Blog do Paulo Ruch

Foto: André Arruda/Divulgação

A Luciana Fregolente e Renata Castro Barbosa cabem esta missão descrita no título acima. Ambas se desdobram em vários papéis, cada um mais tresloucado que o outro (sim, a proposta é esta). E para dar vida a todos eles, tanto Luciana quanto Renata usam e abusam de seus recursos cômicos indiscutíveis, apoiando-se em gestuais, esgares, e modulações de voz diversas. Logra-se êxito, comprovado pela efusiva resposta da plateia. As atrizes se firmam como legítimas integrantes da nova geração que se dedica ao humor no Brasil. O diretor Victor Garcia Peralta, ciente das ferramentas que à sua disposição estavam, compôs de modo admirável um espetáculo leve, divertido e ágil. Victor, que tem em mãos bastantes elementos para organizar, como esquetes e respectivos personagens, atinge a qualidade ao montar um arranjo condizente com as intenções do texto. Há claros dinamismo, “timing”, e uso coerente do espaço cênico. Com isso, o público em nenhum momento se entedia. Mérito que se perfaz. A encenação fora escrita por dramaturgos que ultimamente conquistaram justo lugar no nicho da visão própria de quem se pretende a provocar o riso. Bruno Mazzeo, Luciana Fregolente, Fábio Porchat, Elisa Palatnik, Maurício Rizzo e Rosana Ferrão desenharam um painel de situações que tangem o absurdo já citado. Um exagero permitido para que se pudesse alcançar a graça, baseado em experiências cotidianas do ser humano. Há variedade das mesmas. O stress ao qual ninguém está livre; a violência urbana associada aos serviços de “delivery”; a insistência descabida aliada à inconveniência das operadoras de telemarketing, que levam o potencial cliente/vítima à impaciência próxima ao surto (entende-se por irritação); a esperta adaptação das instruções de aeromoça como se em ônibus estivesse, tendo por inspiração a realidade em que vivemos; a abordagem quase “sacrílega” da finitude do homem; o quanto linhas cruzadas telefônicas podem acometer as pessoas de aborrecimento e perturbação psicológica; o bizarro encontro entre profetisa e consulente; as frustrações, recalques, e ressentimentos revelados por antigos ícones, como a Mulher Maravilha e a boneca Susie; e a Mãe Natureza rebelada face ao desrespeito dos que na Terra habitam. Tudo regado a pinceladas cáusticas, porém nunca fora de contexto. O cenário de Adriana Milhomem é de uma elegância frugal, dando oportunidade para que o palco em si fique disponível para as performances das intérpretes. Há dois cubos que servem de assentos deveras aproveitados por Luciana e Renata. Ao fundo, belos cubos dependurados por meio de fios que ora se acendem, ora se apagam. Uma visão deslumbrante. Sem contar que no início da peça, há um telão com clipe animado e música dançante composta por Leoni e Luciana Fregolente. Assim, o começo se dá em clima de alto astral. A parte musical criativa pertence a Leoni e Pedro Mamede. No tocante aos figurinos à cargo de Domingos Alcântara e Luciana Cardoso, uma contribuição primorosa. As atrizes estão bonitas, trajando calças pantalonas de cintura alta em tons acizentados, “bustiers” aveludados e/ou acamurçados negros sobre segunda pele “nude” de mangas longas. O visagismo procura a discrição. Funciona. As artistas estão com cabelos presos por coques, e maquiagem suave, realçando-se os olhos com lápis preto. A iluminação de Djalma Amaral impõe agradável sensação ao público, utilizando-se de focos, luzes gerais, além de oscilar conforme se exige. A principal atração neste segmento técnico são o acender e o apagar dos cubos já mencionados sitos no “background” da ribalta. A preparação corporal de Mariana Donner explora com eficiência as possibilidades indicadas nas histórias exibidas. Concluímos que “Alucinadas” é um entretenimento inteligente, e pensado com adequação ao risível. Ademais, “Alucinadas” corrobora os talento e intimidade com o tablado de Luciana Fregolente e Renata Castro Barbosa.

Foto: Eduardo Alonso

Como pôr em palco, com mínimo de sedução e cumprimento de verdades históricas, instantes românticos e conflituosos da convivência de notório casal nos quais a melancolia várias vezes se faz presente com visível pujança? Walter Daguerre, o autor, e Jacqueline Laurence, a diretora, souberam com maestria fazê-lo. A encenação baseia-se muito na leitura de cartas, sejam elas trocadas entre o par, sejam elas enviadas a pessoas próximas e queridas. O texto de Walter capta os elementos que narrei acima em diálogos que desnudam o panorama de relacionamento de Chopin e Sand desde o seu começo até o fim. E a possibilidade só existiria em mãos hábeis de alguém incumbido de dirigi-lo. No caso, a reconhecida atriz e diretora Jacqueline Laurence já citada. Ela comanda a obra com amor e devoção aos preceitos designativos do bom teatro. O que digo evidencia-se no aproveitamento estudado do espaço cênico, na acuidade com relação à interpretação dos atores, e na cautela em entremear a peça com as belíssimas composições de Frédéric Chopin. Aliás, a música ao vivo tocada pela virtuose do piano Linda Bustani só impinge riqueza ao todo, e amacia nossos ouvidos. Marcelo Nogueira, que personifica Frédéric, também cumpre com dignidade esta função. A direção musical é atribuída a Roberto Duarte, que soube ricamente usar as canções do músico polonês com suas diversas nuanças no intuito de buscar a valorização da cena. A trilha sonora de Eduardo Elias é uma preciosidade legítima, aproveitando o que há de melhor naquilo que foi produzido pelo amante de Sand. No que concerne às atuações, tanto Marcelo Nogueira quanto Françoise Forton entregam-se com paixão de forma inteligente aos seus personagens, respeitando a variação de emoções dos mesmos. O cenário de Ronald Teixeira é de se encher os olhos. Capricho, harmonia e coerência ímpares. Algo à parte que devemos apreciar são os dois pianos de cauda, sendo que um fica no centro do palco para Marcelo, e o outro ao fundo do lado esquerdo para Linda Bustani. Há uma “chaise longue” com estofamento próximo ao vermelho, escrivaninha com respectiva banqueta, dois cabides para as inúmeras trocas de roupas dos retratados. Cortinas brancas laterais e no “background” completam o lindo arranjo cenográfico. Porém, o que mais me deslumbrara foram os biombos vazados com admiráveis arabescos. Os objetos de cena providenciados por Karlla de Luca são fiéis à época em que se passa a ação: o século XIX. Os figurinos foram de responsabilidade de Ronald também. Ele aposta nos luxuosos fraques e coletes, “manteaux”, xales e luvas. Tudo adequado, e com forte colaboração para que nos transportemos para os meados do século mencionado. Já a iluminação de Renato Machado é pensada de modo a tornar o entretenimento aprazível, depositando seu talento na diversificação das luzes de variados matizes. Um em especial é bastante encantador. Possui um tom amarelado, fato este que realça eficiente visagismo de Sandra Moscatelly. Existe uma gambiarra atrás da ribalta que exerce múltiplas atividades colaborativas. Utilizam-se focos, e luzes geral e indireta, o que comprova a diversidade que lhes falei. Ao final do que assistimos, estamos mais informados. Certificamo-nos que tomamos um “banho de cultura”, e do quanto o clássico não à toa é clássico. Testemunhamos a trajetória de duas importantes figuras no campo em que atuaram. Percebemos claramente o infinito amor que Chopin e Sand sentiram um pelo outro. O que não impediu atritos e a troca de indesejáveis e ofensivas palavras do casal de lado a lado. “Chopin & Sand – Romance Sem Palavras” deixa-nos uma ideia em nossas mentes: o amor existe, o amor pode ser sofrido, o amor é possível, e que talvez um amor idealizado seja aquele de um romance sem palavras.

Foto: Adelson Brasil/Divulgação

Ribalta à vista. Local em penumbra. Fumaça dá ambiência de mistério. O preto predomina. Três cadeiras metálicas estão perfiladas no proscênio. Ao fundo, do lado esquerdo, confortável poltrona “capitonner” ladeada por pequena mesa na qual garrafas e copos estão dispostos. Estes encimados por belo e clássico lustre. Um tapete serve de adorno. Ainda no tocante à cenografia, há o sempre infalível telão que exibe tanto imagens dos filmes de Marlene Dietrich como de fatos históricos pelos quais a atriz e cantora passou. Trabalho coerente de William Pereira, que também dirige a peça. Aliás, nesta função, William sai-se muito bem, privilegiando a não estagnação da história, focando-se na atuação dos intérpretes, e nas várias apresentações musicais (um dos pontos altos do espetáculo). O diretor utiliza-se de modo pleno do espaço cênico, inclusive o “background” para os shows. Os competentíssimos músicos foram colocados no lado direito do palco. A música ao vivo faz toda a diferença para que se buscasse um resultado compensador e agradável. Outro fato a se relevar é a preparação corporal que ficou a cargo da consagrada Marcia Rubin. Marcia procurou valorizar sobremaneira o gestual do elenco. Talvez, a sua tarefa mais dificultosa tenha sido ajudar Sylvia Bandeira a compor uma Marlene o mais convincente possível. E conseguiu. A iluminação do respeitado Paulo Cesar Medeiros aposta em contrastes, sombras, e focos em único artista (com destaque nas performances). Algo expressionista. Há lindo momento em que Marlene Dietrich é iluminada apenas por lanternas. A luminosidade do lustre supracitado impinge charme geral. Um acerto. A direção musical de Roberto Bahal é primorosa. Nossos ouvidos são acarinhados com bonitas e emblemáticas canções (de origens linguísticas diversas), inclusive “Luar do Sertão” e “Blowin’ in the Wind”. Os figurinos de Marcelo Marques são luxuosos, caprichados, pensados com prudência para que não escapassem à época em pauta. O “peignoir” usado por Sylvia é estampado com tons de cinza. Todavia, há o preto, o neutro, o brilho, e um suntuoso vestido longo vermelho trajado por Marciah Luna Cabral (integrante do “cast” e responsável pela notável preparação vocal). Aimar Labaki, o autor do texto, cumpriu com excelência a missão nada fácil de mostrar painel tão rico quanto atribulado de uma das figuras mais admiradas e polêmicas do século XX. Os diálogos fluem, o que torna a compreensão do enredo palatável para o público. Quanto às interpretações, Sylvia Bandeira personifica de forma gloriosa, sensível e bem-humorada a diva Marlene Dietrich. Não é ofício com facilidades. Ao sair do teatro, tive a nítida impressão de que Sylvia atingiu a melhor fase da carreira, demonstrando capacidade interpretativa irrefutável. Já José Mauro Brant, Silvio Ferrari, e Marciah Luna Cabral desdobram-se em vários papéis com evidente correção. No palco, vemos desfile de nomes ilustres da Arte mundial, como Edith Piaf, Maurice Chevalier, Gary Cooper, Josef Von Sternberg, Jean Gabin e John Gilbert. A peça conquista a meta almejada: emociona, distrai, e nos faz conhecer melhor esta controvertida e importante mulher que viveu intensamente. O “Anjo Azul” logrou com que, ao final do que assistimos, tudo aquilo que ao nosso redor estava ficasse mais azul.