uma paleta consideravelmente ampla de emoções, os diferenciados perfis dos personagens. Hugo Bonemer, que passou a ser respeitado neste gênero a partir do musical “Hair”, vindo a fazer outros, como “Rock in Rio – O Musical” (o sucesso lhe valeu a abertura no Rock in Rio Lisboa), e o mais recente, “Ordinary Days – Um Musical Off-Broadway”, entrega-se profundamente ao seu papel, o correspondente de guerra Stu. Hugo tem ao seu dispor, com este protagonista, uma gama enorme de viabilidades de exploração dos sentimentos e comportamentos deste homem sensível, vulnerável, confuso e apaixonado. O ator, com brilho, utiliza-se das tintas mais apropriadas para nos transmitir todas estas faces de seu personagem. Nota-se que sua capacidade vocal está cada vez mais apurada, atingindo as notas que lhe são exigidas. Costumo dizer que Hugo Bonemer teve a sua voz “moldada nos céus”, devido à sua linda afinação, doçura e emotividade. Betto Marque (que já participou do musical “Mulheres À Beira de Um Ataque de Nervos”), como o viril e durão militar Mitch, desenvolve com visível elegância a complexa ambiguidade de seu papel. Betto consegue encaixar as doses exatas de sensibilidade ao homem até então heterossexual que se vê envolvido afetivamente por uma pessoa do mesmo sexo. O contraste entre a fortaleza física do jovem, suas supostas convicções de orientação sexual e sua delicadeza emocional ao concretizar os seus desejos íntimos com Stu demandaram do ator um extenso entendimento de interpretação no sentido de realizar uma composição de seu papel que fosse atraente para os olhos dos espectadores. Sua voz é arrebatadoramente pujante e envolvente, certeira nas variações dos tons solicitados. A gravidade de suas entoações vocais nos soam prazerosas, agradáveis e encantadoras. O casal formado por Stu e Mitch nos convence e nos comove por sua absoluta verdade e destemor face aos naturais e inevitáveis obstáculos. Leandro Terra, como um dos jornalistas de “Yank”, oferece-nos pinceladas irônicas únicas, o que imprime à encenação uma bem-vinda leveza. Fernanda Gabriela, repetindo a parceria com Hugo Bonemer depois de “Ordinary Days…” resplandece a cada aparição nos shows apresentados ao pelotão. Fernanda, dotada de uma voz lindíssima, entorpecedora, criou para cada uma dessas cantoras uma personalidade própria. O que há em comum entre elas é um evidente ar de sedução e sensualidade, o que nos leva a crer que Fernanda se inspirou coerentemente nas divas da canção dos anos 40. Conrado Helt, de “Hair” e “Cinderella”, como Tennessee, mostrou-nos com apuro elementos bem definidos da rudeza e aspereza de seu militar, inconformado com a relação homoafetiva de seus colegas. Completam o talentoso time de “Yank! – O Musical” Chris Penna (de “Chacrinha, O Musical” e “Beatles Num Céu de Diamantes”), Leandro Melo (participou de “Elis, A Musical”), Dennis Pinheiro (foi visto em “S’imbora, O Musical – A História de Wilson Simonal”), Bruno Ganem (“Andança, Beth Carvalho – O Musical”), Robson Lima (“O Mambembe, Um Musical Brasileiro”), e Alain Catein (exibiu suas habilidades em “Godspell”). Enfim, testemunhamos um elenco uniformemente comprometido com a encenação, cumprindo com galhardia todos os pré-requisitos para se fazer um bom musical. “Yank! – O Musical” se enquadra com grandes méritos em um momento bastante delicado de nossa era, no qual se discute abertamente, mesmo que seja em meio a petardos retrógrados, conservadores e obscurantistas, sobre a aceitação pela sociedade de outras possibilidades de relação afetiva e amorosa que não seja aquela ditada como a correta, a normal, a tradicional e adequada às convenções obedecidas pela coletividade. Com uma história sensível, com toques de humor, ainda que seja ambientada em tempos de horror, como a Segunda Guerra Mundial, “Yank! – O Musical”, composto por uma equipe sabedora de suas funções, oferta-nos com suas inspiradas dramaturgia e música, suas coreografias e seus atores um pequeno retrato simbolizador da infatigável peleja daqueles que combatem a escuridão da ignorância e do nefando preconceito. Não há forma de “protesto” e “denúncia” mais sutil e admirável do que aquela feita por meio do poder positivamente manipulador da música, esta etérea e inefável manifestação artística que se origina na mais pura e honesta vontade humana. E “Yank! – O Musical” faz isso muito bem. Nem é preciso comprar a revista homônima. É melhor ver ao vivo.